Nouveau film extrême qui a fait toutefois moins parler de lui que The Human centipede 2, The Bunny Game s’est frotté lui aussi au titre de film le plus trash de l’année, ce qui a visiblement échoué au vu du désintérêt général qu’il suscite (qui en parle encore aujourd’hui ?). Les ambitions étaient toutefois là puisque le film refusait de se vautrer dans le gore grandiloquent qui fait le quotidien des films extrêmes, désirant se restreindre à de la torture psychologique (et physique, mais pas impressionnante), et donc mettre en valeur le jeu torturé de ses acteurs. Ambitions ratées hélas.

L’histoire : une prostituée est séquestrée par un gars louche dans son camion. Ce dernier décide de la garder en captivité pour s’amuser avec elle.

Un film où ça gueule...

Tout d’abord, l’exposition donne dans le trash complaisant en montrant le quotidien de la prostituée, composé en gros de ses errances dans une ville anonyme et de ses prestations. Mais si elle est réduite au rang d’objet par ses clients (le film cherche à capter tous les petits rabaissements psychologiques qu’ils lui font subir), cette dernière a des vestiges d’amour propre qui lui font pousser des remarques pathétiques. Une tentative de planter un personnage féminin en mode survie, hélas un peu ruiné par un montage épileptique et une musique particulièrement désagréable. Dommage car la performance de l’actrice, qui renie visiblement tout amour propre dans son rôle, se révèle plutôt convaincante. Mais arrive alors notre roméo (le camionneur) qui la kidnappe et l’enchaîne dans la remorque de son camion. Si on ne verra jamais de sang couler, le film commence à aligner les sévices de captivité bateaux (tonte des cheveux, ligotage douloureux, humiliations, viol…) en réduisant ses dialogues à un gars qui beugle et à une femme qui beugle. Si cette dernière est celle qui beugle la plus fort (et qui donc peut paraître la plus crédible), on n’avance pas dans l’histoire, pas plus que dans la prétendue psychologie du film… Ce ne sont toujours que des cris et des injures qui sont échangées, le malsain se contentant de rester toujours à l’écran dans l’ambiance sordide. Seule séquence notable qui donne son nom au film, la séquence du bunny game, où notre prostituée, aux bras ligotés dans le dos et revêtue d’une tenue SM de lapin, se fait poursuivre par notre ravisseur revêtu d’une tenue SM avec masque de cochon en poussant des grognements adéquat. Bon, il y a une vague idée visuelle, mais niveau psychologie, c’est le néant. Mais la séquence de pseudo-libération, sensée être marquante, est foirée puisqu’on n’arrive pas à croire à l’expression de l’héroïne, d’abord crédible dans son espoir béat, espoir qui vire en grimace mongoloïde de plus en plus ridicule au fur et à mesure que le plan dure… En voilà une qui n’a pas regardé Martyrs et sa sobriété du traitement des victimes. Et là… Fin. D’une inutilité sans nom, The Bunny Game est d’autant plus mauvais qu’il est nettement moins agressif que les derniers essais extrêmes de ces dernières années. POAK l’éclate, Grotesque l’éclate, A serbian film est plus riche thématiquement… The Bunny Game est un film de détention trash qui veut se donner un look un peu agressif avec un montage très expérimental (avec une musique braillarde de circonstance), sans pour autant repousser plus loin le genre. Peu d’intérêts, donc, même si le noir et blanc n’est pas mal géré…

1/6

2010
de Adam Rehmeier
avec Rodleen Getsic, Norwood Fisher

Tarantino aujourd’hui avec son dernier Django Unchained. Vu le tapage qui est fait autour du film, que ce soit dans la presse ou avec le public, Django est parti pour être un des films les plus rentables de l’année. Pour tout dire, j’étais un peu dubitatif, craignant de retrouver les faiblesses quotidiennes de Tarantino. Et si elles sont là en effet, forcé l’on est d’admettre que le résultat possède un certain panache, même si il perd en capital sympathie au fur et à mesure que l’intrigue progresse.

L’histoire : Django, esclave noir rebelle, est libéré par un chasseur de prime allemand afin de reconnaitre ses 3 prochaines cibles. Mais alors qu’ils accomplissent leur mission, Django émet le souhait de vouloir libérer sa femme, vendue il y a des mois dans un marché d’esclaves.

