Depuis A l'intérieur, le duo Maury/Bustillo a attiré le regard de pas mal de fans d'horreur français (et étrangers), ces derniers portant un potentiel gore bien vénère comme on les aime. Après la commande avortée de Halloween II (que réalisera le père Zombie, avec une certaine folie), les voilà qui débarquent avec Livide, une production américano-française fantastique qui lorgne plus vers les ambiances Silent-hill que la tripaille en mode Dard Divorce. Une surprise relative, la volontée du duo de briser l'image venant immédiatement à l'esprit. Et le résultat de ce second travail est déjà plus intéressant que leur premier sang, en tout cas plus travaillé et maîtrisé, malgré une certaine tendance à citer beaucoup de films.

L'histoire : Lucie, une étudiante en stage avec une infirmière, découvre une vaste demeure dans laquelle réside une vieille femme plongée dans le coma. Entendant des rumeurs sur un trésor de famille, elle revient sur les lieux avec deux de ses amis.

Si le pitch était moyennement tentant, l'ambiance que développe le film lui fait immédiatement gagner des galons. Plantant comme personnages une infirmière rondouillarde et apathique et une jolie hétérochromique, l'histoire nous fait rapidement arriver dans une demeure Hammerienne comme on les aime, avec un véritable bric à brac poussiéreux à tous les étages. Impossible de ne pas être séduit par l'ambiance, qui annonce de belles bases pour la suite. Cependant, le scénario, alambiqué, n'est qu'un prétexte. Le film vit plus par différentes scènes, purs fantasmes d'amateur de fantastique alambiqué, que par un "registre" fantastique fort. Si on se doute assez rapidement avoir affaire à du vampirisme (l'infirmière et ses enlèvement de gamines), des scènes surgissent en plein milieu, ayant une justification, certes, mais existant avant tout pour la simple beauté du concept. Ainsi, des scènes comme la danse d'un cadavre animé (joli moment de fantastique), la préparation du cadavre animé ou des bribes du passé de la maison sont autant de moments agréables et jouissifs qu'ils sont strictement visuels, gratuits. L'ambiance fait plaisir, et les points forts savent quoi donner au public (jolie scène de meurtre stroboscopique, ambiance d'école de danse voulant singer Suspiria, mais évoquant plutôt Possession de Zulawski). Mais entre ces temps forts, on se coltine des jeunes adultes relous, qui agacent largement plus qu'il n'en faut. Heureusement, le dénouement final apporte un peu de poésie, et même si on n'a pas très bien compris où le film voulait parfois en venir, le spectacle était beau et maîtrisé, à défaut de faire illusion. Le montage de Baxter est en tout cas irréprochable, le rythme prend le temps de poser une ambiance, mais le résultat reste un peu bancal. Un joli patchwork néanmoins.

4/6

2011
de Julien Maury, Alexandre Bustillo
avec Chloé Coulloud, Félix Moati

Alors que je faisais négligemment des courses au super marché, je constate qu’il existe un nouveau présentoir pour les dvds. Si les premières jaquettes n’ont rien d’exceptionnel (Insidious, Mad max, Je vais bien ne t’en fais, les Saw… bref, le classique du dvd alimentaire ou déjà vu), je constate rapidement qu’il y en a une entière réservée à la filmographie de Roger Corman ! L’enterré vivant, Le masque de la mort rouge… Diable ! Qu’est-il arrivé au directeur du rayon ? Il a été touché par la grâce ? Si l’enterré Vivant est encore dans sa jaquette, j’ai fini de visionner la copie restaurée du masque de la mort rouge, et le spectacle valait nettement les 10 euros du disque.

L’histoire : Prospero est un seigneur cruel qui maltraite régulièrement ses villageois, dont il méprise la pauvreté. Alors qu’un mystérieux individu drapé de rouge s’aventure dans la région, entraînant l’apparition d’une épidémie de « mort rouge », le prince se calfeutre dans son château avec sa dernière victime et sa famille.

