Retour chez notre boîte de production favorite, la Troma Team Release, avec un de leurs vieux crus que je viens de découvrir : Combat Shock. Série Z complète jouant sur les terrains d’un Rambo dont il est une version à la fois cheap et cruelle (d’une certaine façon plus « réaliste » dans sa cruauté), Combat shock est un film sans concession qui parvient à tenir ses objectifs, à savoir un récit perturbant et sans concession de vétérans du Viet Nam abandonnés à la vie civile après usage.

L’histoire : Un vétéran du Viet Nam, marqué part les évènements qu’il a vécu, tente de survivre dans une banlieue américaine, faisant face aux gangs et ressassant sans cesse le passé.

Malgré la facture de série Z qui se sent d’un bout à l’autre du film (la jungle fait très « terrain vague », les explosions sont des pétards un peu enterrés, le bébé est une marionnette en plastique hideuse…), le sérieux qui imprègne le film fait immédiatement penser à Apocalypse Now, comme en témoigne la voix off de notre personnage principal qui ressasse ses pensées façon seul contre tous, film dont l’état d’esprit n’est pas si éloigné de ce bel essai de Buddy D. Commençant avec une pérégrination de notre héros en territoire ennemi, le film donne donc dans la description du conflit sous angle halluciné, posture « classique » depuis le chef d’œuvre de Coppola, mais toujours efficace comme en témoigne ce film. Si, malgré ce sérieux, le côté Z peut un peu décourager niveau scènes guerrières (malgré des plans gores à la hauteur), le film prend davantage de poids avec le retour à la vie réelle. Prenant place dans une banlieue en décrépitude, nous retrouvons notre héros marié à une souillon qui le harcèle constamment pour trouver de la thune pour le ménage, avec un bébé d’une laideur assez terrifiante (je pense que c’est le faible budget qui est en cause, mais il n’est pas interdit d’y voir un hommage (involontaire) à Eraserhead). Et quand il sort de son appartement, ce sont les gangs qui viennent le dépouiller, la zone pour les promenades. La seule personne qui semble finalement proche de lui est un autre vétéran, qui sombre lui dans l’enfer de l’héroïne façon Requiem for a dream (avec une gangrène qui commence à s’installer). Niveau glauquerie, on en a pour notre argent, et le film ne cesse de s’enfoncer dans les abîmes de l’inéluctabilité, rien ne venant aider notre vétéran à s’en sortir. Aucune chance, de rares tentatives qui échouent lamentablement… Et ce traumatisme qui revient continuellement à la charge, culminant jusque dans la séquence décisive où notre personnage récupère une arme. Ne sacrifiant jamais le dramatisme de sa violence (chaque mort est un coup dans l’estomac), Combat Shock se hisse d’un coup dans la classe des films qui remuent, comme Taxi Driver ou encore Dead Man Shoes. Et cela sans la moindre prétention, c’est même contre toute attente que le film prend cette ampleur, animé d’une rage peu courante pour du petit budget. Film marquant oublié, Combat Shock est une petite révélation en soit, même si les ingrédients qu’il manipule sont classiques, connus, et qu’ils ne surprennent pas. Mais la violence du ton employé et l’absence de concession (le drapeau américain en prend un coup, avec un final traumatisant) en font presque une œuvre majeure. Un miracle, en somme.

5/6

1986

de Buddy Giovinazzo

avec Ricky Giovinazzo, Veronica Stork, Mitch Maglio

Reprise du cercle Larry Clark avec la découverte aussi inattendue (un dvd au marché aux puces paumé entre Baby sittor et Banlieue 13 (que j’ai également acheté, pour faire croire que je suis normal)) que foudroyante, puisque Bully passe en tête de mon classement Larry Clark, soit devant Ken park qui était mon préféré jusqu’à lors. Bully, c’est la descente aux enfers d’une bande d’ado isolés dans leur quartier et cohabitant tant bien que mal, avec les habitudes et les dérives que cela provoque. Impossible d’échapper aux contacts quotidiens avec les mêmes gens, et les frustrations qui s’accumulent créent peu à peu des tensions qui explosent dans un final amoral complètement survolté. Gros uppercut filmique.

