Un coup de foudre au cinéma est toujours quelque chose d’appréciable. Tous les adjectifs mélioratifs s’y appliquent, et quant aux défauts, on les aime quand même, car ils cadrent tout à fait avec l’optique de l’œuvre, ses obsessions et le parcours qu’il veut tracer. The Lovely Bones, malgré sa beauté, ne parvenait pas pleinement à prendre son envol, car, tout en s’évertuant à garder le lien entre le fantôme de la gamine et sa famille, une moitié du film restait consacrée à la traque du psychopathe. Du suspense qui déplaçait l’intérêt de l’intrigue. Avec Au-delà de nos rêves, on a Lovelly Bones… puissance 10. Une synthèse incroyable avec un univers à la Terry Gilliam qui va transcender une génération de fans de kitsch.

L’histoire : En Suisse, Chris et Annie se rencontrent, et décident de fonder une famille. Quatorze ans plus tard, leurs enfants meurent dans un accident de voiture. Après quatre années de deuil et de reprise en main de leur vie, Chris est percuté par une voiture et meurt à l’hôpital. Son âme erre alors parmi ses anciennes connaissances, avant d’explorer l’autre monde…

Avant tout, Au-delà de nos rêves est un choc visuel kitsch. Peut être pas à l’égal de la transe d’un Enter the Void, mais d’un épanouissement total et d’une générosité sans borne dans le kitsch, qui repousse les limites de son univers à chaque minute qui passent. Il règne dans ce film le plus grand vent d’imagination et de grandiloquence qu’il m’ait été donné d’apprécier, depuis le Baron de Munchausen découvert quand j’avais 13 ans. Ce film est un des plus ambitieux dans son domaine (rendez vous compte que plus des 2/3 du film se passent dans l’autre monde), et il ne s’y attaque pas en voulant donner une cohérence à sa vision. Des films comme L’échelle de Jacob ou Enter the Void, donnant une vision de la mort, ont une idée en tête, suivent un plan de route, et se veulent vécus comme une authentique expérience. Au-delà de nos rêves n’est pas dans cette optique. Il traite le monde des morts comme un territoire vierge à explorer, où l’imaginaire de son créateur se trouve affranchi de toute contrainte (comme le dit le compagnon de route de Chris, « La pensée est réelle, le physique n’est qu’illusion. »). Ce qui en fait la boîte à imagination la plus incroyable jamais réalisée. Un univers en perpétuelle mutation, au potentiel infini, dont les décors somptueux ne cessent de changer, d’offrir un horizon encore plus lointain… Hélas, sur le plan des effets spéciaux, une telle ambition a des limites. Ainsi, certaines incrustations sont parfois réalisées à la va-vite, et on devine facilement le fond vert derrière les acteurs. Mais une telle générosité, une telle soif d’imaginaire (et une telle générosité dans le domaine) mérite déjà de donner au film une note maximale. D’ailleurs, le film a l’audace également de se créer des enfers pour les suicidés et les psychotiques, soit les gens qui se torturent moralement pendant leur vie, et après leur mort, sans pour autant virer sur le glauquissime d’une Echelle de Jacob (le film reste tout public, mais parvient, par l’intermédiaire de symboles bien choisis, à laisser entrevoir un côté sombre bien présent). Epoustouflant et éblouissant sont les adjectifs qui, techniquement, désignent le film.

Vient maintenant le registre sentimental. Le parti-pris du film est sa principale faiblesse, celle qui revient dans presque toutes les critiques mitigées qui l’ont jugé durement. Je pense que l’approche des sentiments et émotions éprouvées par les personnages n’ont pas été crées pour servir un but, un message. On pourrait croire qu’au-delà de nos rêves cherche à donner un message positif sur la vie, la mort, la famille… Mais non. A la manière des flashs back de la vie de famille qui mettent en valeur telle ou telle émotion, Au-delà de nos rêves se vit simplement comme un grand huit émotionnel. Un manège qui varie régulièrement les états de ses personnages, passant de désespoir à joie, de bonté à désespoir, de rage à mélancolie, sans chercher à donner un sens à tout cela. A tel moment, le film a envie de vivre telle émotion, et choisit de l’illustrer comme il le veut (ce qui explique le côté décousu et bordélique de sa trame et de son montage). Mais ce n’est pas un film schizophrène ou psychopathe pour autant. Car si Au-delà de nos rêves vire à la cacophonie d’émotions, il les vit toutes avec une spontanéité, une sincérité, une sensibilité pensée pour laisser le spectateur frémissant, plongé dans le maelstrom de ces âmes sœurs éloignées, mais proches de cœurs, dont tous les reliefs émotionnels sont retranscrits avec une affinité rare. Alors soit, il passe par des états dépressifs pour terminer sur un happy end irréaliste (un échappatoire par la réincarnation complètement hors de propos), le mélange sentimental est telle qu’il peut être catalogué comme une bouillie naïve, mais quiconque aura envie de vivre le film le fera avec d’autant plus d’intensité que la ballade émotionnelle fera de détours, dans une intrigue tout bonnement imprévisible.

