Georges Bataille est l’auteur de philo underground le plus cité par les artistes du milieu (toute discipline confondue, en littérature, cinéma, art performance…). Si tu n’as pas lu Georges Bataille, tu as la peste intellectuelle mainstream conformiste, et une bonne partie du genre ne t’est pas accessible, pauvre consumériste enclavé par les ornières que t’a posé la Société et l’Education. Je parodie avec cynisme, mais le consensus anticonformiste est là. Et il convient d’ajouter qu’il s’agit d’un des auteurs dont les adaptations sont difficiles, voire impossibles (essayez d’adapter un bouquin de philo, sans faire un cours). Mais certains s’y attaquent avec plus ou moins de talent. Me concernant, je me réfère à la performance de l’artiste Ron Athey, qui s’était peigné jusqu’au sang devant deux miroirs avant de se fister, dans une évocation aux écrits de Bataille dont je n’ai toujours pas saisi le contenu. Aujourd’hui, nous verrons deux adaptations ciné.

Story of the eye : Pour juger de la pertinence de l’adaptation, j’ai survolé rapidement le livre en question (une soixantaine de pages), qui me semble être un petit roman axé sur le voyeurisme et sur les connotations sexuelles qu’il implique, en faisant le parti pris de raconter l’histoire à la première personne histoire de mieux immerger le spectateur et lui faire partager les expériences/impressions de son personnage. J’en viens maintenant au film. Concrètement, que recèle-t-il ? Une introduction vantant les qualités de Georges Bataille pendant une scène d’accouchement sans rapport (enfin si, évidemment, puisqu'il s'agit ici d'accoucher d'une oeuvre), un spectacle des folies bergères, un porno gay de 20 minutes, un porno lesbien de 15 minutes, quelques scènes d’actrices déambulant dans un décor décrépis, un plan à 3 de 10 minutes, puis 10 minutes d’écrans noirs avec de la musique et des bruits. Analysons cela maintenant. Sans doute que le décalage entre le discours nonsensique sur George Bataille et l’accouchement filmé est la mise au monde d’une adaptation fidèle à l’esprit d’origine. Que la mise en scène de fantasmes sexuels homo est une mise en abîme de nos propres désirs refoulés, dont l’aspect onirique serait suggéré par les éclairages fantasmagoriques dignes d’un Dario Argento… Que le discours sur le voyeurisme est meilleur si il n’est pas analysé développé, mais simplement mis en scène comme un porno classique. Et même que l’absence d’image pendant la fin du film serait une destruction de l’œil, et que l’absence d’image viserait à nous faire ressentir la frustration d’être privé de ce sens si capital pour le plaisir du voyeurisme. En l’occurrence, la frustration, c’est surtout d’avoir regardé cette connerie jusqu’au bout. Sincèrement, rarement j’aurai vu un porno gay aussi mal camouflé derrière une étiquette pseudo intellectualisante (même Bruce Labruce fait mieux). Si techniquement, le résultat n’est pas dégueulasse et se révèle plutôt esthétique (comme bon nombre de porno disposant d’un minimum de moyens), le vide total de contenu se ressent à chaque minute. On espère que le spectateur s’attendait au moins à un porno, car en demander plus serait s’exposer à une cruelle déception. Ce n’est pas nouveau, cet usage de la pornographie, elle fait partie intégrante des thématiques de Georges Bataille (le second film traite d’ailleurs exclusivement de ce thème). Mais oser la filmer aussi platement en prétendant adapter un essai philosophique, c’est démontrer qu’on a une couille dans le cerveau, ou qu’on considère les amateurs d’undergrounds comme des bonimenteurs libidineux, qui ne peuvent assumer la médiocrité de leurs fantasmes sans une dose de crème intellectualisante. Tu la sens, mon épaisse semence artistique que je te gicle au visage ? Clairement, à moins d’avoir envie d’un porno homo, on peut clairement passer son chemin.

