Après le Pacte des Loups, Christophe Gans s’est attaqué à un projet quasi suicidaire : réussir à adapter Silent Hill au cinéma. Fan du jeu lui tombant dessus, Christophe avait donc du pain sur la planche, d’autant plus qu’il pioche des éléments de différents jeux pour faire son film, et qu’il remplace le père du jeu par une mère (ce qui implique des réactions émotionnelles dans un registre assez différent de celui des jeux). Cependant, on avait déjà un indice sur la qualité du film : Christophe avait réussi à convaincre les réalisateurs du jeu de le laisser faire l’adaptation de leur univers.

L’histoire : Sharon, la fille de Rose et Christopher, est sujette à des crises de somnambulisme où elle parle de Silent Hill, une ville fantôme construite sur une mine de charbon qui se consume petit à petit. Rose décide d’emmener Sharon sur place afin de mettre un terme à ses crises, contre l’avis de son mari. Mais une fois sur place sa fille disparaît, et elle se retrouve à errer dans une ville pleine de monstres.

Niveau ambiance, on a rarement fait aussi fort en termes d’adaptation de jeux vidéos. N’ayant pas encore testé ces derniers, je ne pourrais faire la comparaison avec le contenu des jeux. Toutefois, certaines séquences reprennent certains cadrages du jeu (on pense surtout à la première séquence dans le noir qui adapte parfaitement ce premier contact avec le monde déviant de Silent Hill). Certaines séquences du jeu sont donc respectées, mais le film ne perd jamais de vue son sujet, et tente même de l’enrichir. Déjà en posant bien les bases d’univers parallèles dans lesquels évolueront nos personnages. Rose évoluera dans au moins deux univers parallèles : la ville figée de Silent Hill dans lequel elle effectue la quête de sa fille et le plan Infernal où les monstres se comptent par dizaines et où survivre est une priorité absolue. Christopher restera dans le monde que nous connaissons, ne pouvant avoir accès qu’à la partie émergée de l’iceberg. Toutefois, c’est par lui que nous en apprendrons plus sur le passé d’Alessa Gilsbie, la mère de Sharon (plus tard adoptée par Rose et Chris), ce qui constitue un parti pris assez osé, car nous faisant sortir de l’univers de Silent Hill et l’ancrant plus dans le réel (alors que le jeu s’inscrivait purement dans le fantastique qui se déconnectait totalement de la réalité). Pour la partie fantastique, Gans filme le parcours de son héroïne comme une chasse au trésor, en ponctuant son parcours d’indices et d’objets qui lui permettent d’évoluer dans la ville et de retrouver sa fille. Cependant, le procédé n’est pas toujours honnête, la quête sonnant bientôt comme un peu répétitive (la mère courant en criant « attends » à une gamine attifée comme sa fille à plusieurs reprises). N’aurait-il pas été plus intéressant de faire chercher à son héroïne, parallèlement à sa fille, comment sortir de ce cauchemar ? Toujours est-il qu’on circule en ville en faisant des détours et en découvrant le passé de la cité et des derniers habitants qui survivent encore dans ses cendres.

Sur le plan des décors, Silent Hill est une pure merveille, la direction artistique étant tout simplement impeccable. L’univers est ultra cohérant dans son délabrement, les décors sont admirablement choisis et filmés, et permettent d’installer une ambiance oppressante et assez angoissante, les monstres survenant ainsi sans qu’on les attende. Leur design est lui aussi parfaitement dans l’esthétique torturée du film, à grand renfort d’insectes monstrueux et de démons graphiquement stylisés (tête de pyramide, infirmières…) qui se révèlent être un vrai bonheur pour les yeux. Christophe pousse le perfectionnisme jusqu’à modifier subtilement la couleur des vêtements de son héroïne, qui changent imperceptiblement de couleur au cours du film, collant ainsi à l’ambiance et tendant peu à peu vers le rouge. ENOME SPOILER : Le film n’oublie pas non plus les dérives psychologiques des survivants de cet enfer, et se révèle vecteur d’un propos incendiaire sur les fanatiques religieux, ultra manichéens ici, et prisonniers dans un enfer qu’ils ont involontairement créé. Un propos très noir, qui trouvera sa conclusion dans une scène de carnage monumentale et jouissive au possible (jamais les barbelés ne se seront révélés aussi efficaces), qui conclura avec ampleur cette histoire au fantastique si particulier. L’épilogue est quant à lui amer, refusant de nous livrer un happy end, isolant nos héroïnes et brisant la cellule familiale initiale, ce qui n’est pas sans cruauté, la famille étant réunie dans la même pièce, mais étant incapable de se voir car sur des univers différents. FIN DES SPOILER.