Ce qui nous amène à l’ultime paragraphe de ma chronique, peut être le véritable moteur du coup de foudre : Robin Williams. De tous les acteurs de mon enfance, Robin a été celui qui m’aura le plus marqué et influencé, de toute ma jeunesse. Fan inflexible de Jumanji, et l’ayant apprécié dans plusieurs films familiaux, Robin a été un véritable référent dans mon système de valeur de jeunesse. Et avec le temps, j’avais pris de la distance, m’étais éloigné de ce Robin aux vannes lourdes, et pas toujours employé dans de bons films. Flubber et Camping Car m’avaient définitivement convaincu de tourner la page, en gardant un petit souvenir nostalgique pour le Robin de mon enfance, capable de jouer bien, et de prendre de la profondeur dans le drame (le classique Cercle des poètes disparus). Insomnia avait beau être prometteur, les récents Nuits aux musées et leurs facéties numériques m’avaient définitivement fait oublier les surprises. Et avec Au-delà des rêves, l’ancien Robin, le grand Robin, la bonté incarnée dont chaque intervention est une bouffée de châleur humaine, est revenu pendant deux heures. Un bonheur inespéré, pour l’une de ses meilleures performances en prime, où il laisse éclater sa palette émotionnelles dans des scènes dont l’intensité varie entre le bouleversement total et l’euphorie jubilatoire. Le come back, disparu depuis mes 10 ans, qui vient frapper sans prévenir et qui a gardé le meilleur après toutes ces années. La présence qui a immédiatement amorcé le bouleversement, et qui fait basculer en un visionnage Au-delà des rêves dans la catégorie des films les plus précieux de ma collection.

6/6

1998
de Vincent Ward
avec Robin Williams, Max von Sydow

God Bless America est un petit film indépendant sorti sans faire trop de vagues (quelques chroniques ça et là sur internet), malgré sa vocation pour le coup polémique et provoc. Il faut dire que les projets visant à traiter de problèmes de société par la force des armes sont souvent décriés, alors, quand le film vise à pointer du doigt la médiocrité du quotidien en prônant son éradication…

L’histoire : Frank, cinquantenaire, constate impuissant la déliquescence morale de la société qui l’entoure. Suite à un licenciement abusif et apprenant qu’il est atteint d’une tumeur au cerveau, il décide de consacrer les derniers jours de sa vie à épurer l’amérique des individus merdiques qui la peuplent…