Le film nous plonge immédiatement dans une ambiance gothique des plus sympathiques, avec ses décors de studios assez soignés et un goût pour les symboles qui marquent : la rose blanche qui devient rouge une fois un peu de sang versée sur elle. Très rapidement, le film lance les hostilités en montrant d’office le comte Prospero comme un tyran cruel méprisant totalement sa population et trouvant la jouissance dans la souffrance d’autrui. Vincent Price semble avoir trouvé le ton juste pour son personnage, puisqu’il l’interprète avec une telle classe qu’il efface immédiatement les pitoyables tentatives de satanistes qu’on ait pu voir ces derniers temps. Raide comme un manche à balai, toujours paré de vêtements merveilleux, le comte regarde son auditoire avec appétit, avant de choisir une victime et de se défouler dessus. Il ne fait pas bon se faire remarquer quand le comte est dans le coin, ce dernier s’attaquant aussi bien à ses vilains qu’à ses invités de marque. D’ailleurs, le portrait fait de la noblesse invitée par le comte Prospero est accablant. Ces derniers possèdent eux aussi les mêmes goûts pour la souffrance d’autrui (mais c’est le pouvoir qui semble motiver cette jouissance) et sont d’une humeur plutôt volage, s’adonnant à la luxure et à la moquerie aussi souvent que possible (à vrai dire, dès que le comte rabaisse quelqu’un, des torrents de rires pleuvent de tout côté). Très vite, le comte devient une figure emblématique du satanisme, pour les recherches sur l’homme qu’il effectue. Une petite précision s’impose. Le culte satanique, c’est louer Satan, l’ange déchu, et tout faire pour préparer sa venue). En revanche, le satanisme vise quant à lui à placer l’homme au rang de Dieu, par la Connaissance et le Pouvoir. Aussi, si le film mélange parfois les deux notions, Prospero apparaît vite comme un sataniste, puisqu’il tente de tirer des enseignements des souffrances qu’il impose à ses victimes, et qu’il semble impartial dans ses punitions (il rabaisse régulièrement la noblesse qui l’entoure, qu’il semble mépriser). Il prend aussi un malin plaisir à corrompre l’innocence, un thème qui reviendra régulièrement puisqu’il se choisit une victime dans le village voisin, à qui il impose de choisir entre l’exécution de son père ou de son amoureux. Autant dire que le dilemme atroce va exciter la curiosité du comte, qui va convier tous les membres du problème dans son château, à l’abri du fléau rouge qui sévit dans la région. L’épouse du comte est quant à elle plutôt satanique, offrant sa chair au Diable avant de tenter une cérémonie blasphématoire pour offrir son corps au démon. Ce qui nous donnera une vision de l’enfer assez étrange, constitué de fumée et de voiles noirs où danseront des sortes de prêtres de différentes cultures. La conclusion préfère quant à elle nous laisser sur une note de poésie, avec les incarnations de différents fléaux qui ne sont plus vu comme des plaies, mais comme des libérateurs qui rassemblent toutes les classes sociales, sans distinctions. Si le film évite soigneusement tout excès graphique, l’amoralité de certaines scènes et quelques pistes de réflexion intéressantes font du Masque de la mort rouge un vrai plaisir gothique, magnifié par des décors digne de la Hammer et des acteurs au charme fou, bien que le jeu soit parfois théâtral (ah, cette victime qui refuse d’entrer dans les sophismes du compte, mais qui lui obéit au doigt et à l’œil…). Un vrai plaisir, et un film gothique qui devrait ravir les amateurs du genre.

5/6

1964
de Roger Corman
avec Vincent Price, Hazel Court

Harry Potter et la coupe de feu : Ca commence à se gâter à partir de maintenant. En effet, les financiers ont bien compris qu’il était temps de faire évoluer Harry Potter, de faire évoluer son personnage en même temps que son public. Résultat, on a donc ici l’un des moins sobres films de la saga, qui ne cesse de rajouter couche sur couche de détails sur la personnalité de Harry et ses amis. Ainsi, nous connaîtrons dans cet opus absolument tous les retournements de leur vie sentimentale, leurs petits chamboulements et leurs interrogations sur ces poils qui poussent à leur menton et plus bas aussi. Je me moque, mais sérieusement, le film devient vraiment relou à force d’insister sur le côté people de ses idoles. Point culminant de l’agacement pendant le bal, qui n’avait bénéficié jusqu’à maintenant d’aucune illustrations parce qu’il ne servait strictement à rien dans l’intrigue, qui se voit maintenant enfin illustrer, alors qu’il est toujours aussi inutile. Et en prime, on se tapera un cours de danse totalement inutile et malvenu, juste là pour faire un léger gag entre Weasley et Mc Gonnagal. Il accumule les fautes de goûts, en témoigne le personnage de Rita, la journaliste people incroyablement inutile et affreusement mal gérée (pour ce qu’elle sert, ils auraient vraiment pu faire sauter le rôle), où cette scène gênante dans les bains où Mimi Geignarde vient draguer Harry et lui mater les roubignoles… Ah vrai dire, les seuls moments où Happy Rotter 4 se révèle amusant, c’est quand il balance les scènes d’action, pour le coup impressionnantes (le magnifique dragon de cet épisode dépasse de loin le dragon albinos de la dernière partie), bien que totalement peu fidèles à celles du livre. Et entre les épreuves, on se tape Robert Pattinson en gros plan ou Ron souriant béatement devant la caméra. Quant à la résurrection de Voldemort, et bien le cahier des charges est rempli, mais je reste quand même un peu sur ma faim… Il ne va pas détrôner Dark Vador de sitôt, ce lord Voldemolle. Un opus carrément décevant après celui de Cuaron, que j’ai été bien mal inspiré d’être allé voir au cinéma.