Slient Hill, c’est donc un projet colossal, un film monstrueux dont le visuel est à tomber, qui souffre d’une narration un peu trop linéaire pour divertir à fond sur deux heures durant, mais qui se révèle dans tous les cas compréhensible (on m’avait dit que le film était difficilement compréhensible la première fois, c’est faux), et jusqu’auboutiste dans son propos. Les interprétations des acteurs étant excellentes (Sean Bean sobre, Tanya Allen n’est pas toujours au top mais elle sait rester convaincante dans les séquences fortes, et Jodelle Ferland constitue une vraie révélation, jouant 3 rôles différents avec un certain talent, même si son interprétation du Diable n’est pas sans léger cabotinage). Un film fantastique de cette trempe, il y en a suffisamment peu pour qu’on se permette de crier au chef d’œuvre. Une révélation en ce qui me concerne.

6/6

de Christophe Gans
avec Radha Mitchell, Sean Bean

Il est des films qui sont de véritables monuments et dont on ne parle plus vraiment aujourd’hui. C’est par exemple le cas de Sa majesté des mouches, une petite merveille du cinéma d’aventure doublée d’une direction de jeunes acteurs exemplaire, que ne doit pas renier un certain Vinyan comme sous d’inspiration majeure. Une petit claque inattendue et magnifiquement filmée.

L’histoire : après le crash de leur avion sur une île déserte, des dizaines d’enfants fuyant la guerre se retrouvent sans adultes pour les diriger. Ils se retrouvent livrés à eux même et commencent à organiser leur survie.

L’efficacité de ce film n’est jamais remise en question, car à part un générique un peu faiblard, ce film est une excellente adaptation, parfaitement cohérente sur des thèmes autant psychologiques que sociologiques. Le générique visé, c’est le contexte historique de cette histoire, d’abord sur le vieux continent où les enfants sont bien encadrés. Puis vient leur départ en avion puis leur crash. C’est probablement cette partie qui est la plus bancale, car ce servant de photographies d’avions et de mouvements de caméra superflu pour dynamiser la scène. Le film n’ayant pas de budget pour organiser un crash, on les pardonne quand même, surtout quand on découvre la suite de l’histoire. En effet, dans ses débuts, ce film a tout pour enthousiasmé le public, en commençant comme un film d’aventure débrouillard où des mômes vont devoir survivre jusqu’à l’arrivée des secours. Les robinsons suisses en différent ! Il y a d’abord l’élection d’un chef, puis les différentes idées qui sont avancées sur la conduite à tenir. D’abord se situer géographiquement, puis faire un feu pour être repéré. Mais l’ambiance change peu à peu, des tensions étant clairement palpables entre   et    , le chef de la chorale présent dans l’avion. On assiste peu à peu à une bipolarisation du groupe, qui tend peu à peu à rejoindre le plus âgé des deux, dont les promesses sont assez alléchantes quand on est jeune : aventure, nourriture, jeux… Des tendances qui ramèneront peu à peu les gosses à un état de sauvagerie, la violence prenant peu à peu l’ascendant sur le bon sens (rester auprès du feu et l’alimenter pour être repérable). L’évolution des protagonistes est particulièrement bien dépeinte, les enfants étant bien caractérisés en première partie de film, et devenant méconnaissable sur la fin. Le film prend alors des allures de survival (j’ai un peu pensé aux Chasses du comte Zaroff) avec des enfants impitoyables comme tortionnaires, animé par cette même joie enfantine qui les a poussé dans l’aventure, et qui les a peu à peu ramené à des états primaires de sociabilité (d’abord un groupe, puis une bande de chasseurs, puis une meute). Si la violence n’est pas trop mise en valeur, elle reste néanmoins présente, en se montrant diablement efficace (la fin atroce de Piggy). Indéniablement subversif, ce film porte un message assez éloquent en son sein : l'Homme a naturellement tendance à recourrir à la violence et à être victime des superstitions. Ces enfants qui fuyaient la guerre, et qui logiquement devraient être sensibilisés contre cette situation, reproduisent les mêmes erreurs que le reste de l'humanité, d'abord en se divisant, puis en laissant la peur envahir leur esprit (la bête sauvage introuvable) et la violence établir les rapports sociaux. Ce film, c’est un condensé de ce qu’on a pu faire de mieux sur l’enfance, et une expérience psychologique formidable, certes romancée, mais jusqu’auboutiste dans son propos, et qui devrait marquer à jamais l’imaginaire du spectateur. C’est bien simple, en une seule vision, je sais déjà qu’il fera partie de mon top « enfants méchants » cinématographique. Une référence tout simplement indispensable.