0,7/6

2004

de Andrew Repasky McElhinney

avec Melissa Elizabeth Forgione, Querelle Haynes, Kevin Mitchell Martin

Théorie de la religion : Voilà un essai plus consistant qui a le mérite d’avoir au moins un concept. En s’ouvrant sur des images de pornographie devant laquelle un acteur musculeux se masturbe, le film enchaine sur les sévices ininterrompus subis par une poupée dans un sous sol, jusqu’à ce que l’homme s’effondre, épuisé, repu au milieu du chaos de sa cave. Eclairages à la guirlande formant une voûte étoilée, capharnaüm indescriptible encombrant la pièce, l’homme foule au pied ce qu’il possède pour satisfaire ses pulsions, à savoir profiter au maximum de la poupée. Le concept est simple. Le film n’est rien d’autre qu’une extrapolation radicale du concept de pornographie. Au lieu de prendre une actrice, la condition de l’objet soumis au désir est réduite au stade de la chose, avec cette poupée inanimée, conciliante malgré elle. Les préliminaires, puis la consommation, et enfin la dégradation par le démembrement et les attaques répétitives et variées de l’homme, qui emploie tous les outils de son kit de bricolage pour refaire la gueule à cette poupée. Intellectuellement, on peut comprendre la démarche. Mais impossible d’adhérer au film sur sa forme. Pourtant réduit au format d’une heure huit minutes (franchement, vu le nombre d’accélérés, le réal aurait pu faire durer beaucoup plus longtemps), le film apparaît tout simplement interminable. Les premiers gros plans de l’introduction, tout sauf maîtrisés, cèdent à des plans séquences en camescope tournant dans un décor vide, où l’absence de partis pris artistiques un peu évolués ou même de style tentent d’être maquillés en « dépouillement ». C’est laid, dégueulasse, indigne d’un film amateur, et ces tares visuelles sont sensées être un style underground… Sans doute pour coller à l’esthétique dégueu des pornos tournés à la va vite. Mais quand on torche autant ses partis pris esthétique sur la longueur totale du film, on se sent vite irrité par la suffisance méprisable de ce laissé aller. Ce n’est pas en filmant le vide qu’on peut prétendre faire une ambiance. Ni justifier une aussi indécente prolongation d’une idée facilement résumable en 5 minutes. Je comprends la démarche de pousser les rapports de force dominant pervers/chose soumise, mais si aucun élément ne vient justifier la durée d’une heure, je pense qu’on peut dire qu’on se prend un peu trop le chou dans les cercles de lecture de Bataille. Surtout que ce film a la réputation d’être une de ses meilleures adaptations. En l’état, le réalisateur est déjà conscient de la logique de sa démarche, et sa mention de l’organisation du tournage comme d’un jeu malsain (son acteur qui se défoule, se branle et démembre une poupée) ajoute une certaine honnêteté aux ambitions de base. Il n’empêche que le résultat n’a rien de sympathique, et qu’il est désagréable dans le mauvais sens du terme. Seul l’intelligence de son auteur et ses partis pris visibles (facilement accessibles au spectateur) empêchent de le traiter avec autant de facilité que son prédécesseur. Reste que ce bon vieux Georges Bataille doit bien se retourner dans sa tombe avec tous ces jeunots qui tentent d’intellectualiser leurs pulsions avec ses écrits.

1,2/6

2010

de Frederick Maheux

Avec ce lien, une critique partisante du film, bien rédigée et assez bien développée

Le cinéma de Sono Sion est soutenu par une solide réputation, qui ne cesse de grandir à chacun de ses projets. N’ayant jusqu’ici jamais visionné un seul de ses travaux, il fallait trouver un point de départ, qui s’est révélé être Cold Fish. Arborant une affiche digne des Chiens de Paille, le projet se révèle être une sacré claque, non dénuée d’humour, mais féroce dans ses saillies d’ultra-violence…

L’histoire : un vendeur de poissons d’aquarium vit dans une famille banale. Quand sa fille vole dans un grand magasin, un riche éleveur de poisson prend sa défense, et l’invite à devenir son partenaire commercial sur une affaire d’importation d’une espèce rare.