2.5/6

2005
de Mike Newell
avec Daniel Radcliffe, Emma Watson

Harry Potter et L’ordre du phoenix : Ce film de David Yates a réussi à berner quelques spectateurs en se révélant plus sobre que son prédécesseur sur les élans émotionnels de nos adolescents en pleine transformation. C’est cette apparente tempérance qui semble avoir rehausser les estimes à son égard, et cela sans que ça lui soit dû. En effet, si la romance avec Cho Chang ne bénéficiera plus d’une insistance régulière comme dans La coupe de feu, elle sera suivie par petites touches, par de petites attentions. On nous dit que c’est de la subtilité, mais il s’agit de flirts inconsistants au possible, d’amourettes de pacotilles interchangeables et sans aucune émotion profonde (ou alors la caméra ne cadre pas assez vers le bas). Echouant complètement à nous passionner pour l’émoi d’Harry ou de Ron, Yates se charge aussi d’anesthésier le matériau, de réduire au minimum tous les curseurs qui pourraient rebuter le public. Harry Potter 3 avait réussi à vous angoisser avec ses Détraqueurs (pour le coup vraiment effrayant) ? Ici, ils attaquent en pleine lumière et on ne craint pas un seul instant pour la vie d’Harry ou celle de Dudley (stéréotypé au possible, il est devenu une sorte de Cartman). Impossible de craindre quoi que ce soit pour le héros, même pendant son procès, Dumbledore arrive en jouant les papys gâteux encore vert malgré l’âge. Décidément, ce cabotin de Dumbledore se prend de plus en plus pour Gandalf (son apparence collera d’ailleurs de plus en plus avec ce dernier, l’exemple le plus éloquent étant la dernière partie). Impossible de voir en Dolores Ombrage la femme autoritaire et castratrice du livre. Nous aurons droit ici à une sorte de parodie, à une Margaret Tatcher rose bonbon improbable dans son stéréotype jusqu’auboutiste de conformisme absolu (vu qu’elle-même n’est pas conformiste). La punition d’Harry sera considérablement dédramatisée à peine illustrée plus de quelques secondes. La prétendue armée de Dumbledore est un cache misère, un pathétique prétexte pour justifier de longues minutes d’attentes qui viennent faire gonfler le spectacle jusqu’à l’horaire effrayant de deux heures. Les attaques mentales de Voldemort (qui auraient pu devenir une très sérieuse menace) sont à peine esquissées (même pas exploitées), délivrant à peine leur quota d’information sur Rogue et ne faisant jamais stresser. Et que dire de ce final, où la puissance de Voldemort est sensée se voir au fait qu’il fait exploser une centaine de vitre. Oh purée, le Seigneur des Ténèbres est en colère, il va nous casser le carrelage en marbre ! Terrifiant ! Et pour la mort de Sirius ? A peine dramatisée ! Et quand Harry utilise enfin un sortilège impardonnable, ça a l’air d’aller de soi… Et nos mangemorts de pacotille ? Et bien, ils ont l’avantage, mais une fois que Sirius est mort, ils se tirent en vitesse (le quota est rempli). Non, vraiment, cette adaptation bigrement paresseuse et dépouillée de tout charme ne saurait passer pour un film de qualité.

1.6/6

2007
de David Yates
avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint

"Je ne te drague pas, je t'apprends à tenir la baguette que tu manies depuis 5 ans..."

