A l’heure où les Twilight continuent d’exciter l’imaginaire des adolescentes (avec l’immonde beastly) avec de jolies images et des rebondissements à l’eau de rose, on découvre qu’il suffit de se plonger dans le passé pour ressortir de vraies histoires d’amour vampiriques, qui plus est sans qu’on s’embête pendant leur visionnage. Near Dark, c’est un nom de la sélection du n°100 de Mad, et c’est sincèrement un titre excellent, nanti d’un bon casting qui devrait satisfaire à peu près tous les publics qu’il rencontre. Par ici la visite !

L’histoire : Caleb, un jeune fils de fermier croise un soir Maé, une ravissante jeune femme qu’il se fait un devoir de courtiser. Cependant, celle-ci à un comportement étrange. Et peu avant l’aube, elle le mord alors qu’il tentait de lui arracher un baiser. Sur le chemin du retour, Caleb en pleine transformation se fait enlever par la bande de Maé.

Bienvenue dans un road movie vampirique qui apporte vraiment quelque chose de frais dans le genre. En effet, les vampires sont ici des itinérants qui n’arrêtent pas de se déplacer comme des hors la loi, volant de nombreuses voitures et passant d’un état à un autre pour brouiller les pistes. Ce sont des cow boys sales et poussiéreux, témoins pour certains de l’histoire américaine, et qui sont largement plus proche de la mentalité des voyous que d’un Dracula séculaire. Cette vulgarisation du mythe permet de faire quelque chose de neuf, et de dramatiser un peu plus cette histoire d’amour commençant classiquement, mais prenant un tour initiatique quand les vampires veulent voir Caleb tuer sa première proie pour l’accepter. Avec des personnages pourtant moins classieux que la moyenne, la caractérisation du clan est un vrai succès, chacun ayant sa parade pour capturer ses proies (Bill Paxton drague la minette, le plus vieux vampire et sa femme s’occupent des auto-stoppeurs, le gosse s’occupe des personnes qui lui viennent en aide en simulant un accident…). La psychologie de chacun est bien dépeinte, plaçant des enjeux qui dépassent allègrement notre Twilight contemporain, notamment avec l’histoire d’amour entre Caleb et Maé, qui ne laisse pas un membre du clan indifférent, jusqu’à ce qu’il s’en prenne à l’entourage de Caleb. Le film apporte ainsi sa contribution au monde des vampires, en tentant notamment d’installer un processus de réversibilité du phénomène en effectuant des transfusions sanguines (le vampirisme se comportant comme une maladie du sang). Du fantastique honorable qui ne prend jamais le pas sur ses enjeux sentimentaux, vraiment crédibles ici. Le film n’oublie pas d’être impressionnant, nous proposant le saccage d’un bar et le massacre de toute sa clientèle par ces vampires sans foie ni loi, une gunfight en plein jour dans un motel isolé et un dernier acte vénère où tout le clan vient réclamer vengeance (une scène viendra curieusement rappeler le goût de Terminator 2, en apportant son lot de suspense, la menace étant directe pour notre héros. Au final admirablement construit, avec une ambiance qui lui est propre, Aux frontières de l’aube a tout du film fantastique réussi, qui renouvèle gentiment son mythe sans lui nuire, et qui prétend à un peu plus de violence qu’un PG. Hautement recommandable !

4.5/6

de Kathryn Bigelow, Eric Red
avec Adrian Pasdar, Jenny Wright

Quel est le film d’horreur le plus représentatif en termes cinématographiques de la décennie ? Je ne parle pas du meilleur film d’horreur des années 2000 (clairement, dans mon top, La Colline a des yeux et Martyrs sont en tête), mais de celui qui a le mieux illustré la tendance en terme de mouvement horrorifique (à savoir la remontée en flèche du torture porn). A cette épineuse question, il serait très facile de répondre Saw (ce qui est faux, Saw étant un bon thriller qui a été parodié par une multitude de suites recyclant la lie du genre). Ma réponse à cette question serait Hostel, car non content d’être un précurseur de la vague torture-porn, il recycle admirablement les modèles de comédies américaines qui ont fleuries pendant cette décennie (dont l’aboutissement ultime doit être l’immondice Mexican Pie), ce qui en fait le croisement de deux tendances cinématographiques qui ont marqué durablement nos mirettes. Retour sur une saga pas si populaire que ça…

"J'ai essayé de diriger mes acteurs comme je pouvais, mais ils étaient tellement peu crédible que j'ai du passer à la vitesse supérieure !"