Comme on connaît la passion de Tarantino pour les westerns, le voir s’attaquer frontalement au genre a quelque chose de séduisant. Et ses fans ne seront ici pas déçus. S’attaquant donc avec un certain respect du Western (assez classique dans son exposition), il y mixe un côté blacksploitation qui fonctionne particulièrement bien pendant la première heure du film. On retrouve le meilleur du cinéma de Tarantino, à la fois dans le côté moralement ambigu mais en fait ça va (l’exposition du métier de chasseur de prime, un brin Besson sur les bords), dans les dialogues de personnages décalés (Christoph Waltz, encore une fois excellent dans son rôle de chasseur de prime), dans l’humour permissif (la scène what the fuck des cagoules, bien qu’anachronique) et dans la progression de son intrigue. On ne s’ennuie pas une seconde pendant la première moitié de Django, l’histoire parvenant à bien se renouveler et à introduire ses personnages. Et on ne peut qu’apprécier la performance de Léonardo Di Caprio, excellent à contre emploi dans le rôle d’un vendeur de lutteur noir ayant acheté par hasard la femme de Django. Sa performance est un régal, tant le personnage réussit à être convaincant dans sa vision raciste de la société où sa famille s’est implantée. Si le contexte raciste est pour beaucoup dans la détermination des méchants (quasi unanimement blancs, mais c’est logique), on peut toutefois relever dans tout cela la prestation de Samuel Lee Jackson, hilarant dans son rôle de noir raciste entièrement dévoué à la famille exploitante de la plantation, mais dont la performance sombre peu à peu dans la répétition (au bout d’un moment, il continue sur cet humour, mais il n’est plus drôle). Un détail dans cette première bonne moitié : tout le monde semble avoir été choqué par la scène où des chiens mettent en pièce un lutteur sous le regard de Django et de Schultz (le chasseur de prime allemand). Je ne vois pas en quoi il est choquant que Django approuve, dans la mesure où il avait annoncé qu’il allait endosser le rôle d’un personnage pourri jusqu’à l’os et où il est impossible de le sauver (j’insiste, vu le nombre d’individus soutenant le racisme dans les environs, il aurait de toute façon été mis à mort). Après une première partie excellente, tout bascule avec la mort de Léonardo di Caprio. Après cet évènement, le film sombre dans le grand guignol et Tarantino retombe dans tous ses travers. Je m’étonnais que pendant la scène du chien, on ne voit aucune scène de violence. Tarantino deviendrait pudique ? Nooon ! Il nous les ressort en gros plan, mais plus tard (juste avant la mort de Di Caprio en fait). Et là, l’hémoglobine gicle ! Après une scène de carnage limite insoutenable (ils repeignent le hall avec du sang) complètement inutile (mais Tarantino s’est bien marré derrière sa caméra), on vire sur la séance de torture avortée (il y aurait pu y avoir du neuf, mais non, l’intégrité physique du héros est conservée), avant de partir dans le grand n’importe quoi narratif. On commence à ressentir la longueur de Django, qui s’encombre d’une nouvelle boucle narrative qui n’est là que pour rallonger l’histoire. Le coup de la tchatche avec les gardes du convoi d’esclaves est à ce titre une scène de dialogue complètement gratuite, où Tarantino ne cesse de s’auto-citer (on sent les mêmes plans de Reservoir dogs), avant que le héros, tuant tout le monde, ne galope vers sa promise en exécutant tout le monde sur son passage (en tirant dans la bite de préférence). On tombe dans le travers qu’on pouvait craindre, à savoir que dans le dernier acte, Tarantino flingue tous les blancs avec son héros, en laissant les noirs s’en sortir parce qu’ils sont noirs (sauf samuel lee jackson, parce qu’il faut le faire mourir celui là). Les 15 dernières minutes de Django sont à ce titre insupportables, tant le film s’éclate à rendre ridicule ses personnages au moment de mourir. Ah, tu cries, putain de raciste ! Tu as mal, putain de raciste ? Tiens dans ta bite ! Paw ! Ou encore le « Dis bonsoir à madame Daisy ! », summum de l’humour nazi dont est parfois capable le réalisateur. Dommage que Tarantino manque complètement de recul dans sa dernière partie, virant dans un manichéisme putassier qui provoque quelques gênes (on tue le négro raciste, mais la dame de compagnie de Di Caprio, noire, restant toujours stoïque et souriante devant les exactions de ses maîtres, est libérée comme si de rien n’était). Le résultat, toutefois très beau et bien rythmé, réussi à tenir ses objectifs, à savoir être un divertissement honnête tout en donnant dans la relecture moderne (il n’y avait que Tarantino pour oser nous balancer du rap dans un western au XVIIème, et en plus ça fonctionne !). Sympathique, et effectivement l’un des meilleurs Tarantino jamais fait, mais on ne va pas non plus crier au génie.

