Jim Henson est surtout connu pour sa fameuse création comique : le muppet show ! Il a essentiellement travaillé sur des films pour enfants, ou au moins accessibles à la famille, en cultivant un certain goût pour le kitch. En 1982, il lance un défi technique ardu : créer de toutes pièces un univers riche avec des marionnettes sans qu’aucun acteur humain n’apparaisse à l’écran. Le projet s’appelle The Dark Crystal, et c’est tout simplement l’un des films d’héroïc fantasy les plus riches qu’il m’ait été donné de voir. Un film dont l’univers fascine plus que ses personnages.

L’histoire : Jen, un Gelfings, se voit chargé d’une importante mission par un Mystique, une race dont l’existence est liée au pouvoir d’un cristal. Jen doit retrouver un éclat dudit cristal et le remettre en place. Mais les Skekses, qui possèdent le cristal, ne l’entendent pas de cette oreille.

Le gros point négatif du film, c’est le rythme. En effet, à moins de se concentrer sur l’histoire et ce que l’on voit, on risque vite d’être lassé par un ton de récit monocorde, de très rares séquences d’action, et au final aucun souffle épique. Alors, peut-on faire de l’héroïc fantasy sans un héros musclé ? Et Frodon, c’est un body builder ? The Dark Crystal nous prouve que c’est l’univers d’une œuvre qui fait toute sa richesse, et pas vraiment ses personnages. L’histoire, en elle-même, est assez téléphonée (aller voir l’oracle, puis accomplir la mission… Waow !) et ne contient pas en soi de grosses surprises (à part pour Kira). Mais Jim Henson parvient à créer des ambiances, à matérialiser un univers vraiment original, foisonnant dans son bestiaire (des pans entiers de forêt ressemblant à des barrières de corail), pas avare en détails qui n’apportent rien à l’histoire, mais qui fascinent pour leur fraîcheur. On nage dans l’originalité en y faisant simplement des longueurs. On découvre les mœurs décadentes des Skekses, les ambiances calmes et méditatives des Mystiques, les animaux sauvages… Vraiment, on dépasse Star Wars dans le cadre de la richesse graphique. Si l’histoire cumule quelques gros clichés de la fantasy (l’asservissement des peuples indigènes, la quête de l’objet magique), le tout passe assez bien (si là encore on arrive à pénétrer le rythme assez lent du film (j’ai déjà tenté de le voir à partir de 2 heures du matin, c’était difficile de garder les yeux ouverts)). Le château des Skekses est lui aussi un élément totalement jouissif du film, car possédant tellement d’issues que l’on vire sur un terrain labyrinthique d’une plaisante complexité, sans pour autant être perdu géographiquement. Les gardes en forme de gros crabes, dont s’inspirera probablement L’histoire sans fin 2, possèdent un design assez sympathique et seront d’ailleurs la source de la seule séquence tétanisante du film, où Jen se retrouvera quelques instants dans le noir total, des dizaines d’yeux l’entourant.

Sur le simple plan de l’animation des marionnettes, les avis sont partagés. Disons que le film alterne le bon et le moins bon, car si sur le plan des mouvements, le film est correctement exécuté, le registre des émotions de ces marionnettes est assez limité. Elles sont globalement assez inexpressives, et on s’appuie dès lors beaucoup sur la musique pour se faire une opinion sur ce que ressentent les personnages. Certes, c’est un défaut qui tient plus de la technique, mais il devient de plus en plus visible au fil du temps (quand on voit la merveille d’animation qu’est Team America). Temps qui ne joue d’ailleurs pas vraiment pour le film, certains effets spéciaux faisant de plus en plus datés (la demeure de Greta incendiée, la fusion finale des Anciens et leur château d’argent…). En conclusion, ce film est d’une richesse kitch impressionnante, qui devrait combler les amateurs du genre. Pour les autres en revanche, un rythme un peu lent malgré des thèmes fondamentaux bien traités pourrait modérer leur avis. C’est en tout cas une référence absolue en la matière, et je souscris volontiers à la cause de ce film.