Hostel : Incontestablement un de mes plus gros électrochocs cinématographiques, ayant commencé mon initiation au cinéma de genre par les succès du moment, et que je considère comme supérieur à sa suite (le débat va être houleux). Principalement parce qu’en tant que précurseur du genre, le film se permet une plongée dans la violence assez estomaquante, maltraitant ses protagonistes avec une sévère amoralité (le sort de Josh) en conservant tout de même une certaine limite de crédibilité (les sévices ne sont pas au final tellement montrés en plein cadre, le passage le plus gore restant à mon avis, avec la scène de l’œil,  l’évacuation des cadavres).  Cette certaine retenue, largement perceptible, permet d’éviter le second degré dont faisait preuve la première partie en concrétisant les fantasmes de nos protagonistes avec une douce perversité. En termes de thématique, la partie horrorifique du film est un cri assez violent contre le capitalisme, qui en vient à monnayer des gens afin de rendre des services déviants pour de riches acheteurs. Un discours particulièrement noir et bien illustré par des dialogues bien plus fins qu’ils n’en ont l’air (avec le chasseur dans les vestiaires, ou encore le chirurgien allemand). On aura plus tard un nouvel argument sur l’exploitation humaine, avec les gosses commettant un meurtre pour un sachet de friandises. Par ailleurs, le premier degré du script n’en reste pas moins intelligent en essayant de faire intervenir une certaine finesse dans son script, en dévoilant les psychologies de chacun (victimes dans une première partie, et bourreau dans quelques passages de la seconde (le coup du bâillon)). La structure même du film, brisant les clichés avec Josh et faisant de son unique survivant un sportif avec une mutilation et un traumatisme conséquent, est un choix assez original, le propos s’affranchissant ici d’une quelconque morale. Mais se focaliser uniquement sur l’aspect horrorifique du film serait assez réducteur, l’introduction de se dernier allant aux antipodes des attentes du public. En prenant pour héros des jeunes mâles libidineux qui sautent à pieds joints dans la mare après avoir vu trois photographies, le film fait aussi un portrait peu flatteur des comédies de cet acabit (tout est assez grossis, les enjeux sont clairement le dépucelage du littéraire et l’amusement des sportifs), et a d’abord l’air de préparer des victimes neuneu pour un massacre général (ils se droguent, ils forniquent : ils vont crever). Mais au fur et à mesure qu’on s’enfonce dans les pays de l’Est, la caractérisation de nos personnages évolue. Oli se révèle être un père qui se prend encore pour un adolescent, et Josh développe une sorte d’affection légèrement homosexuelle avec le voyageur du train, qui reviendra plus tard dans l’histoire. On n’est pas habitué à de telles finesses de personnages dans ce registre (le dernier l’ayant fait en date étant American Beauty). Quant à Paxton, il garde enfoui un traumatisme qu’il a eu pendant sa jeunesse où il a été incapable de sauver une petite fille de la noyade. Une fois les protagonistes caractérisés avec plus d’épaisseur, s’en séparer devient franchement plus dur. Et d’ailleurs, la comédie se pervertit de plus en plus au fur et à mesure que les fantasmes masculins se réalisent, la mascarade se révélant par un comique de répétition qui provoque immédiatement une mise en abîme assez impressionnante. En bref, d’un bout à l’autre (la conclusion partira sur l’inévitable transformation du caractère du survivant), le film évite de s’enfermer dans le piège du torture porn tout en en exploitant les ficelles. Du gore qui tâche et qui a un peu plus de matière que les rejetons qui suivront : voilà une bonne raison de ne pas rater ce bestiau.