Harry Potter et le prince de sang mêlé : Incontestablement le pire de tous les Harry Potter, et la majorité semble d’accord là-dessus. Ce film est la parfaite synthèse de ce qu’Harry Potter 4 & 5 avaient fait de pire. La trame est toujours aussi mal gérée et anesthésiée, et les sentiments de nos protagonistes semblent revenir à la charge avec une espèce de jalousie entre Ron et Hermione, certes présente dans le bouquin, mais qui occupe bien trop d’espace pour susciter notre intérêt. Une fois encore, un simple détail aurait suffi pour clore ce chapitre, mais non, on va bien étudier leur relation. C’est comme pour harry, on sent poindre un vif sentiment chez lui quand il aperçoit Ginny, sans pour autant tenter de faire avancer le schmilblick. Encore une fois, à part Ron qui ose rouler quelques pelles (mais c’est qu’il en aurait dans la robe de sorcier, ma parole !), tout le monde se tourne autour, reniflant les hormones sans pour autant suivre leur trace. Ici, l’unique révélation tourne autour de Rogue. Tous ceux qui ont pris la peine de lire le bouquin le savent bien. Par conséquent, le film se dit qu’il n’a aucun effort à fournir pendant une heure trente, il faudra juste être à l’heure à la fin. Le film pose donc ses enjeux avec une mollesse qui laisse pantois, un rythme tellement lénifiant qu’on croit défaillir (mon dieu, Malfoy va laisser Harry dans le train et il risque de retourner à Londres, pauvre de lui !) et une absence totale d’intérêt, au point qu’on regarde régulièrement sa montre en se demandant quand est-ce que ça va commencer. On se branle littéralement des cours de Harry (oh, ça a l’air chiant maintenant, cet univers merveilleux), on préfère s’intéresser à son quidditch et à sa potion de chance merdique qui nous cassera littéralement les pieds pendant longtemps. Ainsi, l’apothéose est atteinte quand on assiste aux adieux d’Hagrid à Agroag, l’araignée monstrueuse du second film (donc un personnage secondaire amusant), où la prière de Slughorn est tout simplement à se pisser dessus, puis la musique de fond monte d’un coup, venant couvrir le discours d’adieu à cette créature dont David Yates a l’air de se foutre éperduement. Puis on se fait suer avec des bribes de souvenirs relous, on apprend que Voldemort était un petit sadique qui maintenant est devenu un briseur de vitre professionnel. Il n’y a pas la moindre empathie émotionnelle avec le méchant ou la moindre tentative de faire stresser. Tout ce que l’on voit est cliché, et pendant ce temps, on s’ennuie. Comble de notre malheur, la fin ne vient même pas tenir ses promesses, la séquence dans la taverne étant loin de faire hommage au bouquin, et la mort de Dumbledore relevant du ridicule quand on voit l’immense importance accordée par toute l’école au port du cadavre de Dumbledore… alors que la maison d’Hagrid est en train de cramer et que tout le monde a l’air de s’en foutre royal. Harry Potter et le prince de sang mêlé est un foutage de gueule, une suite purement mercantile qui vend sa merde sans avoir l’air d’être soucieux de bien restituer les écrits de Rolling. Etonnant que David Yates n’ait pas été viré après cet épouvantable navet.

1/6

2009
de David Yates
avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint

"Plus jamais Dumbledore ne me donnera la fessée... Plus jamais !"

