INTERDIT AUX MOINS DE 18 ANS

Sweet movie de Dussan Makavejev appartient définitivement au rang des OFNI cinématographiques. Réalisé en 1974, il reste relativement méconnu, et pour cause, ce film possède toutes les caractéristiques du mouvement Panique, sans pour autant y être rattaché. Le film est trouvable sur youtube, et m'a été recommandé par Zogarok (dont la chronique ferait passer mon aperçu pour un flyer touristique). L’overdose de symboles est là, tout comme le surréalisme de la mise en scène, toutefois, le fond est radicalement différent des travaux d’un Arrabal ou d’un Jodorowsky…

L’histoire : Gagnante du concours miss monde 1984, une femme est mariée à un riche industriel, qui après l’avoir déflorée, la jette dans le caniveau. Vivant un parcours initiatique à la Justine, elle échoue à Paris dans une étrange communauté. Pendant ce temps, à Amsterdam, une péniche menée par une folle parcours les canaux de la ville en prenant quelques fois des personnes à son bord.

Sweet movie est en quelque sorte un test intelligent à soumettre à tous les cinéphiles, puisqu’il est malgré sa façade, un film piège. Il possède tous les oripeaux du chef d’œuvre des années 70, toute l’exubérance, tout le politiquement incorrect d’une époque (avec le contexte de libération sexuelle, le quota de nudité explose ici, au-delà de toute pensée rationnelle), et c’est ce qu’il y a derrière ce masque fantastique qu’il faut pouvoir identifier. Or, et c’est bien le problème de Sweet movie, il tourne complètement à vide, et tente de faire passer ses délires pour des dissertations psychologiques ou des dénonciations bon enfant qui ne coûtent rien (les vilains industriels, les vieilles biques, les riches, la télévision…). Au premier visionnage, le choc est tel qu’on est fortement tenté de crier au chef d’œuvre, on est tiré dans des tas de directions à la fois, mais impossible de faire un tout cohérent, de résumer en une phrase. Car Sweet movie est un fourre-tout, un pot pourri des pensées de son auteur, dans lequel on peut voir quelques fils conducteurs. Ils tiennent essentiellement dans l’apparition d’une sexualité omniprésente (le parcours de notre miss monde tourne autour de la ceinture, tout le temps, à chacune de ses rencontres, à tel point qu’elle en deviendrait une caricature de la Justine de Sade) et une association sexualité-friandise pour le moins… atypique. On sent qu’il y a une idée derrière cette association, mais elle s’est perdue dans le récit, et se retrouve soit sous forme de détails (un noir qui avant l’acte sexuel se compare à du chocolat, la folle fornique avec un marin dans un lit rempli de sucre…) ou de scènes pour le moins dérangeantes (la folle qui fait un strip tease devant des gamins de 8 ans suçant des sucreries, l’héroïne se caresse le visage d’un air ingénu contre un pénis, une scène d’exhibition de notre héroïne recouverte de chocolat (donnant un beau relent fécal à l’image)…). Sans que le sens de tout ceci ne soit exposé. Alors soit Sweet movie est une œuvre inaccessible, soit nous avons affaire à un beau numéro de masturbation intellectuel, un porno pour intellos voué à un public qui aime jouir du cerveau. Il y a toutefois des séquences fantasmes qui traversent le récit (un meurtre particulièrement graphique dans le bac à sucre, l’introduction dénonçant le show télévisés avec un excès complètement survolté) qui tendent à lui donner les qualités, qui stimulent l’adhésion (le marin faisant du stop sur une bouée avec son vélo). Mais finalement, l’excès de Sweet Movie tourne à vide, n’ayant rien d’autre à offrir qu’une orgie complète, qui culmine dans la fin du récit avec un remake de La Grande Bouffe à en faire passer l’original pour une comédie bon enfant. Quand il ne montre pas d’images d’archives de l’exhumation des victimes d’un massacre par des nazis (je n’ai toujours pas saisi l’utilité, mais c’est de l’art !). Flamboyant, mais creux, Sweet Movie est une sorte d’exception dans le paysage cinématographique, car il fait vraiment office de test cinéphile, de révélateur d’attachement à la forme ou au fond. Un must seen.