5/6

de Eli Roth
avec Jay Hernandez, Derek Richardson

Hostel 2 : Voilà, on arrive sur un terrain où la communauté s’entredéchire. Ils y a ceux qui considèrent le premier comme un coup de maître et sa suite comme une extension qui ne fait qu’aboutir les thèmes esquissés dans le premier (je suis dans ce clan) ou ceux qui voient en Hostel un brouillon et dans Hostel 2 la véritable copie d’Elie Roth. En effet, pour sa suite, Eli change du tout au tout son casting, en plongeant maintenant des filles dans l’enfer de la torture. Une démarche qui a mal fait réagir certaines critiques le taxant de misogyne,  alors qu’au contraire, le film tombe parfois trop dans le pamphlet féministe en soutenant trop ses héroïnes. Si au final, les bilans sont équivalents, la rescapée n’en sort ici indemne, au prix d’un acte sur lequel on va revenir. Commençons par le début : l’introduction. Exit la comédie primaire du premier (certes hors sujet mais qui permet une digression intéressante), place à la caractérisation classique des étudiantes en art, qui décident de partir en Slovaquie le temps d’un week end. Une caractérisation sympathique, mais un passage dans le train vraiment looooong, qu’on croirait échappé d’un Boulevard de la mort made in Tarantino (incontestablement le film le plus chiant de sa filmographie si il est pris dans son format solo, le grindhouse étant bien plus court). Du début de leur aventure, il n’y a à retenir que la magnifique scène de mise aux enchères où des dizaines de personnes débattent des prix  de nos protagonistes. En 5 minutes, Eli Roth résume d’une manière admirable son  discours sur le capitalisme. Une jolie prouesse qui ne fait pas oublier un scénario qui s’étend un peu (comme le premier, sauf qu’on y riait en mode régressif). Heureusement, on peut se mettre sous la dent les portraits psychologiques de nos futurs bourreaux, dont on va suivre le parcours psychologique. Alors que l’un est un jeune cadre chronique, axé en plein sur la réussite personnelle et les passes temps de jeunes riches (extraverti et jouisseur, donc), l’autre est un type refermé sur lui-même, frustré par sa femme qui possède l’autorité familiale. Sa frustration est perceptible dès le premier plan, et il se révèle vraiment être le personnage le plus intéressant du film, car son évolution sera clairement la mieux illustrée 'Roger Bart a un talent indéniable). Passons les quelques séquences qui ménagent le suspense jusqu’à ce que la commande de ces gentlemen soit prête. On a droit enfin à un meurtre chiadé, à la mise en scène plutôt osée faisant directement écho au personnage de la comtesse Bathory, qui voit mourir la première de nos filles. L’absence d’enjeux psychologiques étant ici évidente, on se rabattra sur une mise en scène efficace, qui restera la meilleure séquence gore du film. On reprend enfin nos héroïnes dont on connaît déjà le destin (une chose qui était absolument imprévisible avec Hostel premier du nom), leur caractérisation largement classique nous rassurant quant à leur avenir (en tout cas pour Beth). Côté design, l’ambiance est nettement moins glauque que dans le premier, Eli ayant remanié le design des cabines, maintenant bien sécurisées et surveillées par caméra. Une démarche intéressante qui ne sert pas vraiment le suspense pour autant. On y verra surtout la prospérité de l’entreprise qui investit tout maintenant dans la sécurité. Au niveau de nos bourreaux, les évolutions sont simples. L’extraverti voit le fantasme qu’il voulait se créer (une parodie de fille très mal maquillée) frustré de la plus stupide des manières, alors que le faible, qui n’est toujours pas dans l’état d’esprit nécessaire pour la torture, se mue peu à peu en bête avide de chair fraîche. C’est là que le discours de Roth se révèle intéressant : dans la transformation rapide d’un voisin de banlieue avec ses frustrations qui en prenant rapidement le contrôle de la situation sent vite la bonne odeur du pouvoir, et finit par devenir le loup qui l’écœurait l’instant d’avant. Le dénouement, ultra féministe comme il faut (Tu la sens, hein ?) conclut sur le capitalisme en inversant totalement les rapports de forces au dernier moment, achevant la parodie du système économique avec plus de finesse que les images ne le laissent croire. Cependant, Hostel 2 passe après le premier, et il se révèle donc décevant pour une narration beaucoup plus classique que son aîné et une approche féminine très « tarantinienne » qui se freine plutôt au niveau de la violence alors qu’il se déchaînait dans le premier sur nos héros. Clairement ici, à l’exception de la mort de Witney, rien de très osé ne viendra relever la chose, Roth tenant sérieusement le frein niveau malsain. Assez dommage, la finesse d’écriture faisant mouche plus d’une fois au cours du film, qui tombe hélas dans des formules classiques qui ne surprendront pas grand monde. Pas une déception pour ma part, mais la claque du premier est passée depuis longtemps.