Harry Potter et les reliques de la mort, partie 1 : Passons déjà sur ce partie 1 purement mercantile, destiné à retarder un peu plus l’échéance de la saga et ainsi donner le temps à la Warner d’empocher plus de fric (Twilight a bien compris le message). Harry Potter et les reliques de la mort est une sorte d’épisode charnière, le réveil d’un réalisateur qui se rend compte que c’est déjà la fin, et qu’il lui reste encore plein de trucs à remplir dans le cahier des charges, surtout qu’il a pris du retard depuis 2 films (sans compter qu’il faut poursuivre l’histoire). Ainsi, ce septième film cumule à la fois les bons et les mauvais points. Premier bon point : les studios n’ont pas eu le temps de le convertir en 3D. Ouf ! Second point : il réussit à poser certaines scènes assez intéressantes sentimentalement. Avec une ouverture assez sombre ou Hermione efface complètement ses traces et abandonne définitivement ses parents sans un mot, cette partie commençait bien. Et vraiment, au niveau ambiance de traque, le film arrive à être efficace, parvenant même à instiller un peu de mélancolie dans son récit (au moins le temps d’une danse sous la tente alors que les espions rodent de partout). Clairement, on voit que Yates cherche enfin à s’appliquer et à donner enfin une tonalité sérieuse au récit. Il se révèlera même audacieux dans sa mise en scène des reliques de la mort, une sorte de conte en image de synthèse rappelant furieusement l’ouverture chaleureuse d’un Hellboy II). Et avec son lot de trahison et de fuite, cette première partie arrive déjà à tenir un rythme. Mais même ces bonnes volontés ne parviennent pas à cacher l’urgence de certaines idées, expédiées ici au burin. Ce trio sentimental avec Hermione qui passe de Ron à Harry avant de retourner vers Ron, puis de regarder Harry de biais… Inexistant auparavant, et ici asséné sans délicatesse. Quant à la séquence nécromantienne, sensée être terrifiante, on se contentera d’un jump scare totalement inoffensif. Le point culminant de ces tentatives de rattrapages reste l’intervention verbale de Dobbie dans l’acte final, où il prêche enfin pour la liberté des elfes de maisons. Trois épisodes trop tard, mon gars ! On est passé à autre chose, depuis ! Et puis, il y a cette idée saugrenue de faire de l’humour avec le changement d’identité de nos héros avec le polynectar au ministère de la magie, où on est sensé rire de l’inquiétude de Ron pour les proches de l’individu dont il a pris l’identité. Au moins, Ombrage apparaîtra enfin un peu plus sérieusement le temps d’une courte séquence. Et puis, au niveau des contrastes, le film est parfois tellement sombre que l’on peine clairement à visualiser ce qu’il se passe. Sérieusement, la première réunion des mangemorts m’a fait bien rire, j’attendais qu’enfin, quelqu’un allume la lumière, mais ils ont tous l’air de se chier dessus que personne n’y pense. Et cette traque dans la forêt où nos héros courent… Impossible à suivre avec un contraste pareil, surtout en caméra portée à l’épaule. La séquence est tout simplement illisible. Enfin, ne boudons pas trop notre plaisir, la saga remonte la pente, ça se sent, et on ne s’en plain pas.

3/6

2010
de David Yates
avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint

"Et si nous faisions quelques chose aujourd'hui ?"

Harry Potter et les Reliques de la mort, partie 2 : Il aura fallut 7 ans et 4 films à David Yates pour retrouver enfin la force que troisième épisode de la saga. Enfin, on n’est pas vraiment au même niveau, mais on s’en approche beaucoup. En effet, ce final relève du bon film, puisque contrairement à ses aînés, il retourne sur les terrains du divertissement fantastique qui n’essaye pas de se prendre la tête ou de faire du people. On a planté un univers pendant 7 films, maintenant, on l’exploite à fond. Ainsi, le film se permet un détournement du film de braquage en organisant un hold up à la banque des gobelins, où la magie a remplacée la technologie de pointe habituellement présentée (et ridicule). Et le braquage a le mérite de tenir ses promesses en offrant son lot d’action (si toutefois le dragon est complètement sous exploité) et nous faisant dare dare revenir à Poudlar, où la situation s’envenime et où nos gentils ont tôt fait de reprendre le contrôle et de se préparer pour la grande bataille finale que tout le monde attend. Et bien cette dernière arrive, et elle tient ses promesses. Véritable florilège de magie agressive, où les baguettes ont remplacé les flingues, Harry potter partie 2 ose les scènes d’action, ose mettre en péril ses personnages, et ose même aborder leur psychologie en évitant de s’attarder sur leurs débordements sentimentaux (enfin, il était temps !). On ne s’ennuie pas un instant, on se castagne à tout va, Voldemort vient y mettre son grain de sel… Si ce dernier échoue toujours à passer pour un grand méchant valable, on notera la mise en scène excellente de la mort de Rogue (légèrement contre-balancée par des flashs back un tantinet clippesques, qui semblent tout droit sortis des rêves d’un Ichabod Crane). Après, la confrontation finale relève surtout de la formalité, le dénouement ne surprenant absolument pas et transcendant à peine les longs combats auxquels nous avons déjà assisté. Et je préfère passer sous silence la scène où Gandalf le blanc… pardon, Dumbledore vient taper la discussion avec Harry). L’épilogue est quant à lui assez ridicule pour le vieillissement peu probant de ses protagonistes, mais le spectacle qui nous a été offert, beaucoup plus modeste que ses prédécesseurs, parvient à laver des années d’attentes gâchées par des ambitions mal placées. Une fin correcte pour une saga aussi populaire. Mais méritait-il de devenir le 3^ème film le plus vu au monde ?