5/6

de Jim Henson, Frank Oz, Gary Kurtz
avec Jim Henson, Kathryn Mullen

Paul Verhoeven est l’un des rares réalisateurs à pouvoir provoquer des frissons par la simple mention de son nom. Ce type est une légende, un réalisateur qui a toujours tenté de délivrer du bon travail, et qui y est parvenu au-delà de toute espérance (Showgirls est l’exception qui confirme la règle). Le grand Paul a tapé dans beaucoup de registres, et on ne l’attendait pas vraiment sur un remake, et encore moins dans les années 90. Mais voilà, avec Hollow man, il signe un remake technologique jusqu’auboutiste qui reprend le propos de James Whale en le développant dans des excès qui réjouiront les cinéphiles. Fort de cet excellent remake, une suite est commandée. La douche froide attendue est bien là… Malgré quelques tentatives intéressantes, ce film ne retrouvera jamais la force de son aîné est sera condamné justement de bacs en bacs jusqu’à ce qu’un curieux naïf vienne l’acheter (sans remboursement possible). Levons le voile sur ce diptyque inégal.

Hollow man : Quoi de plus jouissif qu’un projet pareil ? En effet, avec de gros budgets, Paul n’oublie jamais une chose primordiale : le film doit être divertissant ! Et Hollow man l’est assurément sur ce point ! Bénéficiant de trucages numériques performants, il s’amuse avec son concept, illustre les phases de disparition-réapparition des organes suivant l’avancée des substances testées, et explore des tas de pistes ludiques dans son dernier acte meurtrier. Mais derrière cette jubilation complaisante dans la violence (car le film donne complètement dans la complaisance ! C’est de la jouissance au premier degré, dans ce qu’elle peut avoir de plus racoleur et d’amoral), il y a des thèmes très forts, qui ne peuvent laisser indifférents. En effet, le film explore tout l’aspect « sexuel » de la liberté offerte par les possibilités de l’invisibilité. On mate à loisir la voisine dans son propre appart, on pelote une collègue pendant son sommeil… Autant d’exemple qui nous font ricaner de plaisir sur le coup, mais qui se révèlent d’autant plus juste que le spectateur masculin se retrouve fréquemment du côté de Sebastian Kane, le scientifique qui se détraque au contact de l’immense pouvoir qui est mis à sa portée (et les profils psychologiques, ça sert à quoi, tas de clampins !). Subversif dans son propos où n’importe quel individu se tourne vite vers le crime en croyant toute tentative de poursuite vouée à l’échec, Hollow man lance un engrenage basique mais carré, qui fonctionne parfaitement, en se permettant peu à peu d’instiller une ambiance parano qui perturbera chaque membre de l’équipe jusqu’au dénouement sanglant. Visuellement très fort, le film gagne sur les deux tableaux, prouvant qu’avec un bon réalisateur, on peut avoir un film intelligent et ludique. Le petit point négatif du film restant ce final un peu grandiloquent, où l’on ne reconnaît même plus Kevin Bacon. Kevin Bacon qui tient ici un de ses meilleurs rôles, jouant le génie décontracté et ambigu dont les barrières mentales cèdent les unes après les autres… Elisabeth Shue n’est pas en reste non plus, entrant dans la peau d’une femme à l’aise avec le sexe comme Paul aime nous en présenter. Plus qu’une série B thunée, c’est un quasi chef d’œuvre que le maître nous offre, son film se posant comme une relecture contemporaine du mythe parfaitement adaptée à notre siècle, et dont la portée des arguments pourra toucher n’importe quel public.

5/6

de Paul Verhoeven
avec Kevin Bacon, Elisabeth Shue

Hollow man 2 : Si cette nouvelle formule tente un peu de faire de la nouveauté, elle n’y parvient jamais totalement, car il se révèle moins impressionnant que son prédécesseur. Et pourtant, le script n’était pas en reste, nous promettant un soldat surentraîné cédant à ses pulsions paranoïaques et lâché dans la nature. Mais la violence reste relativement discrète, et le film n’a au final plus rien de ludique, malgré quelques effets spéciaux qui sont loin d’être dégueulasses, reconnaissons le. En revanche, Christian Slater est nettement moins convaincant en homme invisible atteint de nécroses sévères de son organisme, et nos deux héros qui passent leur temps à fuir n=seront loin de remporter notre adhésion. Car le duel promis entre deux hommes invisibles se fait vraiment attendre. On finit par se demander si il aura lieu… Assez plat, avec une intrigue qui ne satisfera jamais vraiment, Hollow man 2 est une suite DTV sans grand intérêt, qui si elle ne salope pas le mythe (une fois n’est pas coutume), ne l’embellit pas trop non plus. En bref, du vite vu, vite oublié sur lequel on évitera de s’attarder de trop.

