Xavier Dolan, l’espoir du cinéma LGBT canadien, a bien retenu la leçon de Cannes : même en faisant preuve d’efforts et en ne se mettant pas devant la caméra, on continue de critiquer son nombrillisme. Hostie de tabernac ! Ben je vais reprendre le rôle principal, je m’occupe du montage, de la traduction, des dialogues, des costumes, de la production, de la bande annonce et du dossier de presse ! Quitte à me faire critiquer par toujours les mêmes, au moins j’assumerai le film sur mes épaules et je ferai MON film. Un petit essai sous forme de thriller qui prend d’ailleurs un peu ses distances avec la vie personnelle de son créateur.

L’histoire : Tom revient dans la famille de son défunt petit ami Guillaume pour assister à ses funérailles. Une fois arrivé, il découvre l’étrange manège de Francis, le frère de son amant, qui tente par tous les moyens de cacher la vérité à sa mère sur son frangin. Commence alors un étrange jeu d’humiliation.

L’effort d’innovation de Dolan vient surtout du ton qu’il donne à son histoire, puisqu’il s’essaye au thriller psychologique en cadre campagnard, où l’isolement de la ferme des Longchamp sera le principal obstacle à son départ, car on s’en doute, le séjour chez nos amies les vaches va durer un peu plus longtemps que prévue. Mais de quelle façon Xavier procède-t-il ? Tout d’abord par un jeu de pression contenant beaucoup d’intimidation, le visage du frère restant caché à l’inverse de son corps musculeux régulièrement exposé pour intimider Tom et le plier au jeu du mensonge qui s’est installé autour de la mère, isolée dans la ferme et dont tous les contacts sont gérés par le filtre de la brutalité de Francis. Car Francis n’aime pas que sa mère soit déçue, ça non, il ne le supporte pas, et sa tristesse, c’est pareil. Autant dire qu’avec l’enterrement, Francis est remonté comme un mulet et ne veut aucune mauvaise surprise. Mauvaises surprises qui ne tardent évidemment pas à arriver avec le tempérament un poil rebelle de Tom (induit par son blouson en cuir assez mal choisi), ainsi que par les pressions inattendues qui s’acharnent d’un coup sur sa personne, surtout après une messe dont le climat rappelle celle jadis évoquée par Jean Louis Trintignant dans l'Amour de Haneke. Il y a un climat de Psychose dans ce premier acte, qui passe néanmoins par quelques moments de bravoure sentimentaux (la séquence des toilettes, la déclaration via Sarah), où la proximité avec le personnage de Tom est réussie. L’utilisation du personnage de Sarah, initialement vécue comme une brimade psychologique devant frustrer davantage Tom (vengeance de Francis sur l’être qui a détourné son frère de la « Famille ») se mue en confession déguisée, apte à faire toutes les déclarations (l’hilarante évocation de détails sexuels salaces). Et cette évolution des rapports de force commence à prendre de l’épaisseur quand s’installe une étrange relation entre Francis et Tom. Francis, tout en gardant le côté bête de ferme rustique, tente ouvertement des rapprochements ambigus, sans cesse contrebalancés par ses sautes d’humeur et accès de violence (la meilleure scène doit être celle de la danse). Quant à Tom, il s’entête à rester, faisant toujours preuve d’effronteries à l’égard des brimades de Francis, jusqu’à la dérouillée attendue (espérée ?). Le film essaye de viser quelque chose par ces rapports, à savoir le visage très laid de l’amour des êtres battus (ici dans un contexte homo, mais le parallèle est évident avec les femmes battues qui continuent de rester auprès de leur conjoint parce qu’elles savent au moins à quoi s’attendre avec eux). Matière potentiellement riche et fertile, surtout avec la mise en scène élégante de sieur Dolan. Hélas, le film ne cultive jamais assez d’enjeux pour complexifier ses protagonistes. Le sujet est là, mais il aurait fallu rajouter nombre de détails pour souligner ce rapprochement inattendu. En lieu de cela, on a de petits effets de style inutiles, comme ce resserrement du cadre pendant les scènes de traques, où nous passons du beau 16/9^ème au format scope, qui souligne alors combien le style de Dolan est inadapté à ce format (un scope en caméra à l’épaule, rien de plus gerbant et de mal cadré).