4/6

2011
de David Yates
avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint

Il y a des films que l’on découvre par hasard et avec lesquels on ne sait plus sur quel pied danser. C’est un peu l’effet qu’a eu sur moi Vanishing on 7th street, un cru fantastique assez intriguant qui ne s’intéresse pas à l’explication du phénomène qu’il met en scène, mais qui filme la réaction de nos personnages qui y sont confrontés. Alors, Vanishing on 7th street, bon ou mauvais ?

L’histoire : en pleine journée, la nuit tombe d’un coup, accompagnée d’une panne générale de courant. Quand les lumières reviennent, plusieurs personnes découvrent alors que toutes les personnes présentes aux alentours se sont volatilisées, ne laissant que leurs vêtements sur place.

A vrai dire, un tel concept m’a immédiatement fait penser aux Langoliers, le médiocre TV film où, passant au travers d’une aurore boréale, un avion de ligne passait dans une autre dimension et où tous les passagers éveillés disparaissaient en laissant derrière elle tout ce qui n’était pas organiques (prothèses, vêtements…). Même concept ici, mais développé à l’échelle mondiale, ou plutôt celle d’une grande ville. Ainsi nos personnages ont survécu aux ténèbres par la présence de source de lumière indépendante à proximité qui ont assuré leur survie. Ainsi, dans une grande ville peuplée, seule une poignée d’individus ont pu survivre à l’évènement (il y a quelque chose dans les ténèbres qui attrape les humains et les fait disparaître). Face à cette situation, nos survivants tentent de s’organiser, d’abord en s’assurant de ne jamais manquer de lumière (chose difficile, le moindre problème technique pouvant s’avérer fatal) et de discuter de l’origine du phénomène. Il leur faut peu de temps pour penser qu’il s’agit là d’une sorte de fin des temps biblique et qu’ils vont probablement finir par tous y passer un par un. Puis le récit s’attache à suivre leur survie, à leurs recherches d’autres survivants… Finalement, le film n’apporte aucune des réponses qu’on aurait souhaité avoir. On ignore ce qu’il y a après la disparition dans les ténèbres, on ignore l’origine du phénomène, nos protagonistes apparaissent et disparaissent peu à peu… Ce qui me fait finalement douter de l’intérêt du film, qui se contente de montrer la réaction de quidam face à un phénomène surnaturel. Le concept est intriguant, mais il est finalement sans surprise. D’où mon scepticisme quant à l’intérêt du film. C’est bien filmé, les acteurs s’investissent, la peur du noir est bien exploitée (notamment avec les mouvements anormaux des ombres), mais le film ne va pas plus loin que son pitch fantastique lui permettait, ce qui fait qu’au final, le film manque de surprise et d’imagination. C’est un retour au fantastique maousse (il intervient du jour au lendemain) sans que rien ne vienne apporter un plus à toute cette histoire. Bancal mais tourné avec efficacité, c’est un petit film qui devrait faire débat, même si de mon côté je reste partagé.

3/6

2010
de Brad Anderson
avec Hayden Christensen, Thandie Newton

Vincenzo Natali a d’abord commencé dans le cinéma avec un court métrage appelé Elevated, où trois personnes restaient bloquées dans ce dernier pendant qu’un extra terrestre essayait d’entrer dans la cabine avec eux. Un huis clos de quelques minutes intriguant, mais qui témoignait déjà d’une certaine volonté de gérer un huis clos sous un angle étrange. C’est avec ces inspirations que le jeune réalisateur lance son premier long métrage, qui demeure encore aujourd’hui une référence du Huis clos, précurseur d’un certain côté de la famille des saw post III : Cube. Un succès critique et commercial qui vient lancer le réalisateur (qui ne connaîtra par la suite plus jamais le même entrain, que ce soit pour Cypher ou Nothing) et qui encourage les producteurs à réfléchir à une suite. Conscient de devoir conserver une part d’originalité dans le huis clos, ils misent sur un concept stimulant : l’hypercube. Hélas, le film peine à surprendre et peine souvent à être clair, ce qui donne finalement le projet raté qu’on peut voir aujourd’hui. Suite à cet échec, le nouveau projet prend hélas la tournure facile, celle qui revient régulièrement quand on interroge les amateurs du premiers : c’est dommage qu’ils n’aient pas mis l’accent sur les pièges. Et paf ! Avec Cube zéro, on tient là la formule ancêtre des saw, à savoir des personnages clichés dont on n’a rien à foutre et des pièges qui font toujours plus loin dans le gore et le jouissif. Certes, la formule peut paraître marrante, mais en étant objectif, le constat est proche de l’affliction…