2/6

1974
de Dusan Makavejev
avec Carole Laure, Pierre Clémenti

Dans le domaine des blockbusters, Zack Snyder est une pointure. Parfaite incarnation des désirs de la décennie 2000, à savoir contrer les produits bourrés d’effets spéciaux avec un scénario couillu, ses travaux ont tous laissé leur trace, que ce soit dans l’acquiescement général (L’armée des morts) ou dans la polémique (300, Watchmen). Malgré la petite baisse notée ces derniers temps (un Gahooles intéressant mais au final bien guimauve, un Sucker Punch vraiment intéressant, mais hélas trop j’me la pète), on attend Man of Steel de pied ferme, et plein d’espoir. D’ici là, on se concentre aujourd’hui sur sa seconde incursion dans le monde du comic book, à savoir Watchmen.

L’histoire : dans un passé réinventé (les années 80 sous le troisième mandat de Nixon), un membre d’une ancienne équipe de vigilante est assassiné. Alors que croît la menace d’une guerre atomique entre les capitalistes et l’URSS, l’un d’entre eux, Rorchach, tente de rassembler les différents membres de son équipe.

Dire qu’on tient là un miracle dans le monde du blockbuster relève de l’euphémisme. Rarement projet aura été si ambitieux, et le prix de cette ambition se ressent aujourd’hui dans la polémique qu’il continue à susciter. Film de héros sans action qui s’intéresse plus à leur psychologie et leur parcours émotionnel, vision ultra pessimiste de l’humanité, établissement d’un mensonge à l’échelle mondiale avec exécution des dissidents, longueur non négligeable. Les reproches et les éloges sont légions (quand on en arrive au point où les fans du comic critiquent le film parce qu’il est l’adaptation presque parfaite du matériau, sans le développer ni s’en démarquer, on se rend compte de l’énorme travail de fidélité et de compression pour condenser une telle œuvre sur 2H30 (une version longue viendra diluer un peu le rythme, prenant davantage son temps pour développer ses personnages). Watchmen brasse un univers phénoménal, et par essence attractif. Mixage entre vintage 80’s et partis pris modernes (ralentis, effets spéciaux numériques…), il est formellement d’une beauté à couper le souffle, et sert d’écrins à une série de portraits plus ou moins psycho de nos différents personnages. 3 ressortent particulièrement. Le comédien, immédiatement magnétique car prompt à l’excès et assumant complètement sa monstruosité en usant d’un cynisme poussé à l’extrême et d’un humour noir révoltant, est d’ailleurs le premier à bénéficier d’une présentation. Il est en quelque sorte notre porte d’entrée dans ce monde où l’héroïsme tient plus de la pathologie psy que de l’envie de conserver l’ordre établis (sauf pour notre grand méchant, mais nous allons y revenir). Sa noirceur et son rire jaune en font probablement le personnage le plus marquant, au point de rendre son fameux smiley culte et reconnaissable d’entre mille. Le second personnage marquant est évidemment Rorchach. Véritable psychopathe passant son temps à vomir sa haine du monde et à user de la violence sur des personnes diverses, il est également fascinant dans sa principale contradiction, à savoir qu’il continue de vouloir œuvrer pour l’ordre alors qu’il ne cesse d’insister sur le dépérissement de ce dernier, gangréné par une corruption en pleine explosion. Connaissant son parcours humain monstrueux (une enfance traumatisante, le meurtre du pédophile…), le personnage, radical, assène sa vision du monde avec une telle insistance, une telle intensité, que le discours séduit, et qu’il en devient finalement très attachant. Le manichéisme est par essence séducteur, car l’idée est souvent simple, et trouve un champ d’application étendue, aussi un tel personnage, idéaliste à l’extrême usant de la violence la plus