6/6

de Peter Brook
avec James Aubrey, Tom Chapin

Après les prestigieux Ghost In the shell 1&2 (aussi bien visuellement que thématiquement), la nouvelle date dans la japanimation se révèle être 2004, avec l’apparition d’Appleseed, puis de sa suite (Appleseed ex machina). Après cela, le studio a persisté dans cette voie graphique et philosophique, en nous offrant le merveilleux Vexille 2077 et le moyen Orbital To. Rapide plongée dans 4 films notables de la science fiction animée.

Appleseed : Indéniablement, d’un point de vue purement technique, appleseed est une petite révolution dans le monde de l’animation, puisqu’à l’écran, elle est la synthèse parfaite de 2 techniques : les images de synthèses totalement numériques et les techniques de colorisation classiques des animés japonais. Les graphismes sont clairement hybrides, les images n’ont pas la texture purement informatique des Pixars, et les contours sont beaucoup plus précis que dans un animé classiques. Une facture technique innovante et aboutie (on en sentait les balbutiements dans ghost in the shell 2, qui tentait déjà de mélanger les techniques). Et cette technique n’est pas utilisée en vain, puisqu’elle est au service d’une histoire de science fiction ludique, maîtrisée et assez intéressante pour les idées qu’elle développe sur l’humanité. La scène d’introduction rend un bel hommage, en montrant qu’Appleseed est capable de faire aussi bien, sinon mieux, dans la SF post apocalyptique que Terminator 2. Mais elle préfère bien vite arpenter un nouveau chemin, celui de la SF fine et bien construite, en étant toutefois bien plus claire que les ghost in the shell (qui étaient hélas victimes de leur intelligence, en perdant facilement le public dans leur intrigue), et bien plus ludique en terme d’action. Dans ce film, l’humanité a été décimée par une immense guerre, et tente de se reconstruire dans la cité utopique d’Olympus. Afin de réguler les conflits, une race de sous-hommes a été créée : les bioroïdes, des clones humains dont les sentiments ont été génétiquement amoindris (ils gardent la tête froide dans les situations de crises et en formant une grande population, ils peuvent calmer les colères populaires). Mais ces clones sont victimes de discrimination, et certaines personnes de pouvoir étant des bioroïdes, cette race cause de plus en plus de doutes et d’interrogations au sein de la population humaine. Les enjeux politiques et ethniques de l’histoire ont largement l’avantage, ce qui permet de disserter sur quelques idées du comportement humain, en insistant un peu sur sa propension à s’auto-détruire. Discours classique mais intéressant, d’autant plus que visuellement, le film est particulièrement réussi. Les séquences d’action sont très efficaces, et permettent de jour d’un spectacle haut de gamme, une véritable jouissance pour tous les amateurs de SF animée. Sans conteste, Appleseed est une réussite même si elle bénéficie de quelques raccourcis scénaristiques (le mot de passe final miraculeusement complété) et de tentatives moyennement abouties (les frustrations sentimentales des bioroïdes, la relation Deunan-Priarios), qui montrent que les info-graphistes ont encore des progrès à faire sur les expressions faciales et sentimentales des personnages. En tout cas, un spectacle de qualité qui vaut largement le déplacement.