2/6

de Claudio Fäh
avec Christian Slater, Peter Facinelli

Nacho Cerda est un réalisateur espagnol qui s’est fait connaître du rand public par trois moyens métrages, la Trilogie de la mort. Il a ensuite enchaîné sur un long métrage fantastique : Abandonnée. Ce film divise le public et la presse, pour son histoire compliquée et difficilement compréhensible (et pour cause, je le rapprocherai plus d’un style italien fonctionnant sur des concepts que du traditionnel fantastique espagnol). Depuis, silence radio, mais des rumeurs laissent entrevoir son prochain projet : Yo Soy Legion (je crois que ça va causer démons et géraniums…). Mais avant de nous prendre une nouvelle claque, tournons nous vers cette trilogie morbide, où chaque nouveau film par sur un concept fascinant autour du thème de la Mort. D’abord, un film expérimental mâtiné d’absurde sur un étudiant assistant à sa mort, dans le second, un légiste baiseur de cadavres, et dans le troisième, un artiste qui se sacrifie pour donner vie à sa création. Lisez ce qui suit avant de mourir idiot.

The Awakening : Tourné en 1990, il se cache derrière ce titre bizarre un film qui donne clairement dans le registre expérimental. Un étudiant, en cours, constate que sa montre s’est arrêtée, et que tout le monde est figé, alors qu’il s’affiche d’étranges messages au tableau. Si on ignorait le titre de la trilogie, on ne saurait absolument pas à quoi s’attendre. Ce film utilise clairement un concept, celui de la découverte par l’âme de la mort de son corps. Mais seule la conclusion nous l’indiquera. Tout le reste du film est plongé dans une atmosphère irréelle, une sorte d’onirisme qui perd clairement le spectateur alors que nous sommes bêtement dans une salle de classe. On constate toutefois quelques limites techniques au film, qui utilise le noir et blanc. En effet, les personnes figées ne sont pas très professionnelles et clignent souvent des paupières, ou bougent légèrement. De petits détails qui portent hélas atteinte à l’ambiance figée, quasi religieuse (la musique met d’ailleurs bien dans l’ambiance) de ce film atypique. Si la fin ne surprend donc pas, le film est techniquement valable (malgré les défauts précédemment évoqués) et plutôt bien filmé, ce qui démontre un certain savoir faire de la part de Nacho Cerda. Un début classique, mais indéniablement élégant.

4/6

de Nacho Cerda - Produit en 1990

Aftermath : Tout le monde connaît aftermath, et ceux qui ne le connaissent pas ratent un truc monstrueux ! C’est en effet le meilleur opus de la trilogie, tant au niveau de son thème que de sa forme. Aftermath, c’est une succession de cadrages d’une beauté formelle exceptionnelle. S’essayant à la symétrie, au cadrage stable, au travelling suggestif, la plastique d’actes abominables n’a jamais été aussi magnifiée. En effet, ce film se passe dans une morgue, et nous commençons par l’autopsie détaillée de deux cadavres putréfiés. Rarement autant réaliste, ces autopsies sont de véritables supplices, ne nous épargnant aucun détail salace et appuyant bien là où ça fait mal. Car Aftermath a un thème : il humanise les morts en montrant combien les vivants peuvent les mépriser. Ces corps sont profanés par leur autopsie, et les docteurs ne prennent en aucun cas soin de leur enveloppe charnelle. Une fois les organes pesés, ils les balancent en vrac dans la cage thoracique et appuient dessus pour tout faire rentrer. Le film pousse ensuite le bouchon encore plus loin, en montrant le viol d’un cadavre (car il s’agit incontestablement d’un viol tant les cadrages arrivent à l’insinuer) par l’un des légistes, qui affichera tous les attributs du psychopathe se défoulant ici sur un mort (d’une façon aussi choquante que si la personne avait été en vie). Cette crasse immonde, magnifiée par des cadrages recherchés et un Requiem de Mozart en total décalage avec les évènements (car ayant plus vocation à instaurer une ambiance calme et reposée). Ce mépris humain d’un avilissement sans limite envers les morts est proprement insupportable. Et cela continue jusque dans le final, où l’homme nourrira son chien avec le cœur de l’infortunée Martha Arnau. Révoltant, scandaleux, magnifique, ce film est un concentré de mauvais goût justifié, malsain jusqu’à la nausée et d’une poésie morbide si efficace, qu’il devient immédiatement l’un des meilleurs courts métrages qu’il m’ait été donné de voir dans ma vie. Inoubliable.