3,5/6

de Eli Roth
avec Lauren German, Roger Bart

Dario Argento s’est certes spécialisé dans le Giallo en mettant en scène des tueurs adeptes de l’arme blanche s’attaquant à différentes femmes. Mais il lui est arrivé aussi d’expérimenter sur le terrain du fantastique en recyclant ses codes du thriller pour relever son spectacle. En résulte une trilogie assez renommée : le cycle des trois mères. Avec un premier Suspiria (1977) dont le baroque éclatant l’a rendu instantanément culte (mon préféré de sa filmographie), Dario donnait à la sorcellerie un goût nouveau, en nous faisant découvrir une confrérie de sorcières qui œuvraient dans l’ombre d’une école de danse. Un bon prétexte pour nous entourer de jeunes vierges (focalisées sur leur avenir dans le monde de l’art), et qui sur le plan d’ambiance pourrait passer pour un ancêtre de Black Swan. Peu de temps après (1979), Argento remet le couvert avec Inferno , qui pousse à nouveau le baroque jusqu’à son paroxysme, au point de se donner des airs rococos avec sa mémorable association de bleu et de rose. Dans sa seconde moitié, Dario parviendra quand même à ressusciter l’esprit de Suspiria, et à augurer du meilleur pour sa suite. Suite qui n’arrivera qu’en 2007 et qui laissera les fans totalement sur le carreau, abasourdis par le ratage monumental de l’œuvre. Mais si Dario a totalement enterré ce qui faisait la sympathie des premiers volets de sa trilogie, il expérimente de nouvelles choses, tentant de trouver un style pour le nouveau millénaire qui redonnerait un nouveau souffle à sa carrière. Convertissons-nous quelques instants au culte de ces divinités païennes.

Suspiria : Que dire, si ce n’est que Suspiria a bouleversé ma vision du cinéma, en me faisant voir tout simplement un aboutissement frisant la perfection de ce qu’un film à ambiance peut faire. Pour bien me faire comprendre, je vais tenter de décrire comment est-ce que je ressens un film italien quand j’en vois un. La fluidité de la narration, qu’on privilégie généralement dans notre cinéma hexagonal et en Amérique, n’est que peu importante quand on regarde l’œuvre. On se mettrait alors à pointer des tas d’incohérences qui gâcheraient complètement le spectacle. C’est un cinéma de l’instant, où c’est l’ambiance des séquences qui fait la force du film. Ce sont des séquences graphiques fortes, dont l’ambiance doit être efficace, qui sont reliées par une trame plus ou moins bien ficelée. On fonctionne donc plutôt dans le registre de la sensation. Et Suspiria s’engage à fond dans cette voie, en multipliant les éclairages fantaisistes et les montées de musique accompagnées de bruitages. C’est d’ailleurs tout simplement la bande originale la plus hypnotisante, la plus obsédante de la filmographie d’Argento (avec Phenomena), revenant régulièrement alors que les éclairages s’affolent pendant que le stress monte avec l’héroïne. Dans son film, le réalisateur s’intéresse à Suzy, une jeune danseuse qui vient prendre des cours pour se spécialiser. Elle pénètre donc dans un bâtiment à l’architecture baroque ultra chiadé, où la symétrie et la surenchère des couleurs semblent être les règles d’or. Les décors permettent déjà de créer une ambiance étrange, peu rassurante pour l’étrangeté de sa décoration et ses associations de couleurs parfois angoissantes. Au niveau de ses scènes marquantes, Dario y va fort, en nous offrant tout simplement dans ses quinze premières minutes l’un des meurtres les plus graphiques de sa filmographie, faisant littéralement d’une pierre deux coups. Une scène presque traumatisante, la violence réapparaissant souvent à l’improviste (les multiples poignardages), et surtout ayant eu lieu d’une façon totalement inattendue (à part une ombre, il n’y avait personne à la fenêtre). Par la suite, Dario préfère privilégier son ambiance par les éclairages omniprésents et sa fameuse musique, les meurtres suivants n’égalant jamais l’intensité de cette flamboyante introduction. On retiendra surtout un grenier bourré d’asticots dans les scènes dérangeantes. Le final du film conclut toutefois bien son sujet, nous livrant l’explication de la curieuse absence de la Mater Suspiriarum au cours d’une scène plutôt stressante, mais un peu expédiée. Au final, Dario signe un film flamboyant, à la direction artistique ultra chiadée et aux acteurs plus convaincants que d’habitude (même si le jeu reste parfois théâtral), tout simplement une merveille du film d’ambiance (on aura rarement autant vécu un film sur des plans visuels et auditifs). Tout simplement un chef d’œuvre.