5/6

de Shinji Aramaki
avec Ai Kobayashi, Jûrôta Kosugi

Appleseed ex machina : Reprenant les codes de son dernier film, Appleseed ex machina est un beau petit exemple de séquelle respectueuse, qui reprend à la lettre les ingrédients qui ont fait le succès de son prédécesseur, mais en renouvelant cette fois ci l’intrigue. On change complètement de registre, avec maintenant non plus une guerre inter raciale entre humanoïdes, mais une critique de la société de consommation par le biais des nouvelles technologies de communication. Sans trop spoiler cette histoire énorme, disons que n’importe quel civil équipé d’un certain type d’appareil peut potentiellement devenir un terroriste incontrôlable oeuvrant pour une puissance méconnue. Donc, il y a pas mal de questions auxquelles il faut trouver des réponses, et des séquences d’action hyperlisibles qui ajoutent un peu de sel à ce spectacle de qualité. On retrouve nos héros du premier épisode, avec les implications sentimentales qui vont de paire. Là où dans le premier on s’intéressait au passé de Deunan, c’est Priarios qui est au centre de l’affaire, étant une cible privilégiée du virus informatique visant à contrôler la population. Un héros qui représente une menace pour le groupe, des scènes d’action plus ambitieuses que son prédécesseur… Un bien beau spectacle en perspective, qui si il ne délaisse pas son script cherche plus le divertissement que la chronique sociale. On a en effet droit à un final dantesque digne d’un jeu vidéo, où nos héros devront faire face à des milliers d’adversaires potentiels pendant qu’Olympus sera au bord du chaos. Hyper généreux et jamais bordélique, le scénario ménage le suspense et parvient à nous fournir une suite honorable, sans réelle innovation graphique au vu du premier, mais qui se révèle tout aussi efficace. Une belle performance.

4.5/6

2007
de Shinji Aramaki

Vexille 2077 : Cette nouvelle production de 2007 est assez intéressante, car si elle est issue incontestablement des mêmes studios (les graphismes parlent d’eux même, bien qu’ils aient été un peu modifiés), l’univers change radicalement, le monde exploré se révélant être un futur assez proche. C’est donc de la SF qui tente de s’ancrer un peu plus dans le réel en nous offrant déjà un pitch prometteur : le japon, frustré par les limitations en recherches génétiques et robotiques, rompt toutes ses liaisons diplomatiques et s’isole complètement du monde pendant 10 ans, en protégeant tout leur territoire par un système de cryptage qui filtre les ondes radio et lumineuses. Ca titille les nations unies de voir une énigme pareille. Jusqu’à ce qu’un envoyé japonais s’en prenne à plusieurs chefs d’états importants sur le continent. On envoie alors un commando sur place en mission d’infiltration prioritaire pour percer le bouclier total de l’intérieur. Mais vite, les choses dérapent, le groupe se sépare, et on découvre bien vite qu’il y a eu un gros problème, le japon vivant carrément comme une cité du tiers monde : pas de bâtiments civils à plus d’un étage, et tous les habitants sont rassemblés dans une seule ville défendue par d’épaisses murailles. On sent de belles inspirations Duniennes  dans ce script, toujours portées par ce savoir faire technique qui sublime les idées du scénario. La chasse au vers des sables vous avait enthousiasmé ? On en chasse des biens plus gros ici, avec des bagnoles tout terrain et en fonçant à toute berzingue dans le désert ! Bien sûr, il y a aussi l’explication du mystère, que je ne révèlerai pas ici mais qui met un peu de sel dans le plat. Si le film a clairement rendu les armes sur le domaine du message social (tout au plus une légère mise en garde contre les laboratoires pharmaceutiques), le spectacle est toujours là, enthousiasmant, avec un rythme croissant et des personnages attachants, et des graphismes toujours aussi bluffant (avec ici des contours plus marqués que dans les précédents films). Si le succès public reste relativement modeste, il y a vraiment quelque chose à voir dans ces films au final tenant parfaitement leurs promesses. Certes, ils se lâchent un peu pour les séquences d’action, quitte à en faire un peu trop (la fin d’appleseed est clairement trop ambitieuse), mais qui ne déplace pas son public pour rien. Merveilleux !