crasse, ne peut que marquer durablement. Enfin, le dernier personnage marquant, mon préféré, reste le docteur Manhattan. Véritable dissertation sur le parcours d’un homme devenu pratiquement Dieu (sans l’omniscience, une omission qui permet de le comprendre et d’envisager son point de vue, tout en ménageant le suspense de l’intrigue), il aborde tout un tas de thématiques comme la perte des repères humains comme la fuite du temps, l’importance de la vie, l’anesthésie sentimentale… Il donne la vision d’un dieu oubliant peu à peu qu’il a été homme, il renonce à s’intéresser à leurs enjeux, à leur monde malade (car il finit par mépriser de nombreux côtés humains lui aussi), et finalement il devient une menace pure et simple dans sa totale indifférence. Il est une vision païenne de la divinité particulièrement séduisante sur un plan psy, et se révèle être un sujet de dissertation passionnant (bien qu’il tienne finalement plus de la psychologie que de la théologie). Les autres héros sont nettement plus humains et nettement moins marquant. Un hiboux qui ne se sent viril qu’en costume et un spectre soyeux s’exhibant dans une tenue latex moulante, point barre. Le méchant n’est finalement que peu intéressant (un génie qui se sent seul, il serait temps de téléphoner au Kim Jong Il de Team America), le plan qu’il trace pour l’humanité est en revanche plus intéressant. Politiquement très incorrect, il fait le postulat qu’un gros mensonge impliquant le sacrifice d’une vingtaine de millions de personne et la coopération du docteur Manhattan (qui s’en fout) peut faire sortir le monde de la crise et le faire avancer dans la joie. C’est en effet une remarque intéressante, et dans un contexte de guerre froide poussée à l’extrême (à sa décharge, les missiles intercontinentaux étaient en préparation de lancement) et une porte de sortie séduisante sur le papier. Toutefois, même en déployant de tels moyens, ce plan apparemment parfait ne peut fonctionner. Après l’éclatement des deux blocs, c’est la menace terroriste qui est venue s’ériger comme grand ennemi, et qui a terrifiée le monde en se révélant difficile à localiser. Avec des conflits comme des revendications d’indépendance ou de fanatisme. Des guerres qui n’ont pas de lien direct avec les ressources d’énergie. Or ce beau plan est fondée sur le principe que la guerre est fondée sur la peur de manquer de sources d’énergie pour faire face. Il est donc très incomplet, et permet seulement de désamorcer le conflit bipolaire, créant une menace focalisant les attentions vers autre chose que la Terre et ses occupants. Le film s’arrête hélas avant que ces limites n’apparaissent, et nous laisse en compagnie d’un journaliste qui découvre la vérité dans le journal de Rorchach, s’achevant sur un dilemme qu’il aurait été intéressant de conclure (les vigilantes survivants choisissent de se taire, achetant leur conscience par un bonheur respectif (un mensonge comme ciment amoureux ? ^^)). En l’état, pour la virtuosité de la mise en scène et ses préoccupations aux antipodes du genre héroïque (on est dans un milieu nettement plus sombre qu’un The Dark Knight), Watchmen est une claque dans la gueule, un choc graphique et psychologique qui bénéficie d’un écrin soigné. On peut effectivement lui reprocher d’être long, bavard (le changement brutal de Manhattan évoquant les miracles est presque une arnaque métaphysique), manichéen et j’me la pète (ça va un peu de paire avec le statut de production friquée et le style Snyder), il aborde des sujets passionnants, il ose le politiquement incorrect, et il se révèle être une expérience cinématographique « autre », un statut durable dans le temps (contrairement à 300 qui lui a été réévalué depuis). Un monument dans son genre.