Voici pour le coup un film incroyablement stimulant pour le cinéphile que je suis, usant d’un incroyable mauvais goût à des fins moralisateurs au dernier degré. Le genre de posture impossible à tenir sérieusement, mais à laquelle le film insuffle un sérieux jubilatoire, en osant asséner directement qu’il y a toute une part de la société composée d’individus médiocres qui ne cessent de tirer tout le monde vers le bas. Des cons qui créent des cons et qui tirent les autres avec eux en les rabaissant à leur niveau. Oser planter cela comme base de réflexion, c’est quand même insulter une bonne part de l’humanité entière (quoique le film se focalise plutôt sur la culture américaine, les similarités avec la vie européenne sont nombreuses), et ce n’est que le début. Quand le héros qu’on présente nous fait part des l’introduction de ses envies de meurtre, et qu’il explose un bébé au fusil de chasse direct, on peut dire qu’on rentre tout de suite dans le bain, qui plus est avec une pêche jubilatoire. Car la film l’a bien compris, il faut jouer avec les nerfs du spectateur pour pouvoir l’entraîner dans ses vues. Le premier quart du film pose surtout une société indubitablement médiocre, que ce soit dans les médias, l’éducation, les hobbies et les gens. Que ce soient les programmes de divertissements débiles ou les présentateurs d’info qui vomissent leurs conneries réacs en ignorant de quoi ils parlent tout en insultant leurs détracteurs, la société décrite telle quelle n’offre aucune alternative. Frank y est piégé, et s’y maintient par son travail et sa femme divorcée, qui a obtenue la garde de sa fille pourrie gâtée. Le climat ambiant est donc insupportable (en étant un poil exagéré, mais tout ce à quoi il touche se vérifie au quotidien, comme la culture du buzz, la moquerie comme sport national…), et les différents affronts qui sont fait à Franck, en plus de lui donner raison, servent surtout à rompre les derniers liens qui l’entravaient dans le bourbier main stream (viré pour harcèlement après avoir offert des fleurs à la réceptionniste, et mis au courant de son état médical par un docteur plus préoccupé par sa voiture que par la décence envers ses patients). Passé cette étape commence une sorte de road trip psychopathique au cours duquel il assassine tous les individus lui semblant médiocres, en commençant par les icônes de la télé qui lui ont gâché toutes ses soirées. C’est probablement en cela que le film est jubilatoire : sous couvert de rétablir une certaine décence et moralité, il agresse tous les symboles de la médiocrité que nous voyons au quotidien, en soutenant droit dans les yeux que ça améliore le monde. On voit direct où ça coince moralement, et pourtant, l’adhérence est totale. D’ailleurs, le personnage de Roxanne, qui rejoint Frank dans sa virée puritaine, symbolise parfaitement cette adhésion à la cause, qui touche à la fois des sujets forts (les présentateurs qui imposent leur point de vue surréaliste sans estimer l’impact de leur discours) que sur des détails communs (le type garé sur 2 places de parking). Le film souffre par moment de baisse de rythme, surtout quand il s’attarde sur la personnalité de nos deux protagonistes (je pense au passage dans le magasin de vêtement et à la halte culture dans le motel). Si il est indéniable que certaines références culturelles font plaisir, une réflexion plus globale sur ce qui définit la culture aurait été bienvenue, plutôt que de léser tout ce qui reste dans l’ombre. Néanmoins, avec un final aussi percutant que la prise en otage d’un plateau télé et de l’exécution sommaire de bon nombre d’individus y étant présents, God Bless America a tout le potentiel nécessaire pour marquer méchamment son public, et surtout attirer son attention sur quelques réflexions sociétales et les aberrations qui en découlent (Steven, le véritable déchet humain du film). Osé car sans recul sur son message et ses insultes, mais sincère et plutôt bien écrit, God Bless America est un essai engagé et salutaire pour le cinéma d’auteur. Mais bon, entre ça ou un Les profs, on voit vite quelles tendances apparaîssent.

5/6

2011
de Bobcat Goldthwait
avec Joel Murray, Tara Lynne Barr

Dead and breakfast est un film culte totalement ignoré par la communauté du genre, et pour, ce n’est pas faute d’avoir tourné dans divers festivals. La raison de cet échec est simple, même si Dead and Breakfast a au moins pour lui d’être sorti peu après Shaun of the dead (donc avec une toute petite chance), il est ruiné par l’ensemble de ses caractéristiques. Script, réalisation, humour, chansons… tout est à jeter.

L’histoire : un groupe de potes perdus sur une route de campagne s’arrêtent dans un petit village de rednecks et rencontrent un vagabond possédant une étrange boîte.