L’interprète de Francis est pourtant admirablement bon, parfaite combinaison du fermier viril plutôt beau (jolie hétérochromie oculaire) jouant sur la menace physique directe qu’il provoque. Une variante de Calvaire avec quelques pointes d’humour, mais sans l’absurde ni la violence glauque. Le problème, il arrive surtout au deuxième tiers, quand débarque ladite Sarah, une collègue de bureau de Tom sensée jouer la femme de Guillaume. Si le début est tendu comme il le faut en annonçant un peu de violence, le comportement de Tom perd alors de sa cohérence (ses bredouillements sur le vrai qu’il ressent en travaillant de ses mains, absolument pas convaincant). Alors que la scène de strangulation ouvrait d’excellentes possibilités, le film a décidé de s’arrêter là, et dès ce moment précis, c’est du surplace. Aucune des questions intéressantes (finalement, qui était Guillaume ? Comment la mère prend-t-elle les évènements ? Pourquoi tout cela ?) ne trouve de conclusion, et la fuite arrivant comme un cheveux sur la soupe (une pelle ?) montre clairement que Xavier renonce à apporter une véritable fin à son histoire. Certes, il est hyper beau, son générique, ça claque de la couleur et la bande son envoie aussi, mais qu’est-ce qu’il voulait souligner au final ? C’est intéressant, l’amour sous les coups, mais faut en donner un peu plus pour dire qu’on traite le sujet. Au moins, malgré l’évidence pendant les séquences d’humiliations (où le regard de Dolan est à mi-chemin entre la soumission et l’effronterie qui en redemande), on passe à côté du cliché de la tarlouze qui aime prendre des claques, plutôt un bon point pour un pareil sujet. Mais pour rendre son poulain attractif, il aurait fallu davantage l’enrober. Mais comme toujours, la prestation des acteurs, l’inattendu jeu de thriller et la bonne facture technique en font un film plutôt agréable à regarder.

3/6

2014
de Xavier Dolan
avec Xavier Dolan, Pierre-Yves Cardinal

Noé n’est pas le film qu’on attendait. La bande annonce le cachait, laissant les gros arguments épiques et les symboles bibliques parler pour lui. Ainsi, tout le monde attendait le retour de la fresque biblique façon Les 10 commandements, avec le poids massif des effets spéciaux et d’un casting massif (Crowe, Connelly, Hopkins, Winston…). Et bien on s’est bien planté, c’est un film pré-apocalyptique, à forte connotation théologique et carrément épique.

L’histoire : La descendance de Caïen, fils d’adam, a épuisé les ressources terrestres avec des villes industrielles et exterminé les veilleurs, des anges déchus errant sur terre et enfermés dans des corps de pierre. Noé, dernier descendant de la lignée d’Abel, voit en songe la fin du monde, et emmène sa famille en lieu sûr.