L’histoire : Bobbie et Marty sont amis depuis plusieurs années. Enfin, ami signifie que Marty s’est attaché à Bobbie, qui le traite autant comme un soufre douleur que comme un ami (en gros, selon ce qui l’arrange). La situation se corse quand Marty réussit à entamer une relation avec Lisa, une fille de son quartier.

Bully se divise clairement en deux parties. Il y a d’abord la première moitié, qui dresse un portrait de tous les adolescents que nous allons côtoyer pendant le film. C’est le côté très Larry Clark, puisque nous retrouvons ainsi l’atmosphère étouffante de Ken Park, apothéose des portraits selon cet auteur. On décrit en détail la relation qui unit Marty et Bobbie, à savoir cette fausse amitié où Bobbie tyrannise son compagnon tout en y étant attaché. Marty s’est quant à lui habitué à la situation, et la récente conquête d’une petite le pousse peu à peu à s’émanciper, d’où un tempérament de plus en plus nerveux. Les portraits, toujours trash par essence, prennent davantage d’épaisseur quand Bobbie commence à manifester des attirances ambigües, notamment pour son fantasme sur un porno gay amateur, et pour la troublante séquence où il force Marty à faire un strip tease dans une boite gay pour récupérer du fric (en apparence, mais la conversation qui suivra dans la voiture est particulièrement révélatrice). Bobbie est donc l’étudiant trash en perte de repères, qui fait usage de violence sur ses pairs pour parvenir à ses fins, Marty est un sportif médiocre en cours qui commence à réclamer son indépendance. La grossesse de sa copine est un phénomène déclencheur évident, malgré le rejet immédiat, il semble évident que cet évènement soude au final davantage ce jeune couple. Et c’est là que s’amorce la seconde partie du film, terrifiante. En effet, suite aux frasques de Bobbie auprès de plusieurs personnes (dont un viol, mais les circonstances sont troubles, preuve une fois encore de la finesse des portraits de Larry Clark), la bande de jeunes que nous fréquentons depuis le début du film émet alors le projet d’assassiner Bobbie. Pour le bien de tous en somme. Si l’idée semble inconcevable, la façon dont elle est amenée, graduellement, est effrayante de réalisme. D’abord par ouverture d’esprit, puis par curiosité et irresponsabilité (chacun ne cesse de se décharger de son implication sur son collègue), le plan se forme, prenant des airs de complots pendant que la bande ne cesse d’inviter Bobbie afin de trouver une opportunité. Puis a lieu le meurtre en question, digne de The Manson Family. Et la chute continue, avec les craintes paranoïaques que chacun se met à développer dans son coin, aux alibis qui se créent en dépit de la logique, aux petits détails qui font psychotter. Bref, tout ce petit monde s’entre-déchire jusqu’à la première dénonciation, à partir de laquelle tout le monde chute. La meilleure scène à en retenir reste probablement celle de la conclusion, où réunis sur le banc des accusés, tous les ados se rejettent encore la culpabilité les uns sur les autres, devant une audience abasourdie. Du bousillage de vie de premier plan, aussi cru que merveilleusement dépeint, pour ce qui doit être le film le plus hargneux de Larry Clark (pas le plus violent, mais l’un des plus jusqu’auboutistes). Une claque phénoménale.

5,5/6

2001
de Larry Clark
avec Brad Renfro, Nick Stahl

Aujourd’hui, bouclage du cycle Karim Hussain avec son dernier long métrage en date : la belle bête. Comme le savent ceux qui ont suivi ce blog ou la carrière du réalisateur, il a surtout donné dans l’expérimental, avec un goût immodéré pour le trash poétique. Et comme ça l’embête visiblement beaucoup de donner dans un registre qu’il a déjà exploité, Karim part aux antipodes de ses précédents travaux, puisqu’il donne ici dans le drame familial à étude de caractère. Un film troublant et forcément polémique, qui m’a moins convaincu que ses prédécesseurs.