Cold Fish, avec son postulat on ne peut plus banal, est passionnant à bien des niveaux. Parvenant à trouver une esthétique magnifique au milieu des aquariums qui font toujours rêver quand on passe dans les rayons, trouvant un petit parallèle social au cours des séquences d’alimentation des bestioles, Cold Fish est un film féroce sur les relations sociales à plusieurs niveaux, essentiellement dans le cadre de la famille et du travail. En façonnant un protagoniste banal et sans consistance, le film parvient à capter toutes les concessions qu’il fait devant la générosité obscène de son bienfaiteur, chef d’entreprise agressif et extraverti qui ne renonce jamais à ses objectifs. En parvenant à fixer la honte de recevoir une aide évidente et peu discrète, puis le renoncement personnel à ses propres principes pour « honorer la dette », le film parvient intelligemment à parler d’exploitation sociale. C’est alors que le film bascule dans l’ultra-violence, lors de l’exécution d’un des investisseurs dans l’importation d’un poisson exotique rare. Avec une scène de débitage du cadavre suffisamment démonstrative, on commence à comprendre dans quoi on a mis les pieds. Le film prend alors une tournure bien sombre, puisque la passivité de notre héros entraîne des réactions de plus en plus agressives de la part de son employeur. C’est un film de pétage de câble à retardement, typique des Chiens de Paille donc, en suivant toutefois un parcours différent. A ce jeu, le film s’offre plusieurs séquences de cinéma, comme un tabassage de notre personnage principale avec remise en cause de virilité, les conversations cyniques du patron et de sa femme pendant qu’ils débitent les corps… Un menu costaud qui culmine en apothéose de violence comme on n’en attendait pas. Par rapport au modèle de Peckinpah, on peut toutefois noter l’usage d’un humour discret qui sert remarquablement bien la narration, en rajoutant une petite dose de cruauté dans les séquences où il apparaît (c’est souvent au cours des séquences violentes, où l’excès de la mise en scène vient introduire un décalage comique qui tranche avec le sérieux radical de la situation). Hors de question de spoiler la fin, elle conclut avec sérieux ce solide projet cinématographique. En y rajoutant une ambiance glauque à souhait (un quotidien constamment étouffant) et une photographie éblouissante (bon sang, tous ces poissons…), Cold Fish a tous les arguments pour convaincre les cinéphiles de bon goût, et se range dans une catégorie entre l’œuvre de Peckinpah et Visitor Q (j’insiste, Mike pétait un câble, mais ne faisait que développer à l’excès les relations à la violence de ses protagonistes). Une sacrée claque qui donne envie d’en découvrir bien davantage dans le cinéma de Sono Sion.

5/6

2010
de Sion Sono
avec Mitsuru Fukikoshi, Denden

Lars von Trier, provocateur de premier ordre et grand demandeur de la performance d’acteur, revient en force avec un appareil incongru, un étrange objet comportemental qui se propose de faire, à l’ancienne, le récit d’une vie de femme nymphomane. Ce sujet sulfureux, ajouté au bannissement de la communauté bienpensante cannoise suite à une provocation de trop, et on obtient un film sorti sans promotion (mais quand même sorti) dans une version censurée dont la moyenne de fréquentation est de 8 personnes par salle (et encore, pendant la séance où j’étais, une est partie en cours de film). Et tout cela a pour résultat d’accoucher du premier grand film de l’année.

L’histoire : depuis son enfance jusqu’à ses 20 premières années, une femme raconte quels épisodes ont jalonné sa vie et son approche du sexe.