4,3/6

2012
de Quentin Tarantino
avec Jamie Foxx, Christoph Waltz

Tous les grands films d’horreur sur l’inquisition prennent leur source avec le méconnu Le grand inquisiteur. Fresque d’époque dans une esthétique très Hammerienne, ce dernier s’attachait à filmer un inquisiteur et ses périgrinations en Angleterre, ainsi que la vengeance d’un des proches de ses victimes. Des bases intéressantes qui marquent déjà une certaine volonté d’objectivité (point d’attaque haineuse de l’Eglise), sans pour autant développer beaucoup de pistes qui s’offrent à lui (ses successeurs s’en chargeront avec grande efficacité). Un classique en somme.

L’histoire : Dans l’angleterre du XVIIème siècle, la superstition fait rage dans la population, encouragée par la situation diplomatique chaotique de guerre civile, l’armée royale étant en déroute et les baronnies divisées. Dans ce micmac, les inquisiteurs profitent de la situation, surfant sur les craintes des gens pour en retirer quelques deniers…

Le grand inquisiteur s’attache donc à reconstituer une époque troublée, comme en témoigne son introduction sans musique où une femme, entravée, est emmenée de force par une procession vers la potence du village, en y recevant les derniers sacrements par un prêtre peu rebelle et d’être sommairement pendue. Une introduction sèche qui plante bien le sujet d’office. Toutefois, le film attaque essentiellement les personnages de l’inquisiteur et de son bourreau attitré, les véritables saloperies humaines du film, qui torturent essentiellement pour de l’argent. La population, guidée par une peur aveugle (accusant les prêtres et tous les gens qui tentent de leur venir en aide), cherche des motifs de condamnation, les inquisiteurs ne sont là que pour donner une soit disant bénédiction de l’Eglise alors qu’ils n’en réfèrent visiblement à personne d’autre que leur bourse. Un traitement amoral plutôt efficace, et qui gère avec une certaine efficacité les scènes de tortures qu’il met en scène. Un peu de sang, mais relativement peu (la cruauté vient du fait que les victimes n’ont absolument aucun moyen de défense du jour au lendemain), le film fait plus dans la révolte qu’impliquent de tels traitements, montrant une foule complice qui se délecte de la situation alors que le spectateur s’énerve devant ces déchaînements de violence aveugle. Mais si ce traitement plante excellement le sujet du film, l’intrigue devient vite sommaire, voire un poil barbante. On s’attaque en effet à un garde de l’armée royale qui tombe amoureux de la nièce d’un prêtre (nièce qui joue d’ailleurs moyennement bien l’amour). Or ce prêtre est accusé de sorcellerie et finit exécuté, sa nièce en réchappant au prix de son corps (mais elle n’est pas déflorée par l’inquisiteur hélas, elle l’avait déjà été par son amoureux, ce qui est quand même louche et assez mal vu pour l’époque). Le cavalier, ivre de vengeance, jure dans la chapelle profanée du prêtre défunt de venger sa mort. Et nous voilà embarqué dans un revenge movie d’époque, qui se contente par la suite de suivre les tribulations des personnages au travers du pays. Ils se rejoignent, se ratent, se séparent… Bref, on fait durer la montre en meublant avec des péripéties plutôt sympathiques (magnifique scène de bûcher qui a probablement inspiré Christophe Gans pour Silent Hill) et de splendides paysages de la campagne anglaise en plein hivers, mais somme toute inutiles pour l’enrichissement thématique de l’histoire. A noter toutefois un final particulièrement nerveux pour un film de l’époque (on termine dans un massacre à la hache) et la prestation de l’exécuteur, excellent dans son rôle d’homme de main voyant la culpabilité chez tout le monde y compris chez son propre maître. Si Vincent Price reste attachant en inquisiteur imprévisible, sa prestation est ici un peu effacée, le personnage ne faisant pas preuve du charisme qu’on peut lui reconnaître dans Le masque de la mort rouge. Bref, un premier film plutôt sérieux sur le sujet, mais qui sera dépassé sans mal par Béatrice Cenci, The mark of the devil et le démentiel The devils.

