Rob Zombie s’est lancé dans le cinéma avec une franchise extrême : celle des agissements de la famille Firefly, une bande de psychopathes dégénérés sur plusieurs générations qui s’en prennent à tous les visiteurs qui passent dans le coin pour retrouver la tombe de Docteur Satan. Ultra trash, dans un univers visuel qui n’est pas sans rappeler les clips de Sieur Zombie, ce film est un pur électrochoc, parvenant à évoquer le goût du Massacre à la Tronçonneuse de la grande époque, avec un humour tout aussi présent. Hyper attachant dans ses débuts, le film perd hélas de son charisme au cours d’un développement un peu laborieux, mais agréablement conclu sur un univers punk gore qui retrouve le glauque initial. Inégal, mais unique.

L’histoire : une bande de quatre jeunes étudiants fait une halte d’essence dans la station service de Spaulding, et en profitent pour visiter son musée des horreurs. Après cela, ils insistent auprès du capitaine Spaulding, tenancier de l’établissement, pour connaître l’emplacement de l’arbre où a été pendu le docteur Satan. Ce dernier les envoie sur une route de campagne des environs.

Ce film de Rob Zombie montre patte blanche dès le départ en faisant tout pour se faire aimer du fan. D’abord s’introduisant sur une façade horreur années 50 (comprendre : grosse nostalgie), le film s’avance déjà comme un étalage de violence, de sang et de freaks. Et nos premiers personnages, tenanciers de la station essence, ont tout pour se faire aimer. Blagues pas fines, sang froid, pure gueule de freak… On n’est pas loin de l’humour des frères Cohen, dans une ambiance graphique à la Tobe Hooper. Puis l’histoire du film commence, et il a vraiment tout du train fantôme sympathique. On commence déjà par la visite du fameux musée du capitaine Spaulding, que nous découvrons en compagnie de nos jeunes gens. Direct, la plongée dans le trash est rude, le film étant définitivement plus tordu que Massacre à la tronçonneuse. Cadavres dans un cimetière se frappant la tête contre une grille, mise en scène gorrissime et ultra raccoleuse de Ed Gain, la plongée dans la folie est brutale, et s’achève avec l’évocation du docteur Satan, dont la tombe est particulièrement proche du coin. Dans ces conditions, comment résister à l’idée d’aller la découvrir ? Malheureusement pour nos jeunes gens, ils vont traîner sur les terres de la famille Firefly. Là, Rob Zombie innove graphiquement, puisqu’il prend le parti risqué de caractériser ses personnages par des films en caméra amateurs qu’ils réalisent eux même en se mettant en scène. Shéry Moon récite quelques phrases des fanatiques de Charles Manson, Otis nous fait part de ses créations artistiques ultra-déviantes… La galerie des personnages trashs ne cesse de s’agrandir, et chose étrange, mais le charme du freak opère toujours dans ces conditions, et malgré nous, on s’attache à cette famille totalement chtarbée et immorale, qui sous couvert de clichés inflige les pires souffrances à des individus de toute sorte. Les dialogues sont d’ailleurs savoureux (« Je te gâche ta journée ? »), les interprétations des personnages étant tout simplement au poil. A vrai dire, c’est un film d’horreur parfait jusqu’au spectacle de théâtre. On a là les dernières minutes de film qui ont un charme fou, et qui nous manquerons cruellement par la suite. Le spectacle de Sheri Moon en danseuse type des années 50 retrouve la grâce de ces glorieuses époques. Mais passé la capture de nos jeunes, le freak show finit par un peu lasser. Si les sévices infligés sont toujours assez gratuits et révoltants (la question piège), Rob Zombie tente de donner une dimension psychédélique à son film d’horreur. Il lui donne des airs de bad trip, et pour se démarquer du style de Hooper, il expérimente en tournant des plans complètement en négatif. Une technique qui surprend, mais qui sature vite les rétines, les montages énervés de Zombie donnant au final un look trop clippesque à cette grande partie. Si certaines séquences dominent dans le lot (l’interminable exécution de l’adjoint du shérif), on se détache un peu de l’histoire, nos freaks paraissant un poil moins attachants (même si ils restent toujours trash) alors que nos victimes ont perdues elle aussi un poil de l’intérêt qu’on leur portait. Après les décors aux teintes ultra chaudes de la maison, on passe dans un univers de cimetière et de cavernes lors de la troisième partie, où on va enfin aller faire un tour du côté du docteur Satan. Si les débuts de cette partie avaient du mal à convaincre (les intrusions de caméra amateur ayant finit peu à peu par m’user), on retrouve des souterrains qui font vraiment écho à Tobe Hooper, et à une parodie de chirurgien torturée et ultra punk en la personne du Docteur Satan, aux bras insectoïdes continuant ses recherches sur des attardés mentaux. Le soldats cybernétique qui sort alors devant nous yeux fait vraiment progresser l’univers vers encore quelque chose de nouveau, et si la conclusion revient voir du côté de Massacre à la Tronçonneuse, le film concerne immanquablement un cachet d’originalité, créant un univers à part totalement surréaliste et particulièrement réjouissant. Si le visuel est ce qui fait la force et la faiblesse du film, Rob Zombie a réussit à imposer son imaginaire en un film, de façon plutôt cohérente et en développant son travail sans oublier de payer son tribut aux génies qui l’ont précédés. Naissance d’un maître ? Assurément.