5,2/6

2009
de Zack Snyder
avec Jackie Earle Haley, Patrick Wilson

Il y a des films qui vous font aimer le cinéma. Ce sont les OFNI, les trucs jamais vu et qui s’affranchissent des codes de narration classique pour se lancer dans leur trip. Symbol est un de ceux là, un trip de ouf malade qui, à l’aide d’un concept, parvient à faire l’accession au pouvoir divin la plus absurde jamais faite. Dupieux peut retourner faire de la comédie française !

L’histoire : Alors qu’au Mexique se prépare un petit match de catch insignifiant, un homme se réveille dans une étrange pièce toute blanche, parsemée d’une infinité de zizis d’angelots…

Symbol a cela de fantastique : en partant sur des bases complètement vierges, il parvient à étirer sur 1h40 un concept simple et à nous faire avec sans demeurer trop répétitif. Le début a pourtant de quoi dérouter. Notre homme, enfermé dans une salle blanche sans porte et sans plafond, le trouve pour seul relief qu’un zizi sur l’un des murs, finissant par l’effleurer, des milliers d’anges se mettent à sortir des murs, avant d’y disparaître en laissant poindre leur membre. Déjà, le personnage pète un câble, et on est mort de rire. Puis il se rend compte qu’en appuyant sur ces zigounettes, il peut faire apparaître différents objets dans la pièce. Un excellent concept qui permet donc de s’amuser sur quelques questions de base (manger, boire…). Jusqu’à ce qu’un bouton ouvre une porte dans le mur à l’autre bout de la pièce, mais dont l’ouverture est minutée. Et c’est en rajoutant sans cesse des difficultés et en se montrant créatif que notre personnage prépare son évasion. Maniant sans cesse un humour absurde qui a l’avantage de ne pas devenir lassant, Symbol avance sans cesse, et impossible de se préparer à ce qu’il va arriver par la suite. D’ailleurs, le film ne donne aucunes explications. Est-ce un test (on pense au Cube de Nathali) ? Le lien avec le match de catch se révèle tardif, mais il est déterminant pour montrer que les actions de notre personnage dans la pièce aux zizis commencent à avoir des répercussions sur le monde extérieur. On n’en dit pas plus, mais le dernier quart d’heure, purement expérimental et nous donnant une pêche d’enfer, nous emmène là où l’on n’imaginait pas aller. Et, soit dit en passant, ce film est le premier à oser montrer… la teub de Dieu himself. Enorme séquence absurde à s’en décrocher la mâchoire ! Enorme surprise qui se rend immédiatement attachante auprès du spectateur pour son humour vraiment absurde, Symbol est à recommander chaudement à tous les amateurs de chocs visuels. Ce film (comme les autres réalisations de Matsumoto) est difficile à trouver sur le net, et encore, en VO (japonais) sous titré anglais. Pour en profiter, peut être faudra-t-il attendre quelques temps. Mais le potentiel du film n’en est pas moins là. Un vrai phénomène.

4,7/6

2009
de Hitoshi Matsumoto
avec Hitoshi Matsumoto, Luis Accinelli

Interdit aux moins de 16 ans

Angoisse de Bigas Luna est un film ressorti récemment en pack avec Mad Movie n°250. A première vue, l’histoire se focalisant sur un médecin oculaire qui prélève les yeux de ses patients peut apparaître comme banale. Mais après 20 minutes, le film opère un virage brutal qui vient le propulser dans la catégorie des OFNI, le jeu opéré par le réalisateur se révélant tout simplement passionnant.

L’histoire : Un médecin vivant chez sa mère tue sous son influence ses patients avant de prélever leurs yeux. Jusqu’à ce qu’on se rende compte que ce film n’est pas forcément le film…

Ce qui est génial avec Angoisse, c’est qu’on ne sait jamais vraiment à quoi s’attendre. Le voir au cinéma est clairement la meilleure condition pour assister au film, car la moitié de son intrigue se passe dans un cinéma. Tout d’abord, l’histoire commence avec un médecin ventripotent qui prépare des lentilles pour les clients d’un ophtalmo. L’ambiance de son foyer est gentiment malsaine (elle rappelle un peu celle de The Human Centipede II), jusqu’à ce que le film commence à virer sur la bizarrerie, au cours d’une étrange séquence où la mère se livre à une séance d’hypnose sur son fils. Le thème de la spirale devient alors récurrent, ce qui explique la présence d’escargots dans le film et d’un coquillage. Notre médecin hypnotisé se rend alors chez sa dernière cliente, la tue et prélève ses yeux. C’est pendant cette séquence gore que l’on découvre que cette histoire est un film projeté dans un cinéma. Et que plus le film avance, plus les spectateurs sont mal à l’aise, certains éléments du film se retrouvant dans la salle. On pense d’abord à une sorte de remake de Démons en plus ampoulé, mais la suite du film innove largement. En effet, dans le film du film, le médecin se rend dans une salle de cinéma (où est projeté Le monde perdu de 1916, sympathique film d’aventure), avec la ferme intention de tuer tous les spectateurs. Ainsi, on suit deux niveaux de réalité différents (en plus de la réalité qui veut qu’on regarde ce film) : les spectateurs dans une salle de ciné qui regardent le médecin faire un carnage dans une salle de ciné. Mais alors que les égarements sanglants du médecin commencent, un des spectateurs regardant le film se révèle être un dérangé qui imite le comportement du médecin, à la différence qu’il possède un revolver chargé. A partir de là, Bigas s’essaye à plusieurs mécanismes de peurs à la fois, ajoutant sans cesse de nouvelles pistes à son film pour en faire une œuvre à la fois dérangeante et fascinante. On le dit tout de suite, le film est déstabilisant pour ses différents niveaux de réalités (qui sont toutefois très bien organisés, il n’y a pas une seule incohérence ou ambiguïté à ce niveau) et par la densité de ses effets. En termes d’ambiance, cette Angoisse est l’une des plus perturbantes que j’ai pu voir récemment (ce qui doit expliquer l’interdiction aux moins de 16 ans du film). Toujours est-il qu’en plus d’un gore chirurgical, Angoisse repose sur des acteurs tous excellents, on remarquera notamment les deux adolescentes spectatrices qui remarqueront le manège du psychopathe au silencieux. Nanti d’un bon suspense jusqu’à son dénouement (le générique est une nouvelle mise en abîme des niveaux de réalité qui prend tout son sens dans une salle de cinéma), Angoisse est une très bonne surprise, à découvrir d’urgence.