6/6

de Dario Argento
avec Jessica Harper, Joan Bennett

Inferno : Dario revient pour la suite de sa plus grande réussite avec Inferno, projet devant mettre en scène la Mater tenebrarum, la plus puissante des trois mères, qui s’est établie à New York dans un hôtel luxueux. Dès le départ, Argento tient à nous rassurer sur le visuel du film, qui a l’air de s’annoncer tout aussi chiadé que Suspiria. Il joue particulièrement sur l’association d’éclairage bleu/rose, un assemblage sensoriel qui ne met pas vraiment à l’aise (que viendra appuyer les fréquentes remarques des protagonistes : « Quelle odeur étrange… »). Inferno joue avant tout sur le malaise du spectateur plutôt que sur l’angoisse. L’introduction joue particulièrement là-dessus, essayant de pousser le malaise jusqu’à l’écœurement lors de la séquence sous-marine en profondeur. Par ses nouveaux choix artistiques, le réalisateur témoigne de la volonté de changer les mécanismes de peur qu’il employait pour faire évoluer son récit. La mise en scène continue cependant d’en mettre plein la vue (l’élève au chat dans l’amphithéâtre de l’école de musique) et d’assurer le spectacle jusqu’au bout. On constate vite que Dario revient à ses premières mises en scènes avec un héros masculin, confronté ici à plusieurs suppôts de la mater tenebrarum, en tout cas à new york. Car le réalisateur a pour ambition de faire un film qui bouge. Il y a toute une partie qui se passe à Rome même, particulièrement dans un musée riche en textes anciens, qui est carrément le théâtre d’actes de sorcellerie. Une menace inter nationale en quelque sorte, qui ne recule devant rien pour conserver le Silentium sur ses activités. Dario rend la menace de la sorcellerie plus présente, plus angoissante, en faisant notamment de l’habituel assassin de ses films un être difforme qui ne vit que par ses bras poilus achevés par des mains griffues (la Bête humaine, en quelque sorte).Dario abandonne peu à peu sa chère association bleu/rose au fur et à mesure que le suspense remonte au profit d’une palette de couleurs plus riche, tendant à le rapprocher de Suspiria. Et une bonne chose en plus : les meurtres sont plus bien organisés en terme d’intensité pure. Le meurtre dans l’appartement dont les plombs sautent est en lui-même une belle réussite (un impact identique à l’introduction de La maison près du cimetière), mais le suivant, un égorgement dans une fenêtre brisée, l’égale (éclairage rouge terriblement organique). On n’évitera cependant pas quelques digressions, comme cet antiquaire noyant une quinzaine de chats avant d’être dévoré vivant par des rats. Une conclusion toujours un peu brusque, mais Dario nous réserve encore quelques surprises, notamment dans la découverte du vrai visage de la deuxième mère, qui jaillira carrément d’un miroir. Rien à redire en face de ce spectacle prodigieux, digne successeur de Suspiria, et augurant du meilleur pour la suite, le réalisateur n’ayant pas perdu de vue l’esprit de sa saga.