Nymphomaniac est typiquement le genre de film un peu provoc qui sait ce qui est bon, et qui à sa beauté classique très formelle (contemplative) sait doser performance d’acteur, scène choc et art d’exposer les subtilités comportementales de chacun des personnages qu’il met en scène. Commencer par un écran noir accompagné d’un son liquide, puis ouvrir la pellicule sur du Rammstein soutenant des images à la force contemplative vivifiante, et vous avez déjà une merveilleuse idée du potentiel détonant du cocktail. Et ce n’est que pur introduction formelle, le film déborde quant à lui de symboles, de thématiques et de pistes psychologiques si variées, et si cohérentes, que le film tient toutes ses promesses, tout en se révélant surprenant pour ses choix avisés. Jamais enfermé dans une lecture manichéenne (la narratrice se décrit comme une souillure corrompue, son auditeur se distingue comme un soutien empathique et bienveillant), il aborde avec simplicité, humour et franchise, différentes étapes de l’apprentissage amoureux de Joe. Sous l’angle de la sensibilité pendant la jeunesse (les étranges sensations que procurent les frottements des zones érogènes, la fascination pour la nature inculquée par le père (très belle figure de père d’ailleurs, loin de toute figure oedipienne parasitant leur relation)), puis peu à peu sous l’angle de la découverte provoc de l’adolescence. Un dépucelage avec Shia Labeouf dans un rôle délicieusement à contre-emploi (il joue un homme faible à l’opposé de la véritable virilité, essayant désespérément d’acquérir la carrure qu’il n’aura jamais) qui amorce bien les jeux de saute-mouton qui feront par la suite l’essentiel du programme. La métaphore avec la pêche pourra sembler lourde (on ne cesse d’y revenir pendant tout le chapitre), elle est pourtant parfaitement appropriée, dans sa signification autant que pour les multiples éléments qui la composent, et qui trouvent un sens à chacune des étapes du parcours de notre adolescente. Passons le détail des chapitres, chacun se trouve chargé d’un contenu incroyablement riche, ainsi que d’une esthétique propre (le chapitre 4, intégralement en noir et blanc). Les aspirations changeantes de notre héros la conduisent vers le blasphème en guerre contre l’Amour (« il existe un crime de sexe, les crimes d’amour sont innombrables. »), la faiblesse feinte pour exciter la lubricité, les attentes des hommes et leur comportement en face de la provocation… Autant de sujets cohérents que le film traite avec une virtuosité souvent palpable, et édifiante sur de pareils sujets sociétaux. Question performance d’acteurs, on retiendra surtout le caméo de Uma Thurman en mère de famille cocufiée par notre héroïne, qui s’incruste dans l’appartement de Joe et se livre à une scène de ménage éprouvante, avec la hargne de la famille détruite par autant de libertinage gratuit. Une sacré scène qui résume les remords et dilemmes moraux habitant le personnage de la nymphomane, que le film se plaît peu à peu à redéfinir. La nymphomane n’est plus la femme fatale insatiable qu’on s’attendait à trouver, mais plutôt la somme de différentes expériences sexuelles, cumulant les caractères d’hommes pour former l’harmonie recherchée. Un discours finalement plutôt limpide (finalement, c’est un parcours de vie lisible et ordonné), que l’ultime rebondissement jette sur un nouveau terrain, augurant du meilleur pour une seconde partie qu’on espère au moins à l’égale de ce grand feu d’artifice d’ouverture. 2014 commence du bon pied !

5,2/6

2013
de Lars von Trier
avec Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård

Dès 1938, l’Allemagne nazie relance sa production cinématographique sous la direction de Goebbels, ministre nazi de la culture et de la propagande (et accessoirement cerveau logistique d’Hitler, en l’aidant considérablement à matérialiser et à propager ses idées). Plusieurs productions illustrant (et justifiant) l’idéologie nazie sont donc tournés. Si des films comme Le triomphe de la Liberté tiennent plutôt du documentaire partisan (fonctionnant moins sur l’antisémitisme que sur un patriotisme fort, affirmé et revendiqué), un film comme Le juif Süss met quant à lui les pieds dans le plat et illustre avec froideur l’établissement d’une solution finale et la vision des juifs sous l’angle antisémite, tout en gardant une certaine retenue dans l’acheminement, signe de propagande subtile cherchant à persuader plutôt qu’asséner platement.

L’histoire : au XVIIIème siècle, dans la ville de Stuttgart, le duc de Wurtempberg, désireux de financer de grands travaux dans son intérêt, contacte le juif Süss Oppenheimer afin d’effectuer un emprunt. Ce dernier lui promet de le couvrir d’or à condition de le laisser s’établir en ville, ainsi qu’à d’autres membres de sa communauté.