4.8/6

1987
de Bigas Luna
avec Zelda Rubinstein, Michael Lerner

Shinya Tsukamoto est reconnu comme réalisateur de films punks, à tendance expérimentale, et ayant fréquemment recours à la violence. De toutes ses œuvres, Tetsuo est largement la plus citée, faisant office de monument au panthéon des films expérimentaux, et partant du postulat démentiel de voir un homme se transformer définitivement en machine. Après un premier film incroyablement percutant (un choc lors de la découverte), Tsukamoto décide de se lancer dans une fausse suite en 1992, Tetsuo 2, The body hammer, qui si il reprend le même univers, va traiter son sujet plus sous un angle d’action / film de fou japonais (Meatball Machine semble venir de là). Ce n’est plus une œuvre expérimentale agressive, mais un film cyber punk incontestablement jouissif (c’est d’ailleurs celui qui est le mieux filmé). Et alors qu’on se délectait encore de ces deux perles, voilà que le projet Tetsuo 3, The Bullet man sort pratiquement à l’improviste. Dans ce dernier film, une envie de lisser un peu les contours, même si le résultat final tient globalement plus du 2 que du 1. Les séquences expérimentales sont ici plus rare, éliminées au profit de l’action qui donne par moment carrément dans la gunfight. Toutefois, les accélérés sont beaucoup plus frénétiques, et on peut dire que c’est cette frénésie qui vient redonner du peps à un Tetsuo 2 parfois plus mou. La rage est de nouveau au cœur du film, ce qui fait de ce cru une redite esthétisée et pas déplaisante.

Testuo : Voici un film qui aura hypnotisé on ne sait combien de cinéphiles (pouvant endurer le style expérimental), puisque la force de ses images suffit à motiver le spectateur pour le suivre pendant une heure. Mais quelle heure ! S’appuyant sur une métaphore simple mais efficace (l’homme concassé par la société qui devient une machine), et qui va nous faire partager un véritable trip punk, gore et ultra violent. L’introduction plante d’office les obsessions esthétiques du film : des câbles électriques qui pendent, de la graisse sur les murs, une sensation étouffante de confinement et des décors d’usine. Un inconnu se mutile pour s’enfoncer un tuyau dans la jambe (on voit sur ses murs des dizaines de photos de sportifs, ce qui laisse planer l’idée que l’homme cultive une quête de performance chez le corps humain), avant de piquer un 100 mètres et de finir percuté par une voiture. Arrive la séquence de présentation de notre personnage principal : un gars en costard qui bosse dans un bureau et qui semble ici secoué de gestes désordonnés (une sorte de rage) sur une musique au rythme industrielle. C’est parti. On suit alors le quotidien de ce cadre, complètement formaté à une existence codifiée, méticuleusement pensée et qui ne cède jamais à la moindre folie. La scène devant le miroir, première saillie gore, sera le premier élément perturbateur de la journée du héros. S’ensuit une longue conversation entre notre homme et sa maîtresse, à qui il répète inlassablement la même chose en pensant à ce qu’il pourrait lui faire, sans pour autant passer à l’acte. C’est seulement après que la première manifestation machine organisme aura lieu, sous la forme d’une femme au poignet infecté. Cette scène sera d’ailleurs la première où on découvrira qu’une sorte de démon planqué dans la mécanique (l’instinct ?) investira les corps qui se transforment en machine. Ce premier contact, violent (arrachage d’oreille, plantage de stylo dans la gorge…), laisse entrevoir les futurs séquences marquantes de Tetsuo, à savoir ces fameux plans séquence accélérés où le protagoniste se déplace à toute allure dans les rues de la villes. Au cours de l’affrontement avec la possédée, notre personnage est à son tour contaminé par ce démon mécanique. Commence alors la transformation physique et psychique du héros, qui passe de l’état de victime à celui de monstre. Pour le pétage de câble, on prendra comme référence la séquence où le héros, impuissant, se fait sodomiser par un démon féminin arborant un gigantesque tuyau en guise de phallus. Niveau symboles sexuels, le film ne dose pas ses effets, ne perdant jamais une occasion de revenir à ces symboles pour conserver l’impact viscéral de l’œuvre. Mais cet impact est sans cesse entretenu par la transformation progressive de notre homme en machine, ce dernier arborant bientôt une monstrueuse perceuse à la place de son sexe (sa partenaire, véritable bête de sexe que notre homme ne va pas ménager, en fera les frais). Et bientôt, c’est l’amalgame chaotique entre chair et métal, où tout n’est plus que tuyaux et muscles. Passé ce stade, c’est carrément le mobilier qui se transforme, réorganisant les objets, fusionnant les êtres vivants présents dans les environs (on aura le cas du chat fusionnant avec des ustensiles électro-ménagers et des aliments)… A ce stade, l’incarnation du démon mécanique ne nous surprend plus, mais les séquences qui suivent, graphiquement très fortes, nous conduisent tout droit à la confrontation finale dans un enchevêtrement de câbles, où notre héros mécanique et le démon fusionnent pour former un gros tank qui projette de détruire le monde. Tetsuo, c’est une ambiante démente, dynamisée par une bande originale ultra dynamique et dont les obsessions graphiques accouchent d’une ambiance malade fascinante. N’ayant jamais vu le film en sous-titré, les dialogues restent donc une énigme pour moi. Mais ils me semblent dispensables au vu de la force des images et de la musique, qui créent un extra-ordinaire univers avec peu de chose. Une saga est née.