L’histoire : les chroniques d’une famille vivant dans une grande maison de campagne, où la mère, veuve, chérit son fils au détriment de sa grande sœur, jalouse de ce statut et désirant plus que tout nuire à ceux qui l’entourent.

Indubitablement, la facture très auteurisante de ce film le propulse aux côtés de The War Zone dans le cas des drames familiaux aux portraits psychologiques soignés. Toutefois, le film n’hésite pas à donner dans l’hallucination expérimentale avec les apparitions régulières d’un homme à tête de cheval, marquant en quelque sorte la présence paternelle qui a toujours été absente dans cette vie de famille. L’isolement de cette cellule familiale minimaliste est la première chose qui frappe, puisqu’elle est la condition nécessaire pour faire survenir tous les débordements psychologiques qui suivront. En effet, la relation qu’entretiennent la mère et le fils est rapidement trouble, trop proche physiquement pour ne pas provoquer le malaise. Il faut dire que le fils en question, qui approche de la majorité, se comporte toujours comme un enfant lové dans le cocon familial, d’où il ne s’est visiblement jamais extrait. Il est le parfait exemple d’un développement retardé par un repli sur soi encouragé par la mère qui ne l’en a que plus choyé. Il est naïf, c’est un enfant dans un corps de vieil adolescent, pubère, mais qui n’a toujours pas entamé les interrogations qui forment le passage vers l’état adulte. Cette relation  est malsaine, et on pourrait croire qu’elle sert de prétexte à la sœur pour anéantir sa famille. Mais ce n’est qu’en surface. Ce personnage féminin de la sœur, autant le noter toute de suite, est digne d’une obsession. C’est bien simple, depuis Isabelle Adjani dans Possession, aucun rôle féminin ne m’avait autant renversé. Ses motivations sont troubles, elle est complètement imprévisible, changeant sans cesse d’attitude vis-à-vis de son petit frère, qu’elle câline avant de bizuter, qu’elle allume avant de frustrer, qu’elle console avant de mutiler… Ce rôle féminin est une personnification de la perversion poussée à un point rare. Et les comparaisons entre elle et l’Homme du premier segment de Subconscious Cruelty se fait assez vite (les scènes où elle réfléchit sur un lit), cette dernière prenant un plaisir évidant à détruire ses proches, animée de joies malsaines qui font de ce personnage un véritable phénomène. Tout dans son attitude, dans son physique, pousse au malaise (son sourire avec sa dentition courte est terrifiant), et le lien évident que ressent ce personnage avec la douleur (quand elle l’inflige ou qu’elle la reçoit) ne cesse d’être mis en avant tout au long du film. Retardant un moment les inévitables débordements qui constitueront la dernière partie du film par l’arrivée d’une hypothétique figure paternelle immédiatement rejetée par les deux enfants, le film souffle quelque temps avant de repartir de plus belle, consommant toutes les pistes qu’il a ouverte et cavalant vers le dénouement sans laisser respirer le spectateur. Complètement amoral, trash sans être démonstratif (à l’exception d’une césarienne et d’un plan gore, rien), La belle bête est un portrait étrange, torturé par essence, qui tente d’apporter un écrin très classique aux aspirations de Karim Hussain (le cachet « cinéma d’auteur » est complètement taillé pour lui). Toutefois, il n’y a plus la fougue créatrice, l’ambition dévorante, la soif de nihilisme qui l’animait. Tous les efforts de cohérences qui sont fait pour dresser un portrait réaliste encadrent le film avec rigueur, si bien que l’univers semble se réduire. C’est néanmoins le film le plus accessible de Hussain, et à fortiori le moins perturbant. Le portrait est de qualité, et avec le personnage de la sœur, Hussain parvient à susciter la fascination, mais pour ce qui est des autres portraits, bien que justes, ils ne semblent être là que pour donner de la marge de manœuvre à cette succube aux dents courtes. Un essai intéressant, mais moins définitif qu’Ascension.

4,3/6

2006
de Karim Hussain
avec Carole Laure, Caroline Dhavernas