5.5/6

de Dario Argento
avec Sacha Pitoeff, Daria Nicolodi

Mother of tears : Ouh là ! On m’a tellement rebattu les oreilles avec celui là ! Littéralement assassiné par la critique (Mad movies l’a descendu en flèche), peu d’entrain auprès des fans, ce film a donné le coup de grâce à la carrière d’Argento, qui depuis enchaîne les tollés et les mauvaises critiques (mais au moins, il continue d’essayer, et il a réussit au moins une fois : Jenifer, le meilleur segment de la saison 1 des Master of horror). Au risque de choquer les connaisseurs, je ne trouve pas que ce film soit un étron pelliculaire. Je lui reconnais même quelques moments d’ambiance bien faits, plombés par des fautes de goût monstrueuses. Dario fait ici le choix de briser l’esprit de sa saga en laissant tomber les éclairages fantasmagoriques qui faisaient tout le charme des deux premiers volets, en souhaitant diriger son film sur l’horreur pure plutôt que le fantasme (et c’est un peu ce qu’on lui reproche, son film perdant alors l’approche originale de son sujet). Au niveau de l’histoire, ce n’est pas trop mal torché quand même : une sorte de boîte de Pandore contenant des objets mystiques et la troisième mère, libérée par des employées au musée de Rome (ce qui est un peu étrange, la Mater Lacrimarum devant résider dans une bâtisse). La première scène de meurtre révèle à elle seule les nouvelles failles du style d’Argento : il abuse du noir par manque d’éclairage (son action devient beaucoup moins lisible), il se lance dans le sanglant au premier degré sans qu’il n’y ait plus de suspense, et il alterne les bons et les mauvais effets spéciaux (l’employée commençant à être étranglée avec ses intestins… puis avec des tuyaux en plastique souillés). Les fautes de goûts seront d’ailleurs légion dans ce film. Que dire de cette escalade de violence dans Rome, sensée être représenté par de pauvres altercations entre figurants (une femme balance un bébé dans le Tibre, deux gars cassent une voiture : c’est l’anarchie dans la cité !) ? Et que dire de ces sorcières débarquant à Rome qui ont toutes la gueule des mannequins de chez L’Oréal (et qui sont méchantes parce qu’elles n’arrêtent pas de rigoler entre elles en se moquant des passants) ? Asia Argento va-t-elle réussir à triompher du Ouistiti lancé à ses trousses ? Suis-je bête, c’est sa mère mal incrustée en post prod qui va lui donner des conseils ! Et pourquoi les possédés qui s’attaquent à Asia ne manifestent pas d’un peu plus de hargne une fois qu’ils la tiennent ? Bourré d’incohérences que l’ambiance ne parvient pas à faire oublier, le constat est sévère. Mais par moments, Argento parvient à faire illusion. Dans quelques séquences comme le meurtre du prêtre ou la remontée à l’appartement, il y a un peu de tension. Quelques designs de monstres sympathiques, et une traque dans les catacombes plutôt intéressante dans Rome, qui en cache des kilomètres carré. Par ailleurs, si on se force un peu à oublier les pathétiques illustrations de folie collective, l’ambiance parvient presque à être efficace, le contexte de possession de masse se révélant plutôt original (l’un des rares à l’avoir illustré étant le controversé La Malédiction finale). En bref, c’est loin d’être bon, c’est même carrément décevant sur certains points (le dénouement à la lance est pathétiquement cheap), mais Dario a encore quelques restes. En revanche, Asia Argento joue abominablement mal, guère aidée par ses talents de jeune sorcière. Un cru décevant, mais pas encore infâmant comme a pu se révéler Giallo.

1,5/6

de Dario Argento
avec Asia Argento, Moran Atias

"J'avais tellement pas de tripes qu'ils ont pris des tuyaux pour m'étrangler !"

C’est peu dire que d’affirmer aujourd’hui que la saga initiée par « Chéri, j’ai rétréci les gosses » a marqué mon enfance profondément. Avant de découvrir les Toy Story, combien de temps ai-je passé à m’imaginer affrontant le monde actuel à une taille beaucoup plus réduite, faisant du doux quotidien que l’on connaît un combat de tous les instants (ou pour d’autres, un refuge salutaire à l’abri du monde extérieur). Un tel concept fait rêver, et c’est bien à ce premier dessein qu’aspire L’homme qui rétrécit, chef d’œuvre du film fantastique, diablement ambitieux avec ses effets spéciaux. J’ai eu la chance de le découvrir sur grand écran (les vidéo-projecteurs changent vraiment les conditions de visionnage d’un film), et le spectacle ne manque pas d’ampleur. Un classique à (re)découvrir d’urgence !