4/6

de Rob Zombie
avec Sid Haig, Bill Moseley

Lucky McKee revient au cinéma, et cela après quelques années d’interruption (qui ne l’ont pas empêché de produire les petites truculences Red (un chien abattu par des jeunes que son propriétaire va venger, The Lost et The Girl Next door, qui n’a rien à voir avec la comédie éponyme). Il revient aujourd’hui avec une belle idée en tête : offrir une suite à Offsprings, bouquin qui traitait d’une famille de cannibales vivant en banlieue. Avec Ketchtum et McKee derrière le script, on se doutait qu’il y allait avoir de la provoque (Jack Kechtum est un des auteurs horrorifiques les plus controversés du marché, car décrivant souvent trop bien la cruauté humaine et sa suffisance (avec toute la guimauve qu’on produit à côté, il faut bien créer un équilibre !). Pour les effets spéciaux, il s’offre en plus les services de mon chouchou Robert Kurtzman (mr From Dusk Till Dawn, svp), et compte bien nous retourner les tripes avec une histoire causant de femmes : the woman.

L’histoire : un avocat ayant une vie de famille tranquille part faire une partie de chasse un week end et découvre une femme étant retournée à l’état sauvage. Il décide alors de la capturer et de la séquestrer chez lui pour faire son éducation.

En festivals, certaines critiques ont carrément qualifié le film de misogyne (décidément, si vous êtes un homme qui tente de parler des femmes, vous ne pourrez jamais éviter l’étiquette). Autant le dire tout de suite : le film n’a rien de misogyne, il s’assume dès le départ comme un pur produit féministe dans la lignée de Day of the Woman et persistera dans cette voie comme telle. Quant à la soi disant grande violence du script : qu’on se rassure tout de suite. Si le film n’usurpe pas sa violence interdite aux moins de 16 ans, c’est loin d’être un choc aussi sévère que Martyrs, et loin d’être comparable à A serbian Film (qui commence enfin à faire parler de lui en dehors du cercle des geeks trashs et des fans de genre). Néanmoins, le film porte bien son statut de politique à bras le corps, et s’en va défendre la cause féminine avec une mise en scène barbare qui émaille la façade rassurante des bonnes familles banlieusardes. Le film choisit de commencer directement par son « héroïne », la femme qui sera au centre de l’histoire, et qui est montrée comme un modèle de pure survie (son combat contre un loup au plus profond de sa tanière). Mais son quotidien change bientôt radicalement, puisqu’elle est capturée et séquestrée dans la cave d’un avocat qui compte lui apprendre les bonnes manières. L’avocat en question, c’est Chris Cleek. Un sympathique banlieusard qui ne dépasse pas dans les angles, qu’on sent un brin rapace dans son travail et qui inculque le culte de la perfection chez ses enfants. Mais quand il s’agit de dresser la Femme, il choisit de faire participer toute sa famille. Il ressentira immédiatement de l’agressivité envers la femelle capturée, celle-ci lui bouffant carrément un doigt lors de son arrivée dans la maison. Commence alors des tentatives de dressage du père et les différents parcours psychologiques des membres de la famille. Si l’aînée Peggy part carrément en crise de nerf devant les traitements infligés, le fils Brian regarde sans broncher et commence à reproduire les enseignements paternels, notamment à l’école où il se sert de différents prétextes pour martyriser gentiment les filles. La situation prend peu à peu de l’ampleur (Papa aime rendre visite à la femme vers minuit), jusqu’à ce que les personnages se dévoilent enfin : l’homme opprimant la femme avec un mépris assez indécent. Il est d’ailleurs assez intéressant de voir Lucky s’attaquer aux concepts de solidarité des sexes, qui comme je le crois, ne fonctionnent que quand la communauté n’est formée que de gens du même sexe. Ici se rajoute le contexte du mépris de la femme, ce qui fait encore évoluer la solidarité masculine, lui donnant bien plus de poids qu’à l’ordinaire. Comme toujours dans le cinéma de Kechtum, le film s’achève dans une apothéose sanglante, qui acquiert enfin sous la caméra de McKee la violence graphique et viscérale qu’on attendait (rappelons de la pauvre exécution à la béquille de The Girl next door, loin de suffire à nous défouler). Le message n’a rien de nouveau, mais les jeux d’acteurs corrects et un retour à la sauvagerie prôné par le film en font un petit brûlot sympathique, dévoué à sa cause et qui en a dans le pantalon (il fait vraiment passer les familles classiques pour des tarés capables du pire). Fréquentable, mais on ne criera pas au géni comme pour May.