4/6

1968
de Michael Reeves
avec Vincent Price, Ian Ogilvy

On le sait, les nanars volontaires sont aujourd’hui essentiellement le fait de fans endurcis des anciens succès de l’horreur, qui ont bien conscience du ridicule de leur pitch et qui tentent d’y aller à fond en jouant sur la sympathie du public. La main qui tue, Burger Kill, Blackaria… Autant de films délirants (et aux ambitions diverses, Blackaria et son cousin Last Caress possédant de vraies ambitions graphiques) qui ne lésinent pas sur les aspects nanars pour nous faire rire un bon coup. Gutterballs a été fagoté dans cette optique lui aussi, pour rendre hommage aux slashers des années 80 en se vautrant dans l’excès le plus total. Etude du bestiau, en version non censurée svp !

L’histoire : Deux bandes de jeunes adultes rivalisant de beauferie se préparent pour un tournois de bowling, annulé au dernier moment suite à une bagarre entre les joueurs. Plus tard, une femme est violée dans la salle d’arcade par la bande méchante. Le lendemain, alors que le concours a lieu, un mystérieux assassin commence à décimer les joueurs…

Gutterballs est un cri d’amour constant à toutes ces bandes de vidéos club nanardes des années 80, qui ne faisaient pas peur un seul instant et dont les retournements finaux rivalisaient en stupidité. Ici, il y a tout ça, mais en puissance 1000 ! Impossible de rester sérieux devant cette orgie nanarde d’une heure et demie, qui s’en prend d’abord à vos oreilles. En effet, la VF est juste la plus vulgaire que j’ai jamais entendue de ma vie. Les doubleurs français du film ont réussi la prouesse de caler au moins deux insultes par lignes de dialogues ! Résultat : on a l’impression d’entendre plusieurs films de Tarantino en même temps. « Mais putain d’enculé ? Tu vas me rapporter ma putain de bière ? » « Vas te faire foutre, pédale ! Je téma la salope qui est à côté de moi ! » « Je suis ta pute, tu sais ? Tu veux pas que je te suce ? » Et c’est de ce niveau pendant une heure et demie. Non stop ! Encore pire que Tha Eastsidaz, sauf qu’on arrive ici toujours à en rire tant la gratuité du vulgaire se révèle absurde. Beaucoup seront rebutés simplement par ce point, mais avec un pack de bière, ça passe tout seul. Passé le vulgaire de language, on a droit au vulgaire des acteurs. Le film joue tout en mode cliché à un tel degré d’abrutissement qu’il y a là quelque chose d fascinant. Du transsexuel bedonnant jusqu’au macho (« Tu sais ce que je fais dans la vie ? Je casse du pédé ! » « Ouais, on leur éclate le fion à ces pédales ! ») en passant par le barman (« Tu diras à ta mère que je passerai plus tard ce soir ! »), c’est un florilège d’imbécilité d’une lourdeur tellement alarmante qu’on passe à un stade de nanar ultime. Rien de moins ! La séquence avec la cireuse de boule (cireuse qui parle comme l’intelligence artificielle d’Attack of the killer Weed) en est la meilleure illustration, poussant l’absurde à son paroxysme. Et le final transcende tout ça avec des explications complètement ahurissantes. Déjà que la violée était de retour sur les lieux du viol le lendemain avec les mêmes violeurs qui jouaient en face d’elle (elle est nanarde au point de porter des lunettes de soleil), attendez de connaître ses complices… Enfin, le point intéressant de la version censurée, c’est le gore. Si la version soft est relativement peu démonstrative à ce sujet, la version uncut est un véritable carnage. La scène nanarde de 69 dans les toilettes devient une scène porno assez dégueulasse dont la mise à mort annonce la couleur. Le transsexuel (« Non ! Ne me tuez pas ! Vous voulez que je vous suce ? ») se voit gratifié d’un coupage de pénis en 2, la cireuse de boule est mise à contribution… On vire sur un gore grand guignol particulièrement malsain pendant le final qui améliore légèrement le potentiel d’intérêt du film. Mais il ne faut pas se leurrer, à moins d’apprécier le nanar pour se qu’il est et de s’humilier les tympans avec jubilation, Gutterballs est un nanar phénoménal et redondant, à réserver aux amateurs du genre…