« Au commencement, il y avait l’Eden » Ah ouais, ça claque ! « Succombant à la tentation, Adam et Eve furent chassés du paradis. » Les cuivres tonnent. Ca claque ! « Caien, fils d’Adam, tua son frère Abel, avant de fuir à l’Est. » Ca va chier ! « Et la descendance de Caien pilla la terre avec des citées industrielles et extermina les Veilleurs, des anges déchus venus sur Terre pour les secourir. » … What the fuck ? C’est dès l’intro qu’on sait qu’on ne va pas voir le film attendu. Et pourtant, on n’est pas déçu, juste gentiment surpris. On délaisse le côté strictement religieux pour donner dans l’aventure où des éléments cosmiques sont à l’œuvre, mais en gardant finalement un ton assez proche du conte. C’est un film kitsch sobre, qui assume ses partis pris esthétiques et qui veut avant tout réaliser un beau voyage, tout en s’inspirant très librement des fondements des principales religions monothéistes. Dès le départ, le monde des hommes et le concept de société sont perçues comme des plaies, qui ruinent le monde, pillent sans vergogne les ressources et s’entretuent pour se les approprier. Une vision volontairement manichéenne pour justifier l’attitude de Noé, personnage mis à rude épreuve par le Créateur (on évite de dire Dieu, ce qui rajoute le côté finalement très SF de ce film, un peu comme la dernière histoire de Cloud Atlas). La première partie du film, c’est la fuite vers les montagnes, fuite devant les hordes d’hommes rendus affamés par le manque de ressources sur un monde qui se meurt. Un véritable survival, où le danger est présent (gros nombre de morts et quelques blessures gores), mais où l’ambiance biblique et posée empêche toute peur de s’installer (d’où le côté fable humaine). Puis les veilleurs entrent en jeu, et là, on sait qu’on met les pieds en plein fantastique. Des créatures, des miracles, des déserts de cendres jalonnés de cadavres… La splendeur kitsch du film et de ses effets ravira tous les amateurs d’aventure à l’ancienne, qui trouve encore une façon de s’émerveiller devant l’ingénuité. Enfin, je suis gentil de dire ingénuité, car le fond humaniste du film est assez naïf (le monde il est méchant mais on y trouve de la gentillesse, ponctuellement). C’est la naïveté de ce ton, ainsi que l’ambiance extrêmement posée du style de Aronofski (on clairement ici dans la mouvance de son sublime The Fountain), qui font à la fois le charme et le défaut du film. En effet, difficile de se sentir vraiment menacé dans un climat aussi kitsch, ni devant des messages aussi simples sur le monde. C’est bienveillant, mais un peu trop sommaire pour qu’on soit autre chose de diverti. Néanmoins, la fascination d’Aronofski pour les symboliques permet de faire quelques parallèles très beaux et stimulants pour l’esprit, et son esthétique peaufinée enchantent littéralement la plongée dans ce monde mourant au seuil de l’apocalypse. On a même quelques tableaux marquants, comme l’infiltration de Noé dans un bidonville humain, portrait du cancer de la Terre asséné avec un sens aigu de la symbolique (je n’ai pas senti une telle densité depuis les films de Mel Gibson (Apocalypto notamment, la Passion dans une moindre mesure)). Des visions marquantes, et des tableaux très agréables pour la rétine (d’autant plus que l’arche devient un dortoir confortable et douillet, grouillant de vie et havre de paix quand les éléments se déchaîneront au dehors. La sensation de sécurité atténue le souffle épique, et empêche donc une implication en profondeur du public. Toutefois, le cas de Cham, fils de Noé désirant trouver une épouse, permet de planter les prémisses de ce qui sera le cœur noir du récit. Le troisième acte du film (après l’exil et la construction) plante un contexte bien plus sombre, Noé révélant clairement son projet de sauver les innocents (animaux) et d’exterminer toute la race humaine, jusqu’à sa propre lignée. Une sorte de Shining, avec un survivant extérieur introduisant la discorde et flattant les bas instincts, incarnant clairement les valeurs humaines les plus sombres possibles. Pas de spoilers, mais cette tournure inattendue permet de pimenter le récit en réservant quelques surprises au spectateur. Néanmoins, le constat positif ne sera pas clément avec tout le monde. Anthony Hopkins fait clairement office de papy gâteau assez gênant (« tu veux une tasse de thé ? »), Emma Watson s’affole des hormones après un joli jeu de focale branche morte-branche fertile (un élément déterminant pour la suite du film), Noé sombre dans l’alcoolisme… Des éléments un peu gênants qui alourdissent ponctuellement un récit plutôt humble malgré l’échelle cosmique des éléments à l’œuvre (l’eau, le feu, la terre, seul l’air semble avoir été oublié). Au final, le film est suffisamment beau (magnifiques paysages) pour justifier le visionnage en salle, et se laisser bercer par un conte à l’ancienne, adulte dans sa violence, mais jeune dans ses émotions.

4/6

2014
de Darren Aronofsky
avec Russell Crowe, Jennifer Connelly

Le syndrome de Stendhal est un des films qui commence à infléchir les louanges que l’on a toujours témoigné à Dario Argento. Arrivant après un Trauma mitigé, ce syndrome témoigne de réelles ambitions d’innovation de style, à la fois dans l’esthétique mais aussi dans les codes du suspense. Et finalement malgré un gros point négatif, le film parvient à emporter l’adhésion.