L’histoire : un homme nommé Scott Carey est en contact au cours d’une sortie en mer avec un mystérieux nuage radio-actif. Une fois de retour chez lui, il se rend compte qu’il rétrécit peu à peu, sans que le phénomène semble se stabiliser.

L’homme qui rétrécit a le talent de jouer sur plusieurs tableaux. D’abord, il s’assume parfaitement comme un pur produit des années 50, tant au niveau de l’ambiance (mode de vie banlieusard…) que des personnages (héros blanc et blond plutôt musclé, épouse aux cheveux frisés…). En cela, il conserve un certain charme de l’époque, souligné par la naïveté de la cause de la mutation (« les radiations », ça n’explique pas tout aujourd’hui). Mais il tente de conserver un rythme réaliste, et avant de faire vraiment rapetisser son héros, le réalisateur en fait un freak. Un phénomène de foire consulté fréquemment par la science pendant quelques temps. Le suivi psychologique du héros et de son entourage est alors très juste, ces derniers étant peu à peu excédés par la popularité malsaine de son mal. Mais son cas demeurant sans solution, le public se désintéresse rapidement de son sort, un discours qui s’applique encore admirablement à l’information de nos jours (le renouvellement quotidien de l’information pour relancer le public sur du sensationnel, quitte à délaisser les problèmes difficiles). En cela, l’introduction est plutôt engageante, osant d’ailleurs une rencontre entre l’homme qui rétrécit et une naine à peine plus grande que lui , sans toutefois pousser plus loin la possible intrigue sentimentale, ce rendez-vous inattendu permettant surtout de mettre un peu de baume au cœur de notre héros. Puis vient enfin le segment tant attendu, où notre héros, attaqué par le chat de la maison (une séquence admirablement réussie d’un point de vue effets spéciaux), passe pour mort alors qu’il tombe dans la cave de la maison. Incapable d’appeler à l’aide ou de remonter au grand jour (l’escalier étant infranchissable, l’homme se retrouve alors poussé par la logique de la survie. Trouver à boire, où dormir, et à manger. Des problèmes pas si évidents à résoudre que ça dans une cave. D’autant plus qu’elle abrite quelques petites bêtes qui sont loin de considérer  comme un prédateur. La petite faute de goût de ce film, c’est d’avoir utilisé une mygale pour illustrer le concept de l’araignée (ça fait vraiment un peu trop gros). Mais dès que le spectateur fait un effort pour voir une araignée au lieu d’une tarentule, la sauce prend, et c’est peu à peu un combat titanesque qui s’engage sous nous yeux émerveillés. Le fil redouble d’inventivité et de rebondissements pour pimenter son histoire de survie, dont le rythme, semblant légèrement plat, se révèle plutôt payant, l’immersion étant favorisée par les démarches logiques du héros et des effets spéciaux bluffant, parvenant à merveille à créer l’illusion du rétrécissement. En ça, le film de Jack Arnold se révèle particulièrement réussi, puisqu’il parvient a recréer le goût de l’aventure alors que nous sommes dans un univers familier et parfaitement connu, et nous offre en dernier acte un combat haut en couleur (enfin… en noir et blanc) opposant deux adversaires déterminés, dont le rendu des effets spéciaux parvient encore à faire illusion de nos jours. La conclusion, petite merveille de relativisme à l’échelle des astres, se permet d’effectuer un postulat assez énorme en spéculant sur le rétrécissement du héros à l’échelle de l’atome, s’interrogeant sur son devenir, seul sur un astre qui grandit un peu plus chaque jour, à l’image de l’univers qui s’étend lui aussi. Des images célestes qui tentent une réflexion relativisant  le concept de taille à l’échelle cosmique, je me demande ce qu’on aurait pu trouver de plus habile pour clore un sujet pareil. Bien dommage de l’avoir découvert aussi tard, c’est un indispensable d’une richesse incroyable, qui plus est adaptée aux goûts de l’ensemble de la famille. A voir sans hésiter !