Vu que la bande annonce nous promettait quand même des zombies qui dancent, on était en droit de craindre le pire. Et tel un oracle prophétique, c’est effectivement le pire qui se produit sur notre écran innocent, souillé bientôt par des passages de country plus mauvais les uns que les autres et subissant un humour lourdingue pour des trucages visiblement fauchés. Aucun budget visiblement sur Dead and Breakfast, mais bon, ils n’en n’avaient pas beaucoup non plus sur Bad Taste, qu’ils se sont dit. Mais si Bad Taste est à moitié raté (franchement, aucun rapport avec Braindead ou les feebles), il a au moins la générosité pour lui. Dead and Breakfast, lui, n’a même pas l’audace d’essayer du nouveau. Il y a vaguement une tentative de débrouille avec les fusils fabriqués main, mais sinon, c’est nada. Et on se retrouve alors avec des abrutis qui parlent, qui parlent, qui parlent… C’est Eaux sauvages sans la bêtise du premier degré, puisque c’est outrancièrement volontaire ici. Rien à faire, le film aura beau essayer d’enchaîner les morts et de mettre en valeur cette étrange histoire de boîte qui ressuscite les morts, on s’en fout, on s’emmerde, et surtout on ne rit pas. Ou alors façon navet, du genre quand on voit Vin Diesel combattre deux ninjas avec une serpillère (ceux qui ont vu le film en question se taperont la tête sur la table pour chasser ce mauvais souvenir). Dead and Breakfast est l’authentique film culte tellement prétentieux qu’il finit par être méprisé par son public, qui a décidément autre chose à faire que de voir des zombies chanter de la country. Malgré quelques situations nanardes, on s’ennuie ferme, et le générique arrive comme une libération salvatrice. Bon sang, plus jamais !

0/6

2004
de Matthew Leutwyler
avec Ever Carradine, Portia de Rossi

Avec Magnolia, on donne dans le chef d’œuvre total, le cinéma pur en termes de sentiments, parfait équilibre entre portrait authentique et fantasme virtuose, offrant des tranches de vie dans ce qu’elles ont de plus touchant. Doté d’une narration merveilleuse (bien qu’elle ait parfois tendance à fragmenter les séquences fortes), ce mastodonte de 3 heures est une véritable déclaration d’amour au grand cinéma, quitte à larguer une bonne partie du public au passage, peu habitué à suivre 7 personnes à la fois (comme un certain Cloud Atlas).

L’histoire : Croyez-vous aux coïncidences ?

Il est assez merveilleux de voir que Magnolia est une sorte d’OFNI du drame, et de part l’étendue des portraits qu’il dresse, une sorte d’illustration de la vie en général, comme le sous entendait l’introduction très axée sur des coïncidences tellement fortes qu’elles en deviennent suspectes… Ces coïncidences, dans les portraits qui forment le film, interviennent essentiellement sous la forme de « connexions » fugaces entre les différents personnages, le temps de regarder au même moment un show télévisé, ou de chanter sur une même musique passant à la radio (la plus belle séquence du film, très cinématographique, et d’une pertinence qui donne les larmes aux yeux). Pourtant, les personnages, plutôt éclatés à la base, se répartissent dans environ deux groupes. Il y a celui de la famille (avec le père mourant, la belle mère dépressive, l’infirmier de garde et le fils révolté) et celui du show télévisé, avec un ancien gagnant au bout du rouleau, un gamin savant et son père tyrannique, le présentateur à l’agonie, sa femme et sa fille junkie. L’électron libre du film est en quelque sorte le policier, qui suit son histoire en rencontrant plusieurs personnages différents. Autant dire qu’avec autant de personnages différents, avec autant d’enjeux personnels et de problèmes personnels, Magnolia est un film impossible à résumer. Il se vit, complètement, soignant chacun de ses personnages et collant au plus près de ses réactions, de leurs sensations. La diversité permet ici de s’identifier à certains, ou d’en apprécier d’autre pour l’état d’esprit qu’il illustre (personne n’est pareil). Autant dire que le film regorge de performances d’acteurs, avec un casting tout simplement éblouissant. A titre personnel, mes personnages préférés sont Eddie et Jack. Eddie pour l’intégralité de son caractère, maladroit, enfantin dans sa conception des rapports humains, mais d’une sincérité frappante et d’un soupçon d’éloquence qui sort heureusement au bon moment (la conversation de bar, où il alterne entre amertume et désir de s’affirmer enfin). William H. Macy le campe avec un talent magnifique (et l’ironie qui entoure son personnage est réjouissante, notamment pour l’appareil dentaire). Jack, le personnage de Tom Cruise, est quant à lui magistral dans son exploitation sommaire des angoisses masculines naturelles, à savoir l’autre sexe. Sa vision ultra machiste est un régal de testostérone primaire qui réaffirme son mépris de la gente féminine à chaque nouvelle intervention. On comprend immédiatement où veut en venir ce portrait, à savoir comment un tel personnage a pu se façonner, et frapper évidemment là où le bas blesse. Autant dire que nous tenons là peut être la meilleure performance de Tom Cruise en terme d’intensité dramatique, autant dans sa dégaine de prédateur que dans son chamboulement intérieur. Un personnage de cette trempe, c’est rare dans une carrière, et ici, la performance est inoubliable. En termes d’intensité émotionnelle, on pourra aussi relever la romance entre le flic solitaire et la junkie dépressive, une merveille de sincérité qui culmine avec la scène du repas dont la sincérité est éblouissante (encore une fois, décidément, c’est un film à regarder avec des lunettes de soleil). Parfaite combinaison de ce qui fait la force du grand cinéma (avec un peu d’humour en prime, et une bande originale parfaite), Magnolia (dont on se demande encore d’où vient le titre) est un chef d’œuvre intégral, que la virtuosité n’étouffe jamais (à condition évidemment de pouvoir la supporter).  A l’exception de quelques scènes intenses qui sont découpées et qui perdent un peu en intensité (notamment pendant le face à face entre Jack et son père, coupée par soucis de ménager le rythme des autres histoires), c’est un pavé magistral, un OFNI éblouissant qui ne cherche pas l’épate philosophico-visuelle, mais bien l’authenticité des portraits. On en reste rêveur…