3,5/6

de Lucky McKee
avec Carlee Baker, Shana Barry

George Pan Cosmatos, c’était en quelque sorte le Besson qu’on a aujourd’hui, mais dans les années 90. En effet, il n’a tourné que 5 films dans sa carrière. Lancée grâce à l’énorme succès de Rambo 2, sa carrière a battu de l’aile avec l’échec critique retentissant de Cobra, encore considéré aujourd’hui comme un nanar culte ultra sécuritaire. Cependant, George a tourné aussi un film plus modeste : Leviathan. Une série B potable dans l’ensemble, qui recycle pas mal de clichés mais se révèle curieusement agréable. Plongeons dans les abîmes de la culture cinéphage.

L’histoire : dans une station sous marine procédant à de l’extraction de minerai, l’équipe sur place découvre par hasard l’épave d’un vaisseau russe : le Leviathan, indiqué comme toujours fonctionnel dans les guides de marine. L’équipe procède à la fouille de l’épave et découvre de curieux enregistrements ainsi que d’autres babioles.

Alors là, on a droit à un carrefour jouissif, car ce film est un patchwork de trois références ultimes du film de SF. En gros, ce film, c’est l’ambiance d’Alien tournée dans les locaux d’Abyss avec les costumes de The Thing. Autant dire que pour des amoureux du bis, le film a tout pour être agréable. Après, c’est loin d’être du Shakespeare. Pan Cosmatos est un réalisateur jouissif, pas appliqué. Ses acteurs sont de sympathiques têtes qu’on a déjà vu quelque part (tiens, le même que Marvin dans Home alone !), dominés par un Peter Weller que j’adore et qui reste toujours aussi cool (on ne va pas non plus appeler sa prestation une performance). Les décors sont plutôt riches (on croit à cette station sous marine), et l’ambiance finit bizarrement par fonctionner, la créature finissant par grandir et devenir assez imposante. Notons qu’elle se nourrit de sang, ce qui l’oblige à se trouver régulièrement un bout de viande à sucer (et à maintenir en vie, particularité un peu ridicule, mais bon…). Toutefois, le monstre met longtemps à apparaître. Il faut bien une demi-heure avant de trouver l’épave, et les premiers signes d’infection arrivent vers 45 minutes (soit la moitié du film). Mais dire qu’on s’embête serait démesuré. Disons que le temps passe, et qu’une fois que la bête est là, on stresse un peu et on a des effets spéciaux animatroniques à la hauteur (mais si on voit un faux raccord lors de l’impressionnante séquence de la sangsue géante). L’équipe n’a hélas pas vraiment les réflexes attendus, puisque pas mal fuient devant la créature au lieu d’aider leurs potes en difficulté. Pour rajouter au jouissif de la situation, la Compagnie qui les emploie  prétexte une tempête pour les laisser au fond, et publie leur avis de décès avant l’heure, souhaitant probablement récupérer la créature suivant l’ordre spécial 937. Bref, on cherche à enterrer nos héros mais ils ne l’entendent pas de cette oreille et auront un arsenal conséquent pour se défendre (lance flamme, tronçonneuses à roche, scies…). Une fin totalement irréaliste (la décompression, ils connaissent ?) et jubilatoire (what a twist !), qui achève le spectacle avec bonne humeur, où un poing dans ta gueule est mieux qu’un long discours. On rigole quand même en voyant nos héros remonter, et tomber sur plusieurs requins en plein océan (quasi impossible, vu la politique de territorialité qu’ils appliquent), et que le black se suicidera lors de l’ultime assaut qu’il tente pour sauver ses amis (encore un qui meurt à la fin d’un film pour la bonne cause). Malgré ces traits de scénario un peu grossiers, l’ambiance du film et son plusieurs follement sympathique feront largement passer la pilule et prendre le film pour ce qu’il est : un divertissement honnête et sans prétentions.