L’histoire : une jeune inspectrice sujette au syndrome de stendhal se lance sur la piste d’un serial killer terrorisant Rome.

Sacré revers de la part de Dario, puisqu’on évacue complètement l’esthétique flamboyante qui a fait le succès du maître pour privilégier les décors froids (appartement ou bureau), vides (musées), ou glauques (le squat, la ruelle). Après la fantasmagorie, le réalisme glacial et une focalisation beaucoup plus torturée sur la psychologie de ses personnages. Jusqu’à maintenant, le cinéma de Dario ne complexifiait pas ses protagonistes principaux (qui avaient souvent un caractère ingénu quand ils étaient féminins), mais les faisait évoluer dans un monde changeant, fantasmé (Ténèbres est le seul qui annonce la nouvelle vague argentesque, en prenant à contrepied toutes ces règles). Ici, les fantasmes viennent du personnage même, par l’intermédiaire de crises d’angoisse pendant lesquelles les peintures semblent s’animer, occasionnant quelques hallucinations (incongrue dans le cas du poisson à visage humain, angoissant pendant la période de séquestration). Dario vise les maladies mentales, en raffinant celle de sa protagoniste, et en restant sommaire pour celle de son psychopathe. Le véritable point fort de cette intrigue, c’est qu’on identifie clairement le coupable dès sa première apparition, et le film ayant conscience de sa posture, il entame encore plus vite les hostilités en mettant dès les 20 premières minutes son héroïne à la merci de sa supposée proie. Finie, l’enquête pépère à la Maigret qui plomberont Card player et Le sang des innocents, on est dans la confrontation et quelques truculences gore pas toujours très belles quand Dario expérimente (le très laid plan numérique de balle traversant une mâchoire). Passé ces scories, la violence est sale et un certain jusqu’auboutisme permet clairement au film de trouver une intensité qui a largement de quoi tenir en haleine. En cela, la première heure du film est une réussite, l’intrigue est resserrée, proche de ses protagonistes et suffisamment original pour continuer à apprécier le style du maître. Malheureusement, une fois la trame principale achevée (vers 1h10), le film dure encore pendant… 40 minutes. Ouch. Et là, le vide commence à se faire sentir. En comparaison de la hargne qui habitait la première partie du film, cette seconde moitié traîne la patte. Le film s’appuie alors totalement sur Asia Argento, et malheureusement, son jeu ne se révèle pas toujours à la hauteur (délicat de transformer une victime psychotique en prédatrice féérique). Car c’est pendant cette phase que le film tente une métamorphose, qu’on n’attendait pas, mais qui rate un peu le coche en rallongeant bien trop la sauce. Bien dommage au vu de l’idée, mais le handicap est là. Néanmoins, malgré cette déconvenue, le sentiment global est bon, et Dario ne s’est clairement pas laissé aller à la facilité, en soignant toujours sa mise en scène (l’art de blesser son héroïne dès l’introduction, à la fois physiquement et psychologiquement) et en aimant ses protagonistes (si les motivations du psychopathe restent sommaires, sa mise en scène est jouissive d’efficacité). Malgré les failles qui apparaissent dans ses fondations, l’édifice est encore assez imposant pour justifier la visite, et laisser les tableaux du maître prendre vie.

4,5/6

1996
de Dario Argento
avec Asia Argento, Thomas Kretschmann

Captain America est l’un de mes Marvel préféré (impossible d’égaler Spiderman de Raimi). En prenant le ton du divertissement à l’ancienne avec une reconstitution d’époque anachronique et en nous offrant des méchants classes (les nazis dans des uniformes impeccables), nous avions droit à un affrontement à l’ancienne et à un numéro plutôt au point (et surtout un esprit héroïque sincère, avec un dosage appréciable d’humour et de bonne ambiance). Dans cette suite, Avengers est déjà passé. Il faut donc pousser les enchères un peu plus loin, tout en faisant évoluer le captain dans le monde d’aujourd’hui. En résulte un film un peu laborieux, qui compense la lourdeur de son script par de bonnes scènes d’action.