6/6

de Nacho Cerda - Produit en 1994

Genesis : Pour conclure sa trilogie, Nacho Cerda revient à des thèmes plus sobres, et se lance ici dans une poésie fantastique touchante, où un sculpteur brisé par la mort de sa femme, réalise une statue en pierre à son effigie, échelle 1 : 1. Mais il constate bientôt quelque chose de bizarre avec son œuvre. Celle-ci se met en effet à saigner. L’homme ne comprend pas, et comprend encore moins lorsqu’il découvre des portions de chair sur sa statue. Il se rend alors compte qu’il se transforme lui-même en pierre. Genesis, c’est une contamination progressive du récit par le fantastique, avec un homme dépassé par la situation, qui ne peut rien pour s’en défaire. Les trucages sont assez impressionnants, très beaux et admirablement bien faits (le sculpteur tentant de s’amputer des parties pétrifiées…). Muet là encore, assez poétique, ce film est une jolie illustration du thème de sacrifice, de ce qui naît de la mort d’un individu, et du sacrifice à son art. On est loin du jusqu’auboutisme du précédent effort du réalisateur, mais c’est un moyen métrage fort, donnant dans le fantastique pur, qui peut se vanter d’être brillamment réalisé et d’une facture technique  irréprochable. Moins fort, mais incroyablement beau.

5/6

de Nacho Cerda - Produit en 1998 

Les créatures au cinéma, c’est simple. Il faut qu’elles soient originales, fonctionnelles, avoir quelque chose d’effrayant et pouvoir se déplacer suffisamment rapidement pour que les choses se corsent. C’est pourtant simple. Mais la formule est de moins en moins reprise dans les petites séries B. Très rare au cinéma, mais en DTV, on tombe parfois sur des petits projets qui s’y plient et qui se révèlent étonnamment sympathiques. Organizm en fait partie. Malgré un manque de budget évident, le film parvient à ses fins et nous livre une des créatures les plus originales de ces dernières années.

L’histoire : Dans les années 60, un jeune garçon voit ses deux parents se suicider après que sa mère ait gravé dans ses mains les coordonnées d’une salle dans un complexe militaire. Des années plus tard, alors que le site est en cours de déménagement, le jeune homme vient prévenir les militaires en faction du danger. On découvre alors aux coordonnées indiquées un caisson scellé.

Ce qui fait le film, c’est la créature. C’est à cause de ça que le film oscille entre bonne petite série B et projet cheap : les effets spéciaux sont médiocres. Si quelques incrustations numériques sont réussies, la plupart sont assez laides, mais regardables. La créature, autant en parler tout de suite : c’est un champignon s’étant développé sur un cadavre (un nucléus de régulation de croissance) qui s’étant dans toutes les directions à grande vitesse. Il cherche de l’humidité pour se développer, et passe sous la peau des organismes vivants. Partant de la base militaire, il va donc s’étaler dans toutes les directions à la fois et menacer les populations civiles qui vivent à proximité. C’est bandant, non ? Surtout que ce champignon nous réserve quelques petites surprises, notamment sa capacité à absorber l’énergie extérieure (lumière, chaleur, pression…). Une putain de saloperie qui va donner du fil à retordre à nos héros, le jeune homme devenu professeur dont le rôle de touriste évoluera vite en celui de sauveur de l’humanité, et une militaire qui pourra lui fournir ses compétences en biologie et en pilotage d’hélicoptère. Certes, ça n’est pas forcément très crédible, mais le film avance avec au final peu de temps morts, quelques dialogues inutiles mais pas très lourd, et surtout cette créature qui progresse inexorablement vers les installations civiles. L’histoire prend d’ailleurs un tournant assez audacieux dans son dernier acte en plaçant le jeune homme face à la source du phénomène, le cadavre d’un scientifique qui se révèle être son père.