5.5/6

1988
de Shinya Tsukamoto
avec Tomoro Taguchi, Nobu Kanaoka

Tetsuo 2, the body hammer : Après le succès de Tetsuo, Tsukamoto envisage une suite lorgnant vers quelque chose de différent. Moins violent en tout cas, car le premier constat que l’on puisse faire, c’est que la dimension sexuelle de Tetsuo 2 est très mince. En dehors de quelques plans suggestifs, finie, les séquences de sexe énervées du héros devenant machine. Toutefois, c’est toujours un personnage masculin qui sera au centre de l’histoire. Mais ce n’est plus exactement un brûlot tapant sur l’aliénation d’un individu. Certes, le portrait de famille typique propre sur elle et la carrure du père (homme rangé, conscient de ses responsabilités…) apparaissent comme des gens normaux, un échantillon de masse sans grande aspérité. Mais au cours d’une sortie course, leur fils se fait enlever dans le métro par deux punks (semblant s’être échappés de la matrice), qui font en même temps une injection brutale au père de famille. S’ensuit alors une course poursuite énervée, la caméra bouge beaucoup, mais l’action reste lisible. Le père de famille sera alors considérablement malmené, sans pour autant que la transformation attendue n’apparaisse malgré le traumatisme. Après cette introduction violente, le père tente de se donner une constitution physique plus robuste (sa façade chétive commence un peu à reculer). Mais lors de la seconde tentative d’enlèvement, et de la mort du gosse en question, que la rupture a lieu (une séquence expérimentale assez bien faite). En pleine transformation, notre héros est alors capturé et emmené dans une sorte d’usine où s’activent d’autres personnes comme lui. C’est alors qu’on comprend qu’il s’agit d’une expérience sur la fabrication d’armes humaines, des hommes qui sous l’impulsion de leur rage, pourrait transformer leur corps en arme (c’est la conclusion de Meatball Machine). S’ensuit alors l’évasion de notre body hammer (qui massacrera quelques autres sujets d’expérience moins motivés). Mais à son retour, sa femme brisée (qui le tient pour responsable de la mort de leur enfant) viendra encore renforcer les sentiments contradictoires qu’il éprouve. Mais très vite, l’enlèvement de sa femme vient relancer l’action. Décidément, Tetsuo II marche comme une machine, et il ne veut jamais s’arrêter. S’amorce alors le retour dans l’usine. Au fur et à mesure de ses combats, il se rapproche peu à peu de ses origines, son passé étant inconnu avant ses 8 ans. On en apprendra alors un peu plus sur le chef des hommes armes et sur l’enfance de notre héros, au final cobaye depuis ses plus jeunes années et pouvant être sujet à des crises dévastatrices lors de ses vagues de colère. Le final perpétue alors la tradition tetsuo, organisant cette fois ci un défilé autour du char formé par notre homme, et escorté par tous les autres hommes-armes qui gravitent autour. Si le champ expérimental du film s’est considérablement réduit, Tetsuo II continue de cultiver cet amour pour un univers bruyant, glauque et sale qui semble affranchir les individus de toutes leurs entraves (ce qui passe par la destruction de leur quotidien). Moins hypnotique que son prédécesseur, cet opus propose toutefois quelque chose de différent, élargit un peu son univers et développe des idées intéressantes, qui serviront de base à l’excellent Meatball Machine qui doit beaucoup à ce film.