Film propagandiste au premier degré, Le juif Süss cultive néanmoins une certaine sobriété dans sa mise en scène, souhaitant s’affirmer avant tout comme un film plutôt qu’un objet idéologique. Souvent, dans les films récents mettant en scène de la propagande, cette dernière est si caricaturale qu’elle s’auto-détruit (en quelque sorte, il suffit d’avoir un peu d’ironie pour la tourner immédiatement en ridicule). Or ici, ce n’est pas le cas. Si les juifs représentés ici sont naturellement en tenue traditionnelle, ressemblent à des vieillards poussiéreux à l’échine courbée, ils n’ont rien du cabotinage qui fait nos méchants d’aujourd’hui. Les principaux juifs mis en scène (Süss, son secrétaire Lévy, le rabbin Loew) apparaissent comme cupides, séniles et obsédés sexuels, et c’est le sérieux total de l’ensemble du film qui est finalement le plus dérangeant dans l’établissement de l’idéologie. Par la corruption et le prêt usurier, les juifs parviennent donc à s’introduire dans la société, et partant de là, corrompent ce qui les entourent. A commencer par les femmes, qui tombent toutes en pamoison devant les collections de bijoux que la juiverie exhibe à de nombreuses reprises, avant de s’arroger la gestion des péages de la ville en taxant davantage les habitants. Le lien entre les juifs et l’argent semble être le fer de lance du film, permettant aux juifs d’accéder à toutes les institutions visées. A la fois pour exploiter la populace mais aussi pour s’implanter. L’antisémitisme passe ici par la vision d’un peuple juif apatride, qui survit en s’implantant de ville en ville à la recherche d’une terre promise, sans considération pour ceux qui y sont déjà établis, mais soucieux de s’implanter dans le calme, en évitant le soulèvement populaire. Ce dernier aura ici lieu après le suicide de Dorothea, fille du conseiller des états violée par le vil Süss. Guidée par le fiancé de Dorothea, le peuple met à jour une tentative de coup d’état (une armée de mercenaire commandée par Süss). L’instigateur est arrêté, privé du soutien des gens de pouvoir. A lieu alors le procès du Juif Süss, qu’il serait intéressant de comparer à l’ambigu final de M le maudit, qui dénonçait déjà la montée du nazisme en Allemagne à l’époque. Il est troublant de voir les mêmes mécanismes utilisés ici à des fins complètement opposés, Süss cherchant à apitoyer ses concitoyens pour s’épargner une sentence que l’ensemble de la communauté considère comme juste (illustration d’une idéologie complètement assimilée par la population). Plutôt que de montrer une foule haineuse, Goebbels insiste pendant le tournage pour que les figurants restent relativement calmes durant les scènes à gros moyens, donnant ainsi à l’épuration juive un côté lucide et logique, la population ne réagissant pas sur le coup de la haine. L’exécution du juif Süss, pendu en place publique devant une foule grave, se déroule dans un silence palpable, chacun semblant conscient de la gravité de la situation, mais convaincu de se résoudre ici à un mal nécessaire. S’achevant avec la promulgation d’un édit renvoyant les juifs hors de la ville, le film enfonce le dernier clou idéologique, achevant sa vision antisémite avec une conviction absolue. Le juif Süss est connu pour être le film antisémite le plus "abouti" produit pendant le 3^ème Reich, et bénéficia d’un certain succès à sa sortie, essentiellement en Allemagne. En France, ce fût moins le cas, le film raflant un peu plus d’une centaine de millier d’entrées, suscitant diverses réactions comme des manifestations contre l’idéologie du film ou quelques violences antisémites à la suite des projections. Pendant l’après guerre, le film est interdit en Europe, et s’exile finalement au moyen orient, où il est utilisé dans le cadre d’une propagande anti-sioniste. Le réalisateur allemand Viet Harlan, qui avait contribué à l’élaboration du script et à l’entière réalisation du film (sous la direction très présente de Goebbels) passe devant un tribunal de dénazification en 1948, où il se justifie en déclarant que les nazis contrôlaient son travail. Il sera finalement lavé de tout soupçon et recommencera à tourner en 1950.

1940

de Viet Harlan

En cherchant des images du films sur internet, je ne peux m'empêcher de mettre en lien un blog partisan du film, car bon, pas de raisons qu'il n'y ait que ses détracteurs qui parlent. On rappellera juste que chacun est responsable de ce qu'il publie sur le net...