Cube : Vraiment, très intéressant huis clos que Cube, puisqu’il permet, avec des décors minimalistes (seulement 4 cubes nécessitent d’être construits), de mettre en scène un huis clos labyrinthique et tendu. Malin, le scénario l’est à bien des niveaux. En commençant par exemple par nous montrer un individu lambda évoluer dans quelques pièces jusqu’à tomber sur un piège, le film lance déjà une sorte de code de couleur (attention aux pièces oranges) qu’il faudra par la suite remettre en question quand on se mettra à suivre le groupe de survivant. D’ailleurs, le groupe est plutôt bien pensé, puisqu’il donne à chacun des personnalités propres qui vont même évoluer pendant le périple dans la structure. Structure qui reste d’ailleurs bien mystérieuse, le film passant volontairement sous silence les origines de cette structure, pourtant bel et bien construite par des êtres humains (mon avis est que les humains ont découverts des indications pour construire cette structure sans que ses concepteurs en ait précisé le but). En entourant de mystère la raison d’être du labyrinthe, le film brouille totalement les repères de ses personnages et aussi ceux du spectateur, qui se trouve tantôt au cœur du groupe (les passages tendus, comme la traversée du piège en mode silence), tantôt observateur (le sentiment d’observation que ressentent les différents personnages). D’ailleurs, beaucoup de choses laissent à penser qu’il s’agit ici d’une expérience scientifique, nos personnages étant réduits à l’état de cobayes (mêmes vêtements avec leur nom dessus, de très rares accessoires…) et devant faire face à des casses têtes mathématiques régulièrement plus difficiles (les numéros des différents cubes, le fonctionnement de l’intégralité de la structure). Mais au final, tout le film fait plutôt penser à une expérience sur le comportement humain, et plus particulièrement sur l’évolution comportementale d’un groupe dans de telles conditions (la fonction de chacun dans son fonctionnement, les différentes motivations de chaque personnages…). Ainsi, l’identification de chacun est assurée (je m’identifie personnellement à Worth, dont le cynisme complètement assumé mais une certaine volonté de vivre cadrent finalement plutôt bien avec certaines de mes convictions (je pense que c’est le vecteur d’intégration de pas mal de cinéphiles). Malgré la monotonie des décors (à part la couleur des pièces, rien ne change jamais dans la structure qu’on explore), le film possède un rythme qui avance sans cesse, qui parvient à mettre en valeur l’intérêt psychologique du film en dégradant régulièrement les relations au sein du groupe, jusqu’à un final tendu (et sanglant) qui poursuit sur la note originale le dénouement du huis clos (qui aurait parié sur le survivant de l’expérience ?). Finalement très habile dans sa gestion de l’espace, plutôt claire dans l’explication du fonctionnement de la structure (les mathématiques nous sont ici considérablement simplifiés, les calculs matriciels qui s’imposaient nous étant expédiés en quelques équations gravées), la théorie mathématique qu’utilise le film pour installer son huis clos est accessible au profane (on regretterait presque qu’il n’y ait pas un peu lus de détails là-dessus, mais le sujet étant casse-gueule, on comprend qu’ils n’aient pas voulu insister). Au final un huis clos surprenant, et une vraie expérience sociologique qui devrait en secouer plus d’un.