6/6

de Jack Arnold
avec Grant Williams, Randy Stuart

Bill Paxton est un acteur qui a connu son heure de gloire au cours des années 80 et 90, mais qui s’est fait un peu oublié depuis. Une injustice, tant cet acteur pouvait se révéler juste dans « Un plan simple » de Sam Raimi. Et pourtant, ce n’est pas faute d’avoir essayé de se rappeler à nos mémoires avec un thriller mystique intéressant : Emprise. Relativement peu sanglant, le film se concentre avant tout sur son atmosphère, tenant déjà de bons arguments pour nous inciter à le regarder en entier.

L’histoire : deux jeunes enfants vivent avec leur veuf de père dans une petite ville des Etats Units. Ils vivent une vie merveilleuse jusqu’à ce qu’une nuit, leur père vienne dans leur chambre et leur explique que Dieu les a choisi pour exterminer des démons cachés dans la population.

Certes, ce n’est pas tout à fait comme ça que commence le film (en fait, c’est l’un des fils qui après le suicide de son autre frère va parler à l’agent du FBI chargé de l’enquête sur le tueur en série La main de Dieu). Mais l’histoire décolle vraiment à partir de l’évocation des souvenirs d’enfance. N effet, Bill Paxton, pour un premier long métrage, joue constamment  sur une chose : l’ambigüité. En effet, le père n’a jamais de révélation en face de nous. A vrai dire, la seule révélation à laquelle nous avons droit ressemble fort à une hallucination, tant elle surgit de manière incongrue (l’homme réparant une voiture voit le moteur se changer en cathédrale dans laquelle descend un ange exterminateur). Ce qui est profondément dérangeant, c’est que le père est toujours persuadé de sa bonne foie, et qu’il n’a absolument aucune idée de comment les choses vont évoluer. Ca commence notamment avec les « armes sacrées » permettant de capturer les Démons, que le père trouve ça et là, au gré d’un rayon de soleil prenant une pause iconique. En cela, Paxton manie l’art de la suggestion avec une finesse notable qu’on n’a plus l’habitude de voir de nos jours. Il continue à développer son histoire, le père commençant à écrire des listes de noms dictés par Dieu et à les chercher dans l’annuaire. Il est assez intéressant de noter la subtilité de la folie, le père réprimandant le cadet qui prétend avoir reçu aussi une liste alors qu’il l’a sciemment écrite pour éliminer des personnes qu’il n’aime pas. La situation semble se stabiliser jusqu’à ce que le père ramène un premier civil chez lui un soir, avec la ferme intention de vérifier les dires de Dieu. Et après son expertise contestable (il place la main sur le front de la victime et a une sorte de transe sur une musique « divine »), il exécute le dessein divin sans faiblir. L’engrenage commence à se lancer, le père recevant de plus en plus de noms, il commence à faire participer ses fils à sa mission. C’est clairement la partie du thriller qui se révèle la plus réussie, le fils aîné pensant que son père est fou alors que le cadet soutient infailliblement ce dernier. Une tension familiale qui est un peu plus tendue à chaque nouvelle exécution, et dont on commence à redouter l’issue. Certes, le film est un peu long, et toute la partie où le père punit son fils pour avoir perdu la Foi peut sembler un peu ennuyeux, car gelant simplement l’histoire par quelques minutes de détention. Mais c’est un segment mineur au vu du dénouement et du rebondissement final (concernant les deux frères), qui ont assez de potentiel pour rehausser le goût final de ce spectacle inhabituel. Malheureusement, cette fin ne satisfera pas tout le monde, car elle reste assez osée et engagée sur un terrain où chacun a ses opinions. Il n’empêche que Bill Paxton nous livre un travail plutôt abouti, pas exempt de défauts, mais radicalement éloigné des thrillers tapageurs de notre décennie précédente. Un vent frais de classicisme, pourquoi pas ?

4.5/6

de Bill Paxton
avec Bill Paxton, Matthew McConaughey