Alors certes, nombre d’effets spéciaux sont médiocres, les acteurs ne sont pas des modèles de jeu (mais ils s’en sortent bien), mais pour un film avec peu de budget et autant d’effets (Merci, Robert Kurtzman !), et même un certain rythme, le film s’en sort bien mieux que la moyenne. Un sympathique divertissement, qui si il est abordé au juste prix (5 euros) sera à la hauteur.

3/6

de Richard Jefferies
avec Johnathon Schaech, Vic Chao

Pour son 100ème article, tonton Jamesluctor vous propose quelques perles du cinémas fantastique ! La mouche noire sort en 1958. Pour un film d’horreur / fantastique, il est remarquable, autant pour son sérieux que pour son issue tragique. Il marque bien les esprits, à tel point qu’une suite sans gros budget est tournée l’année suivante : Le retour de la mouche. Nettement moins convaincant, régressant sur l’aspect technique (on en revient à la caméra noir et blanc), ce film prétend maintenant à une gentille réputation de nanar sympathique. Mais c’est ainsi que la saga des Mouches est lancée. Et c’est ainsi aussi que David Cronenberg arrive, en 1986, avec un remake, signe qu’on avait encore des choses à exploiter. Il réalise là un de ses plus grands films, en parvenant à y introduire ses thèmes obsessifs de chair remodelée, de conséquences imprévisibles et au final d’évolution de l’homme. Torturé, violent, osé pour ses maquillages, c’est l’un des meilleurs remakes de l’histoire du cinéma. Aussi, après un tel succès, personne ne veut se compromettre dans une suite hasardeuse lancée à la va-vite par Brooksfilm, jusqu’à ce que Chris Walas se porte volontaire (le responsable des effets spéciaux sur le film de Cronenberg). Cette suite affiche des résultats mitigés, la tentative de renouveau du mythe allant à l’encontre de son modèle sur de nombreux points. En bref, un diptyque des années 80 contrasté, mais généreux et d’une intelligence qui laisse béat.

La Mouche : Ne l’ayant pas vu en salle, il est difficile pour d’imaginer le ras de marée que ce film a dû provoquer. En effet, jamais l’erreur scientifique n’a été aussi insidieuse, car une fois faite, il est impossible d’en prédire les conséquences. Cronenberg, en plus de ce thème déjà fort, plaque ses obsessions charnelles sur le film, en faisant parler Brundle-mouche comme le nouveau représentant d’une race purifiée, dont le potentiel de la chair a été pleinement révélé. La déchéance physique du héros, magnifiée par des maquillages impressionnants encore de nos jours (la transformation finale et l’une des scènes les plus horribles des années 80), arrive à capter l’attention du spectateur pendant toute sa longueur, et donne véritablement une dimension tragique aussi palpable que dans La Mouche noire (le discours de Brundle sur la politique de l’insecte est vraiment terrifiant par les doutes qu’il laisse planer). Et sans rien oublier de Veronica, la seule personne tenant à Brundle, qui reste dans l’incertitude complète de la nature de son enfant avec Brundle, ayant eu sa liaison avant et après ses « modifications ». Une angoisse de la chair qui imprègne tout le film, d’abord détruite chez les cobayes, et atrocement déformée chez l’homme. D’ailleurs, passé ce plan des effets spéciaux saisissants, toutes les psychologies des personnages sont parfaitement maîtrisées. Brundle est un scientifique isolé, que l’amour bouleverse, et qui entraînera indirectement sa perte (c’est d’une frustration que naît l’envie d’essayer sa machine pour la première fois). Véronica, d’abord à l’affut du scoop, entretient des relations troubles avec son ancien ami, Statis, qui la harcèle gentiment. C’est un trio amoureux fort, dont l’un des angle se dégrade peu à peu, et qui gangrène les autres parties. Les confrontations finales sont éloquentes à ce sujet. Par sa méthode de digestion, Brundle remodèle la chair de ses ennemis, et tente de remodeler son propre corps à l’aide de sa machine, alors que sa transformation  est pratiquement achevée. Rarement un personnage central aura autant souffert au cours d’un film fantastique, à tel point qu’il en finira par demander par gestes la mort, dans un dernier regard d’une grande humanité malgré la difformité de son apparence. D’un final à la puissance émotionnelle encore rarement égalée, La mouche est un véritable modèle en matière de transformation dégénérescente, qui a marqué le cinéma et dont l’influence se ressent encore de nos jours (le récent français « Mutants »). Rare sont les réalisateurs à avoir pu fournir un remake de cette trempe. Carrément un chef d’œuvre.