5/6

1997
de Vincenzo Natali
avec Maurice Dean Wint, Nicole de Boer

Cube 2, Hypercube : Voilà ici un film particulièrement mal aimé, car il n’atteint jamais le potentiel que son concept pouvait susciter. Cube 2 aborde une thématique passionnante : celui d’une quatrième dimension physique. Vu que j’ai fait des maths en prépa, j’ai à peu près réussi à comprendre où ils voulaient en venir, dans leur explication théorique d’une quatrième dimension. Cependant, dans l’hypercube, ils jouent aussi avec le temps. Ceci donne alors un résultat assez indigeste, le film se montrant finalement peu clair dans le concept mathématique qu’il veut exploiter. Si il nous parle de dimension temporelle (la découverte de nos personnages commence par nous dévoiler cet aspect de la structure, en montrant un ado ouvrir en un laps de temps très court plusieurs portes sur les faces d’un même cube), pourquoi se met-elle à nous parler en plus de dimension physique supplémentaire ? Pour ces pièges auteurisants qui n’ont plus la moindre aura jouissive ? Car les pièges de ce nouvel opus sont alambiqués, ampoulés, et qu’ils peinent considérablement à divertir en ne nous offrant jamais de danger vraiment terrifiant. Et je ne parle pas du changement régulier de la gravité qui ne sert qu’à complexifier inutilement le menu. Finalement, le film gère mal même le concept du temps (à chaque fois qu’une porte s’ouvre, on pénètre dans une pièce où le temps a reculé ou avancé), devenant carrément incompréhensible pour le parcours de certains personnages, dont les incohérences apparentes (des détails qui gênent et qui nous font dire qu’il va y avoir quelque chose en plus) deviennent des incohérences profondes, le film peinant vraiment à apporter des explications à tous les décalages physiques qu’il nous donne à voir. Côté cobayes, on nage ici dans le casting en mode aléatoire, l’immersion psychologique étant ici complètement foirée (comme le dit le jeune, on a plus l’impression d’assister à de la télé réalité qu’à une expérience scientifique). Finalement, le but du film n’est pas clair, ce dernier hésitant à reprendre la formule psychologique de son prédécesseur en foirant totalement sur l’exploitation des théories mathématiques qu’il nous expose. A cela, on rajoute une fin si abrupte et couillonne qu’elle en vient à ruiner le peu d’estime qu’on pouvait avoir encore de cette série B brouillonne, et maintenant destinée à sombrer dans l’oubli…

1/6 (pour les idées de maths, mais c’est tout).

2002
de Andrzej Sekula
avec Geraint Wyn Davies, Kari Matchett

Cube 0 : Et par quoi on commence ? Un gars qui marche dans les cubes et qui finit par tomber sur un pièges bien crade qui l’asperge d’acide et le fait fondre. Avec Cube 0, les producteurs nous proposent de faire un cube comme l’ancien, mais en mode SAW. On nous présente alors des personnages vraiment stéréotypés dont on se fout parfaitement de la psychologie (cette dernière est d’ailleurs complètement primaire pendant toute la durée du film). Clairement, ils ne sont là que pour une chose : servir à montrer les différents pièges prévu au programme. Et à ce niveau là, le film délivre largement la marchandise : acide, attaque sonore, gangrène accélérée, câbles cisaillant, flammes… un vrai florilège de mauvais traitements qui raviront les amateurs de gore décomplexé, mais qui frustreront considérablement ceux qui s’attendaient à un huis clos intelligent (d’ailleurs, le second, malgré ses airs auteurisants et prétentieux, tentait lui aussi d’élever le débat en ignorant pratiquement l’usage du gore). Ici, il faut survivre aux pièges, et il n’y a pratiquement aucune autre surprise. Les chiffres de Cube sont remplacé ici par des lettres, un militaire dans les cobayes verra une puce de contrôle implantée dans son cerveau activée, et les utilisateurs du Cube sont enfin dévoilés : il s’agit de fonctionnaires isolés du monde extérieur qui bossent pour le gouvernement. Ca fait mal de voir une ambiguité si brillamment entretenue sacrifiée sur des explications aussi bateaux. Surtout quand on voit le sort des survivants de l’expérience, qui en sont réduits à jouer leur vie sur la question « Croyez vous en Dieu ? ». C’est atterrant de connerie, à se demander ce qu’ils ont voulu prouver par une mise en scène pareille. Et on pourrait revenir sur cet employé du gouvernement à l’œil de fer dont les rictus imbéciles me font sourire à chaque fois que je regarde ce navet. Au final, Cube 0 nous sort la carte inattendue du préquel. Mais le problème, c’est qu’avec cette fin conne comme mes pieds, il s’aliène les fans du 1, qui voient dans ce dénouement une tentative commerciale de renouer avec la saga alors qu’il n’y avait vraiment plus rien à en espérer (surtout qu’ici, les acteurs ne ressemblent absolument pas à ceux du Cube initial, alors pourquoi leur donner les mêmes dialogues dans les mêmes situations (autrement dit, pourquoi tenter de raccorder les wagons alors que rien ne les forçait ici à le faire) ? Atterrant de bêtise, Cube 0 porte finalement bien son nom, sa qualité réelle étant exposée sur sa jaquette (on ne pourra pas dire qu’on ne nous avait pas prévenu). Et zou, à la décharge !

0/6

2004
de Ernie Barbarash
avec Zachary Bennett, Stephanie Moore ( I )

Appréciez la beauté des effets gores... Sinon, rien à se mettre sous la dent.