4.7/6

1992
de Shinya Tsukamoto
avec Tomoro Taguchi, Nobu Kanaoka

Tetsuo, the bullet man : première surprise, Tetsuo the bullet man n’est pas une suite, c’est un remake ! Passé l’angoisse devant cette première constatation, on remarque que Tsukamoto soigne ici beaucoup son esthétique. Celle-ci est glacée pendant l’essentiel du film, il n’y aura que pendant les gunfight qu’on aura droit à un peu de jaune et de rouge. Mais l’ensemble de l’œuvre est cohérente à ce niveau, la teinte bleue de l’ensemble du film parvenant à planter quelque chose de net. La trame de l’histoire est maintenant classique, mais les imperfections de Tetsuo 2  sont ici corrigées. On commence une fois encore avec une famille troublée par des cauchemars, mais unie. Notons d’ailleurs que notre héros est ici un occidental, une première dans la saga. Sortant avec son gamin pour se promener, ce dernier est volontairement heurté par un pystérieux chauffard, qui le traîne sur 50 mètres. Le choc est brutal, et c’est le premier pétage de câble (graphiquement, c’est le même que l’introduction de Tetsuo I) et l’amorce de l’histoire. Le chauffard s’étant enfui, la femme de notre héros ne cesse de le harceler moralement pour qu’il venge la mort de leur gamin. Notre homme sent ses nerfs qui se tendent un peu plus à chaque heure. Mais la transformation ne commence que lorsque sa femme le quitte. C’est alors que débarque un tueur qui abat froidement notre héros en pleine métamorphose. Son corps est récupéré alors par le chauffard qui avait écrasé l’enfant quelques jours plus tôt. Notre héros (qui en fait n’était pas mort), s’attaque à la voiture, empli d’une rage qui n’a d’égale que la puissance de la musique de la scène. Autant dire qu’il massacre littéralement la bagnole en métamorphosant son corps. Dès sa première transformation, c’est la machine à tuer. Différence notable avec Tetsuo II : une fois transformé, la métamorphose semble se maintenir. Sous cet état, notre héros devient de plus en plus instable, étant sujet à des crises de frénésie qui seront filmées avec une hargne rare. Les gunfights sont difficilement lisibles (la caméra bouge vraiment dans tous les sens), mais on sent qu’une énergie phénoménale circule dans le film, accompagnant le personnage dans sa quête de vengeance et de son passé. Concernant ce dernier, on ne sera pas vraiment surpris d’apprendre que son père était scientifique et qu’il a servi de cobaye lui aussi à des expériences d’armes humaines (le projet tetsuo). Toutefois, le héros bénéficie ic d’un maquillage qui évolue constamment au cours du film, finissant par ressembler à un monstre insectoïde recouvert de métal, et osant dans son dernier acte devenir une arme de destruction ultime : carrément une bombe H ! Carrément plus puissant que les autres films. Cependant, ce nouveau Tetsuo, à part soigner son esthétique, ne s’est pas lancé dans des thèmes nouveaux, et n’a pas vraiment inventé la poudre. Toutefois, il mérite vraiment qu’on s’intéresse à son cas, au moins pour un épilogue qui nous ramène au point de départ (chose complètement hors de propos pour Tetsuo 1, et qui était à peine esquissée dans Tetsuo 2). Le calme après la tempête ? Toujours est-il que la beauté de ce nouveau chapitre mérite largement qu’on s’y égare, et que le traitement de Tsukamoto restant aussi enragé que pour ses autres oeuvres, s'en priver serait un péché mortel. Démentiel !

5/6

2009
de Shinya Tsukamoto
avec Eric Bossick, Akiko Monou