4/6

de George Pan Cosmatos
avec Peter Weller, Richard Crenna

Après un May (2002) qui en aura traumatisé plus d’un, Lucky McKee s’est essayé au film de sorcière, avec une imagerie aussi belle que bancale. J’ai nommé The Woods, un film fantastique sorti en 2006 assez intéressant, puisqu’il mélange des éléments du fantastique espagnol et du cinéma américain. Avec une histoire au départ complexe, McKee parvient à nous faire un film assez audacieux visuellement, mais qui peine parfois à bien être clair avec son public. Retour au pensionnat des sorcières.

L’histoire : Heather, une adolescente fascinée par le feu, est envoyée dans un pensionnat de jeunes filles après avoir déclencher un incendie chez ses parents. Rapidement bizutée, elle commence alors à avoir d’étranges visions pendant son sommeil.

On parvient assez vite à identifier les choix artistiques pris par Lucky, dont les aspirations sont assez évidentes. Que dire de cet orphelinat en pleine nature, si ce n’est qu’il semble tout droit sorti d’un film de fantôme espagnol ? Et ces visions qui parasitent le quotidien de l’héroïne ? De l'Argento tout craché ! Des inspirations tout à fait honnêtes qui sont plutôt bien mélangées avec le reste des éléments traités avec une mise en scène plus américaine (l’héroïne, sa famille, les bizutages…). En effet, notre personnage principal m’a toujours donné l’impression d’être dirigée comme un garçon, et pas comme une fille. Dialogues percutants et allant droit au but, ton cassant, légère tendance bagarreuse, elle a ce qu'on appelle une personnalité forte qui aimerait prendre la vie à bras le corps, ce qui n’est pas vraiment possible vu le climat qui règne depuis son arrivée. En effet, elle est victime d’un bizutage sévère de la part d’une fille blonde qui surjoue un peu trop son rôle (les actes de bizutages se suffisent à eux même). Bref, l’intrigue nous introduit dans le quotidien de l’établissement, frustre de plus en plus son héroïne (son premier cours est un beau fiasco) au fur et à mesure qu’elle progresse dans la découverte du passé. D'un point de vue psychologique, cette agressivité du monde environnant n'est pas vraiment un hasard, Lucky McKee adorant brosser des portraits de personnalités atypiques et d'individus uniques. Aussi il est vraiment sincère en nous présentant une héroïne directe : il veut à tout prix nous la rendre attachante, et c'est exactement ce qu'il se passe (pour peu qu'on soit sensible aux intentions du réalisateur). Le fantastique est alors un argument supplémentaire pour mettre en avant le caractère unique du personnage. En effet, assez vite, Lucky nous balance l’histoire de trois sœurs sorcières anciennement dans l’école, qui après leur bizutage auraient décimé leurs camarades avec l’aide de la forêt. La sorcellerie, ça fait du dégât. Mais Heather semble entretenir un lien étroit avec cette histoire. Et puis, le spectateur n’est pas dupe : son test d’obtention des bourses est un poil trop suggestif pour qu’on passe à côté. Bref, niveau intrigue, on ne s’ennuie pas, et c'est peu dire que les rebondissements sont assez sympathiques, à défaut d'être surprenant (sans rien spoiler, on sentait venir le coup à partir du milieu du film, l'anecdote des trois soeurs connues). Les effets spéciaux sont très bien gérés. La manifestation de la sorcellerie étant ici manifestée par la lévitation d’objets, les effets spéciaux (numériques) sont bien amenés, et possèdent un design original du meilleur effet. La forêt maléfique est elle aussi une vraie réussite, la présence de Bruce Campbell au casting (encore une icône du fantastique horrorifique américain) donnant des airs de revival de Evil Dead à l’intrigue, qui se délocalise en dernier acte dans la forêt malfaisante. La peur prend différents visages, notamment par l’intermédiaire de plusieurs protagonistes louches dont on connaîtra mieux l’histoire dans la deuxième moitié du film, qui gagne en ampleur avec le temps. Le film tient donc autant du projet fantastique presque culte (le casting annonçait déjà la couleur) autant que de l'oeuvre engagée d'un auteur. En effet, la perception de la sorcellerie est très personnelle, de même que la mise en place de l’histoire, où McKee tient vraiment à retranscrire un contexte psychologique dans une ambiance de plus en plus contaminée par le fantastique. Des choix toujours intéressants (indéniablement, le ton du film est original), traités avec une franchise engagée qui fait plaisir, du moins en ce qui concerne les fans de fantastique (ce qui, en soi, est un but hautement louable ^^). On a retrouvé Ash et on a quelques scènes gores appréciables sur la fin. Un projet qui remporte vraiment notre adhésion, et qui compense une approche parfois un tantinet clichée de ses personnages (la blonde) par une générosité sans borne dans le fantastique.