6/6

1999
de Paul Thomas Anderson
avec Tom Cruise, Melinda Dillon

Il y a un certain temps que je recherchais Une histoire vraie de David Lynch. Ce film, issu d’une collaboration avec Disney (what ?), m’était promis comme un cru à part dans sa filmographie, quelque chose de bien plus calme et posé qu’à l’accoutumé. Si c’est en effet le cas, on voit clairement des petites touches de Lynch qui arrivent ça et là, au service d’une histoire sereine qui fait clairement plaisir à voir.

L’histoire : Alvin Straight, apprenant que son frère vient d’avoir une attaque cardiaque, décide de traverser deux états pour aller le retrouver. Victime de plusieurs problèmes de santé l’empêchant de conduire une voiture, il décide de partir sur sa tondeuse à gazon.

Autant dire tout de suite qu’Une histoire vraie a été un coup de cœur quand je l’ai découvert. Pour le coup, il s’agit d’un intéressant investissement de Disney, puisque c’est effectivement un bon film pour la famille, et un bon film américain. C’est un film qui respire la bienveillance, qui traite de la vieillesse avec réalisme, mais sans amertume. Comme souvent dans le cinéma de David Lynch, Une histoire vraie, après son intro plantant les personnages avec un humour poli, vire vite au road movie traversé de rencontres (c’est la principale touche Lynchienne avec la récurrence des lignes dans les paysages (la route, les champs…)). Mais loin des folies d’un Sailor and Lula, il pose des personnages simples, prévenants, authentiques en somme. Le monde n’est pas hostile, il est même accueillant, hospitalier, prévenant… En fait, la seule touche de noirceur, en dehors de l’état de santé dû à la vieillesse et du destin tragique de la fille d’Alvin, consiste en l’évocation de la guerre (conversation chargée d’émotion, et qui évite d’ailleurs le manichéisme du patriotisme américain avec l’anecdote d’Alvin, bouleversante. Voyageant à la vitesse d’un escargot au milieu de magnifiques paysages américains (un vrai film qui respire), Alvin progresse vers son but, et se contente souvent de répondre à ceux qui engagent la conversation, intrigués par l’incongruité de son mode de déplacement. Débarrassé de toute expérimentation (inutile au vu du sujet), le film développe son message, faisant l’éloge d’une vie simple, apaisée, en bref, la parfaite petite vie à la campagne et le regard lucide mais bienveillant sur la vie. Aucun méchant à l’écran, des personnalités américaines clichées et crédibles, ce film fait le portrait d’une amérique rurale apaisée (limite canadienne ^^), ce qui constitue son principal argument de film pour la famille. Une paisible évasion d’une heure quarante-cinq.

5/6

1999
de David Lynch
avec Richard Farnsworth, Sissy Spacek