L’histoire : lors d’une mission de neutralisation de prise d’otages, Captain America se rend compte que certains de ses coéquipiers étaient chargés d’une mission de récupération de données parallèle. Il est alors mis au courant d’un projet de mise en place de plate forme armée en cours de construction pour l’élimination de menaces éventuelles.

Ah, le monde d’aujourd’hui n’est plus très sûr… Les amis d’aujourd’hui seront-ils les ennemis de demain ? Qui est encore franc et qui magouille pour son compte ? Et contre qui tout cela va se retourner ? Brouiller les pistes et cacher le visage de l’ennemi (au moins pendant la première demi-heure), c’est le moyen infaillible de faire croire qu’on est intelligent et qu’on peut faire un divertissement moderne (regardez les succès : The dark knight rises, Skyfall, Star Trek into darkness, Iron Man 3…). Du coup, si on se lance dans une piste pareille, c’est le jackpot assuré ! On dira qu’on est un peu dark, et comme de toute façon on donne des éléments nécessaires à la compréhension des autres films, tout le monde va venir. Mais faut pas non plus se leurrer, derrière le discours sur la prédiction et l’anticipation de la menace, il y a un truc qui couve, c’est le fascisme… Et quand le fascisme est là, les nazis ne sont jamais bien loin, avec leurs uniformes, leurs bottes impeccablement cirées et leurs croix gammées en argent étincelant… Si le captain est de retour, et que son charisme n’a pas souffert de la modernisation de son costume (les aficionados auront droit à l’acte final avec la tenue rétro), l’intrigue dans laquelle il se dépêtre ne surprendra pas le moindre instant le spectateur.

SPOILERS INSIDE !!

La fake mort de Samuel Lee Jackson (grosse étape de nullité qu’on savait déjà faire partie du programme), la résurrection de Hydra via un tour de passe passe historique, le discours complètement ridicule sur le fascisme où le film ne comprend visiblement pas de quelle manière c’est dangereux, mais juste que c’est pas bien d’avoir un truc qui tire des lasers en orbite piloté par une organisation dont personne n’a le contrôle (mais vraiment personne, à croire que c’est Skynet en fait).

FIN DES SPOILERS

Autant d’exemples qui montrent combien la logique et la cohérence (même dans un univers héroïque) sont éclipsées pour être finalement cantonnées à des enjeux très limités, où la vision du spectateur est cloîtrée dans la fenêtre des 10 prochaines minutes. Assez rageant vu l’ampleur du phénomène visé par le scénario, et assez atterrant quand on entend la réponse de l'agent Romanoff pour le fin mot de l'histoire devant la commission d'enquête. Mais comme on est dans un divertissement, pas le droit de critiquer. Heureusement, le duo des frères Russo se révèle plutôt efficace dans la gestion de ses scènes d’action, offrant quelques jolies fusillades en milieu urbain et quelques dantesques explosions pour rythmer ces deux heures dix d’investigation en terrain trouble. Quelques cabotinages feront rire par ci par là (amusant Robert Redford

SPOILERS

dont la culpabilité est immédiatement révélée quand il mentionne ses états de service (et quand on sait aussi qu’il change de bonne toutes les semaines)),

FIN DES SPOILERS

et finalement, on s’amuse gentiment de ces bastons de chocs entre le captain et ce soldat de l’hivers dont l’identité sera bien évidemment dévoilée, histoire de faire une bonne petite mythologie (en revanche, on pourrait m’expliquer ce que fout l’étoile rouge de la mère Patrie russe sur son bras ?). Bref, sans retrouver un instant le charme initial de son prédécesseur, l’action fait le boulot, gentiment, et le fascisme, c’est mal. Pour ma part, la jubilation a résidé dans la séquence post générique, où on nous ressort enfin les nazis de bonne famille avec l’accent allemand et du « herr dorctorrrr ! » (je balançais de mon côté dans la salle du « ya wolk her guénéral ! », le pote fan de Marvel a fait comme si il ne me connaissait pas). Faut pas nous la faire à nous, on sait que les nazis sont toujours derrière tout ça, et qu’ils reviendront encore pour contrôler le monde ! Tremble, Amérique, les allemands n’ont pas dit leur dernier mot ! Merkel est à la solde de la loge occulte de Thulé, et ils réveilleront Cthulhu pour prouver leur puissance au monde ! Et là… on suppliera Poutine de venir nous filer un coup de main…

3/6

2014
de Anthony Russo, Joe Russo
avec Chris Evans, Scarlett Johansson

Le vrai soldat de l'hivers...