5/6

de Lucky McKee
avec Lauren Birkell, Agnes Bruckner

Clive Barker a des thèmes fétiches, un peu comme Lovecraft. Il caresse notamment l’idée de mondes souterrains, de vérités cachées derrières les apparences, d’entités supérieures et de prédestination. Des thèmes riches qui font souvent l’ampleur de ce qu’il décrit, et qui permettent de faire de l’original en partant de la façade du quotidien (Midnight meat train). Dans Lord of Illusions, on n’a donc pas affaire à un monde parallèle de souffrances et de plaisir (Hellraiser), mais un monde magique situé en dessous du notre, où le Pouvoir est maître. Clive part donc dans un trip jamais vu, donnant au monde de la magie des consonnances plus noires que d’habitude. Une œuvre fantastique tout simplement indispensable.

L’histoire : Au cours d’un rituel païen, Swan, un jeune magicien, parvient à neutraliser le Puritain, une sorte de prophète maléfique pactisant avec les forces du monde d’en dessous. Des années plus tard, Damour, un détective engagé dans une affaire de filature, découvre un des anciens membres de la secte à l’agonie, et se lance dans une enquête personnelle sur l’affaire.

Si Clive ne renouvelle pas tant que ça ses thèmes (un monde au-delà du notre, le quotidien qui est une illusion, des puissances malfaisantes…), il les adapte au monde de la magie avec un brio épatant. C’est bien simple : on a rarement vu aussi inspiré depuis… Hellraiser. En utilisant le monde de l’illusion et du spectacle pour lancer une intrigue dealant avec de vrais pouvoirs, il fallait avoir l’idée et le talent de Clive, qui s’attèle vraiment à façonner une histoire qui tourne parfaitement. Dès l’introduction costaude (un enlèvement, un sacrifice en prévision, une secte menaçante et un babouin vraiment impressionnant), on sent qu’on a affaire à un spectacle qui va non seulement faire plaisir, mais aussi qui va donner dans le fantastique sérieux, qui n’est pas sans arrière pensée. Partant du principe que beaucoup de choses sont des illusions (la vision de l’humanité est particulièrement dégradante, même si les effets spéciaux ont mal vieilli), le script enchaîne sur les pistes sympathiques (la mort est une illusion) et les design torturés (la prison de Nix, le repaire de la secte…), tout en restant fermement inscrit dans le climat de son époque : les années 90. Notre héros est un homme mûr, branché paranormal, qui a tout du héros charismatique. Intelligent, gentiment malpoli devant ces illusionnistes qui le font bien marrer, et toujours prompt à sortir une réplique qui tue, et qui est quasi tout le temps de bon goût. Sa sympathie est totalement assurée de long en large (quelque chose de capital pour un film pareil), et sa compagne (Famke Janssen) est tout simplement magnifique. Swan, le magicien blanc du film, possède un caractère assez compréhensible vis-à-vis de la magie (il est le seul de sa profession à utiliser des pouvoirs et non des astuces), et sa relation avec le fantastique fait plaisir à voir (car respectant vraiment les pouvoirs qu’il manipule). Si l’enquête de Damour connaît parfois quelques longueurs (l’interrogatoire de Jennifer, pas très utile, mais un poil stressant), l’histoire se tient bien, et comporte largement son lot de rebondissements pour nous plonger intégralement dans ses méandres et nous faire accepter ses règles. Car au niveau des règles, Clive se révèle assez permissif, ce qui permet de voir un homme de main particulièrement retord, adepte du scalpel et suivi d’un gorille qui ressuscite à chaque tentative de neutralisation. Sans grandes limites, le film culmine jusqu’à un final assez poussé dans le fantastique (nouvel affrontement entre le bien et le mal, préparation de l’anéantissement du monde…). Clive aime les effets spéciaux et se révèle comme toujours généreux avec son public, en optant parfois pour des designs qui déchirent (le sortilège des serpents de feu). Malheureusement, ce sont les effets spéciaux qui trahissent le plus Barker après ces années. En effet, le numérique des années 90, c’était pas encore ça, aussi, la métamorphose en pliage de papier et la chute du grand méchant ont particulièrement mal vieilli, passant pour de pauvres incrustations sans grande saveur. Mais si c’est dommage, le spectacle n’en sera nullement gâché, le rythme et la sympathie du casting emportant largement le morceau. Un script original, un casting à la hauteur et une série B généreuse. Que demander d’autre ?

5/6

de Clive Barker
avec Famke Janssen, Scott Bakula