4.5/6

de Fumihiko Sori
avec Meisa Kuroki, Shosuke Tanihara

Orbital To : Premier trébuchage, ça arrive. Orbital To est un aboutissement logique du cinéma qui nous était proposé jusqu’à maintenant par le studio, et qui devient donc une dérive logique des films précédents. En effet, ces derniers proposaient comme ingrédients des images animées travaillées et des histoires de gentilles SF dont les enjeux se simplifiaient au fur et à mesure que les films sortaient. En suivant cette tendance, on obtient donc Orbital To, un film aux images magnifiques et au scénario creux comme une citrouille un soir d’halloween. D’un point de vue technique, ce film est un aboutissement. C’est simplement, on tient peut être là les images de synthèse de l’espaces les plus belles qu’on ait jamais pu voir. L’ampleur visuelle doublée du réalisme de la SF développée gave complètement les yeux, et régale l’amateur de belles images. Le souci, c’est que l’amateur de japanimation a aussi des attentes, et qu’elles sont clairement frustrées ici. On développe un nouvel univers. Très bien, faisons cela et voyons comment ça évolue. Problème : on ne s’attache pas aux héros. Le film se coupe en deux parties, et dans la première, on baille poliment. On y parle vaguement d’abordage par des pirates spatiaux venus dérober une nouvelle source d’énergie. Mais n’ayez crainte, la crise va être résolue sans gros problème. Une petite gunfight en apesanteur, et c’est réglé ! Mais merde, où sont passés les mechas ? D’autant plus qu’on se fout royalement des histoires de cœur du chef de la station et de la capitaine de vaisseau. Bref, après une première partie chiante, on part sur une histoire de colonisation, assez amusante pour l’originalité des décors qu’elle décrit. Là encore, le réalisme est mis en avant, et l’intrigue concerne une contamination progressive des humains présents dans la station. Le film tente de jouer sur la peur d’un tel phénomène et sur les réactions expéditives du commandement non présent sur place, mais le dénouement est beaucoup trop gentil et écolo pour convaincre pleinement, pour peu que le spectateur ne se soit pas déjà endormi. En bref, ce film est une petite déception, la beauté des graphismes ne parvenant pas à racheter un manque cruel de scénario qui ne parvient jamais à créer des ambiances stimulantes pour le spectateur. Gardez les mêmes graphiques pour le prochain, mais pitiés, de l’action !!!

2.5/6

de Fumihiko Sori
avec Jun Fukuyama, Aya Hirano

Pour combler nos envies de SF, on est parfois amené à chercher très loin dans les introuvables, et on tombe parfois sur de petites surprises, comme le fût en son temps Saturn 3, misant sur Kirk Douglas comme héros principal. Si sa passerait facilement pour un sous-alien, le film se révèle être intéressant à plusieurs niveaux, et parvient au final à faire pencher la balance en sa faveur, malgré des ingrédients un peu éventés.

L’histoire : Benson, suite à son échec de sélection à une mission sur Saturn 3, tue son remplaçant et embarque à sa place, pour développer un robot devant relever Adam et Alex, deux savants développant des solutions aux problèmes de carences alimentaires terriennes.

Un point de départ plutôt minimaliste, le film se proposant de faire un huis clos de science fiction avec 3 personnes. Le casting est cependant convaincant, nous avons droit à Kirk le viking en personne, avec Harvey Keitel dans le rôle du méchant et Farrah Fawcett dans le rôle de la Walkyrie Alex qui va taper dans l’œil des deux hommes en présence. C’est ainsi que commence le film, et nous sommes donc face à un trio amoureux où les personnages sont voués à être frustré (surtout le méchant). Cependant, on sourit devant la naïveté des dialogues, où les bonnes vieilles méthodes ancestrales amoureuses ont clairement l’avantage sur les nouvelles mœurs, directement affichées comme des relations dépravées où c’est la jeunesse et la vigueur des participants qui doit entrer en première ligne de compte. Bref, les sentiments passeraient à la trappe, ce qui n’est pas l’avis d’Adam et Alex, qui comptent vivre pleinement leur relation épanoui. On sourit d’ailleurs en les voyants aux cours de leurs ébats, d’un classicisme qui ne dépareille pas avec leur discours (de langoureux et longs baisers dans le cou…). Si sur ce point le discours peut sembler naïf, le film part vite dans d’autres directions, pour notre plus grand bonheur. Car ce film ne compte pas faire la promotion des valeurs traditionnelles uniquement sur le plan amoureux ! Il a aussi un message sur l’intelligence artificielle. Et là, il ne se prive pas ! Si il assure ses arrières en faisant programmer son robot par transfert direct du cerveau malade du méchant, le film tient quand même à montrer les limites de la technologie sur des enjeux purement humains : les sentiments. Le robot nouvellement créé ne contient que des parcelles d’humanité. Malheureusement, c’est un tueur qui l’a programmé, et certaines de ses obsessions se sont retrouvées inscrites dans la machine. Si le méchant efface soigneusement toutes traces de son meurtre dans la mémoire du robot, il ne se rend pas compte que ce dernier a mémorisé son obsession pour le personnage d’Alex. Et là, on a donc le sous alien qui commence à se mettre en place, le robot apparaissant vite comme une menace à la force colossale et au tempérament imprévisible. Cependant, parler de sous alien est largement exagéré, les deux films étant sortis la même année. Les ambiances sont proches, les points communs nombreux, mais les canons du domaine n'étant pas encore établis, le film peut se vanter d'être une petite surprise niveau ambiance. C’est l’un des rares robots psychologiquement déviant que j’ai pu voir dans un film (le seul cas comparable étant Hardware), et il est sacrément bien mis en scène. Cette production prend en effet grand soin de sa machine, en représentant son robot à l’image d’un corps humain bardé de tuyau de plastiques se remplissant de liquides tels des fluides vitaux lui apportant sa puissance. Une mise en scène efficace doublée de décors impressionnants, qui apportent vraiment beaucoup au huis clos. Formellement, l’univers est fonctionnel, et la SF a vraiment du charme (à part les plans ratés de l’éclipse). On retiendra particulièrement le vaisseau du méchant traversant les anneaux d’astéroïdes de Saturne, un trucage rendu possible par la superposition de plusieurs liquides de différentes densité, et à chaque interface des cailloux de densité équivalentes… Bref, si les rebondissements sont un peu mous, les décors et l’ambiance réussie font de Saturn 3 une sympathique série B de SF, qui compense la modestie de ses ambitions par un univers intéressant. Un film de divertissement plutôt correct !