1/6 mais un 17/20 nanar

2008
de Ryan Nicholson
avec Alastair Gamble, Saraphina Bardeaux

Moulin Rouge est une des comédies musicales modernes les plus populaires auprès du public. Bénéficiant d’un casting plutôt affriolant (Kidman, McGregor, Lguizamo) et surtout d’une esthétique kitch calibrée pour exciter les mirettes (du Gilliam bouffi), le film brode une histoire d’amour aux relents tragiques sur plus de 2 heures, voulant rendre un hommage moderne au grand cinéma et au Paris du XXème dans son faste, tout en insérant des anachronismes modernes pour les morceaux musicaux et des incohérences pour charger davantage le visuel. Du cinéma en grand, qui m’a laissé au bord de l’indigestion.

L’histoire : Dans le Paris de 1900, un jeune écrivain tentant de se lancer dans le métier tombe amoureux de Satine, la plus belle pute du Moulin rouge, promise au Duc, principal financier de l’établissement.

Œuvre aussi factice que bouffie, Moulin Rouge agace pour tout un tas de choses, mais pas pour ses musiques. En effet, si l’on passe outre les énormes anachronismes qu’ils impliquent, les reprises de morceaux connus sont loin d’être mauvais, parvenant à donner de la pêche à certaines séquences du film. Même le côté ultra kitch du bordel Moulin Rouge en devient réjouissant, son esthétique surchargée et colorée donnant lieu à des scènes qui flattent l’œil. Mais à ce niveau, de régulières fautes de goût viennent émailler l’ensemble, notamment avec les travelings où le numérique saute aux yeux où des incohérences sensées transcender l’ambiance frivole qui règne dans la pellicule, mais pas dans la salle de projection (les vues de Paris). Mais incontestablement, ce qui nuit à Moulin Rouge dans son fond, c’est l'assèchement regrettable de l’ensemble du film, qui emporté par sa fièvre visuelle en finit par tyranniser ses personnages, et à paraître prétentieux. Prétentieux dans son humour, dont le vulgaire n’a d’égal que le ridicule des clichés qu’il manipule (les personnages secondaires sont tous tellement outranciers qu’on s’y attache peu voire pas du tout (Leguizamo, insupportable)), prétentieux/audacieux dans les chorégraphies (tellement découpées qu’il est difficile de jouir d’un beau plan pendant plus d’une seconde, dommage vu que l'ambiance est là), prétentieux dans sa tragédie (l’opportuniste fin tragique sensée grandir le spectacle, alors qu’on l’attend depuis le début du film), Moulin Rouge est une montagne stylistique où l'audace et la prétention flirtent à tous les étages, qui jongle avec la prise de risque énorme de ses choix visuels (casse gueule, il faut le reconnaître). Non, le divertissement n’est pas une frivolité extrême, assénée avec un visuel rococo flatteur et des acteurs connus. Les personnages ne dégagent que peu de sentiments, le surjeu annihilant le sérieux. On ne croit jamais vraiment à leur malheur, ni à leur bonheur, ou si peu, mais ça reste extrêmement théâtral, trop exagéré pour être honnête. Quand ils pleurent, on devine les techniciens avec des pipettes qui se planquent dans les coulisses… Moulin rouge ne dégage rien de spontané, d’authentique au niveau sentimental (les ambitions tragiques sont évidentes, trop évidentes d'ailleurs, pour laisser place à de la spontanéité). C’est une mise en scène ultra classique dans les ingrédient et exécutée avec une volonté de pousse-bouton, qui ne dépoussière le genre que dans l’approche paillettes et maquillages d'une autre époque, dont l'anachronisme kitch est la principale accroche. Partant de là, voir 2 heures aussi fades relève de l’anti-divertissement (à moins d’être partisan et d’aimer ce style, auquel cas je recommande la majorité des programmes de Disney Channel, parce qu’on nage dans le même niveau question psychologie). Même si l’œuvre finale possède une esthétique suffisamment calibrée pour s’extraire de la pauvreté des programmes de la chaîne précédemment citée (elle a accès à toutes les autres du coup), la superficialité sentimentale de l’ensemble la rend vite indigeste pour ceux qui aiment éprouver des choses devant ce qu’ils voient. Un film assommant par ses côtés blockbusters, que les amateurs de blockbuster apprécieront comme une comédie dramatique de bonne tenue.

2/6

2001
de Baz Luhrmann
avec Nicole Kidman, Ewan McGregor