Paul Schrader à nouveau avec un cru connu et pourtant mésestimé : American Gigolo. Toujours sous l’angle du drame mâtiné d’un soupçon de trash, Paul décrypte ce qu’il adore mettre en valeur avec ses personnages, à savoir les impacts psychologiques de l’extérieur sur leur comportement, et leur façon d’y répondre. La thématique qui revient régulièrement au cours de sa carrière reste la sexualité, ici plutôt à l’avant puisque c’est la profession de notre protagoniste principal. En découle une enquête policière laborieuse qui met en valeur d’intéressants comportements sociaux.

L’histoire : Julian est un prostitué de luxe, qui tient compagnie aux dames de la haute société de passage à Los Angeles. Il est rapidement impliqué dans un meurtre, une de ses récentes clientes étant retrouvée assassinée.

Sur un postulat classique, Paul Schrader nous immerge donc dans le quotidien d’un homme-fantasme, jouant subtilement sur ses atouts (il remarque facilement les tics traduisant la solitude et l’envie) pour satisfaire sa clientèle, sans pour autant jamais avouer réellement quel est son métier. En cela, le film se révèle assez subtil, puisqu’il expose ce jeu de séduction implicite qui passe par une façon d’aborder, de se mettre en valeur… Tout est là, avec le culte de l’apparence, l’école du goût et le constant marchandage de ses honoraires avec les macros qui lui offrent les opportunités. Autant dire que le film se devait de s'appuyer sur un acteur faisant tomber les demoiselles en pamoison, et à ce jeu, Richard Gere était un choix rêvé (le film lui permettra d'accéder au grand hollywood avec son bon succès). Parfait dans la peau du garçon à louer, il pressent les envies, et les combleautant que possible. L’essentielle de sa clientèle réclame essentiellement sa compagnie et son bon goût (Julian est d’ailleurs instruit (plusieurs langues à son actif), et désireux de sans cesse perfectionner son impeccable numéro). Et de temps en temps, il est obligé de renoncer à son amour propre (tétanisante séquence où Julian, payé par un mari tortionnaire, se voit ordonner de frapper la femme de ce dernier). L’univers est dépeint, arrive alors le fait divers, et la dégringolade. La suspicion de Julian dans une affaire de meurtre et de vol apporte son lot de retard, de mauvaise publicité et de révélation à la vie publique de laquelle Julian se préservait plus que tout (soignant son image). C’est au cours de cette période que le film se met à exposer son axe secondaire : la jalousie masculine. Si la première partie prédisait la chute de Julian par son trop grand nombre de clientes, c’est la jalousie de leurs maris qui semble davantage à craindre (surtout quand ces derniers sont influents, soit pour l’essentiel de sa clientèle). Le portrait social est clair et sans détours. C’est une autre jalousie masculine que le film s’amuse aussi à révéler : celle des moins chanceux et des moins maniaque du physique, qui envient à Julian son charisme sexuel immédiatement perceptible. Le personnage du commissaire est exactement dans cette position, se servant de son uniforme pour harceler Julian, tout en le cuisinant officieusement sur la façon de s’habiller, en lui demandant de discrets conseils pour améliorer son image. Le dénouement de l’enquête, ainsi que celui de l’histoire en question sont d’un moindre intérêt. C’était dans le script, mais comme on s’en fout, pas de formalité. Reste une splendide photographie et un bon numéro d’acteurs, suffisamment subtils pour souligner la subtilité des comportements humains dans le clientélisme de la compagnie masculine. Assurément un film à garder en mémoire.

4,7/6

1980
de Paul Schrader
avec Richard Gere, Lauren Hutton