4/6

de Stanley Donen
avec Kirk Douglas, Farrah Fawcett

Lamberto Bava (son copain Mario sera surement chroniqué sur le blog), on l’aime bien, surtout depuis qu’on a vu Démons et que c’était une belle petite claque, tout comme sa suite. Voir le bonhomme s’attaquer au slasher était donc totalement logique, et même attendu de la part de ses fans, qui attendaient du maître un film nerveux comme il se doit. Il nous sort alors un petit film : La Casa con la scala nel buio, une sombre histoire d’assassin perpétrant ses crimes à l’arme blanche…

L’histoire : Bruno est un compositeur de musique de film, qui s’installe temporairement dans une maison pour y composer la partition d’un film d’horreur. Cependant, il découvre bientôt un agenda étrange dans un placard, avant de rencontrer plusieurs femmes qui entrent mystérieusement dans sa maison avant d’être tuées mystérieusement par un mystérieux tueur.

Comme le lecteur l’aura mystérieusement noté, le mystère occupe une bonne partie du film, à savoir découvrir l’identité du tueur. Le petit souci, c’est qu’entre chaque meurtre, il ne se passe pas grand chose. Certes, le métier du personnage principal (compositeur de BO horrorifique) a de quoi stimuler. Mais quand c’est pour le voir jouer du piano pendant 10 minutes alors que rien d’autre ne se passe, merci bien. Là où une mise en abîme intéressante aurait pu avoir lieu, il n’y aura jamais plus que de la belle musique gratuite lors des scènes de compositions. Un réalisateur sans doute plus fin aurait tenté d’instaurer une meilleure relation entre le compositeur et le tueur, par exemple si ce dernier forçait le compositeur à inventer ses meilleures musiques pour mettre en scène ses meurtres. Mais ça ne sera jamais le cas, et la superficialité des implications des personnages égale le jeu outrancier des acteurs. Bref, on se fait bien chier entre les meurtres, qui si ils ont le mérite d’être originaux, manquent beaucoup d’impact. Pour tout dire, on n’en retiendra qu’un : l’étouffement brutal avec un sac plastique dans la salle de bain, particulièrement sanglant. Mais à part ça, pas grand-chose à se mettre sous la dent. On met tellement en avant le caractère féminin du tueur, et de façon tellement complaisante qu’on se dit que c’est très louche, et au final, la découverte de la nature de l’assassin ne surprendra personne. Bien dommage que ce film soit aussi peu rythmé, son introduction et son meurtre principal étant parfaitement réussis. La musique est à la hauteur, mais les acteurs déclarent rapidement forfait. Par ailleurs, l’absence d’apparitions d’élément sur leur tueur autre que ses mains et ses chaussures à talons frustre rapidement, la mise en scène rechignant vraiment à nous donner des indices. La maison de la terreur est donc un film très mineur de la filmo de Bava, une bien piètre expérience pour notre sympathique réalisateur.

1/6

1983
de Lamberto Bava