6/6

de David Cronenberg
avec Jeff Goldblum, Geena Davis

La Mouche 2 : La rapidité de mise en marche d’un tel film laissait planer de gros doutes quant à la qualité de son script. Si nous avons toute confiance dans les effets spéciaux de Chris Walas, on peut quand même émettre des réserves sur ses capacités à diriger un tel film. Et pourtant, son travail a le mérite d’interpeller, car il diverge des aspirations charnelles de son prédécesseur pour se tourner vers d’autres symboliques. Les fans, frustré de voir leur mythe remodelé par Chris, se détourneront rapidement de cette suite, que je qualifierai de mon côté d’audacieuse, car elle part du film de Cronenberg pour s’intéresser à une autre question : la condition de cobaye. L’histoire est simple. Vérocina meurt en accouchant d’une gangue, dans laquelle on découvre un nouveau né. Ce dernier est d’une intelligence exponentielle, comme son stade de croissance. A 5 ans, il est déjà dans la peau d’un jeune adulte et du même niveau intellectuel (ce qui laisse planer des doutes quant à son évolution psychologique)… Ses gênes de mouche ne sont pas encore activés, les scientifiques attendent principalement cette étape. Mais très vite, Martin découvre que les scientifiques qui l’étudient (et le coupent du monde) ont aussi en leur possession la machine de Seth Brundle qu’ils essayent de faire fonctionner. La condition du cobaye est contenue dans la première moitié du film. En effet, elle passe par l’annihilation de la vie privée de Martin (contrairement à ses demandes) et un lien presque touchant avec un chien qui finira remodelé par la machine en cours de test et qu’on maintiendra en vie longtemps pour effectuer des tests. Une dramatisation de sa condition qui peut sembler très maladroite (musique dramatique à l’appui, la surabondance d’effets pathétiques peut même faire rire involontairement), mais qui sur des plans thématiques se révèle tout à fait opérationnelle. Le film affiche cependant des ambitions moins grandes que son prédécesseur. Plus de discours sur la chair, plus vraiment d’enjeux pour changer le monde… Les caractères mis en scènes sont clairement moins aboutis (les docteurs ont des dialogues un peu déconnectés, Gary Chalk cabotine comme un barge dans son rôle de gardien sadique, et Lee Richardson n’est pas très convaincant non plus. Le couple du film, Martin et Beth, n’est pas vraiment attachant en départ (la petite love story), mais leur fuite puis la délation de Beth relance l’intérêt sur le statut de leur relation (c’est bien par amour qu’elle le livre). Le final du film fait en revanche dans la surenchère jubilatoire. On va tenter de nous faire oublier le film précédent en matière de sauvagerie, Martin /mouche équarrit le casting avec une réelle efficacité. Pas de thème vraiment marquant, mais un clin d’œil au premier film, ici un poil plus touchant, mais pas vraiment pertinent sur le propos du film. Dans un final bien gore et une émancipation du fils de son père adoptif, le film ne débouche pas vraiment sur une conclusion très pertinente, mais reste regardable. La conclusion fait en revanche rire pour son putassier volontaire en faisant de Bartok un cobaye, avec toutes les ambiguités morales que cela sous entend, et avec le commun accord de tous les scientifiques du laboratoire. Amusant, mais d’une irresponsabilité telle qu’elle annihile le sérieux de la situation. En bref, un film partagé entre des qualités et des défauts, l’impressionnant animatronique du film en tant un bel exemple (il est très bien géré et impressionnant, mais son design n’évoque en rien une mouche (surtout avec des dents). Un film bancal mais honnête, que je porte néanmoins dans mon cœur.

4/6

de Chris Walas
avec Eric Stoltz, Daphne Zuniga