Abel Ferrara est plutôt connu pour son cinéma provoquant et violent, qui aime jouer avec son spectateur tout en libérant son contenu. Si il traitait du féminisme en faisant tirer une mannequin sur n’importe quel type dans la rue, il se livrait à une dénonciation de l’endoctrinement d’une ville fréquentée par des militaires dans Body Snatchers. Avec Bad Lieutenant, Abel Ferrara fait son Dirty Harry, en allant beaucoup plus loin, puisqu’il traite d’un flic pourri jusqu’à l’os. Un scandale certes mérité, pour finalement confronter moralité chrétienne au monde de la rue.

L’histoire : Le quotidien d’un lieutenant de police toxico, obsédé sexuel et pourri jusqu’à l’os. Un jour, il est amené à se pencher sur le cas d’une religieuse violée dans une église.

Clairement, Abel Ferrara ne cherche pas à nous ménager avec son personnage principal, qui s’impose immédiatement comme un des pires pourris qu’on ait pu voir au cinéma. Oubliez Thierry Lhermitte et Phillipe Noiret, on tient un poisson d’une toute autre espèce. Cherchant toujours un moyen de se faire du fric sur des scènes de crime, notre lieutenant varie son quotidien entre ses paris sportifs, ses petites magouilles, ses maîtresses et les drogues dures. En jonglant avec sa vie de famille (il est père de 2 enfants qu’il élève à la dure). Et malgré sa vie constamment dissolue (la façon complètement cynique qu’il a de voir sa vie et ses travers rajoute encore une couche d’hypocrisie sur le gâteau), il continue de se revendiquer chrétien, il va à la messe et se dit protégé par le Seigneur. Indubitablement, Ferrara cherche donc à l’opposer à la morale chrétienne, qui sera incarnée ici par une religieuse atrocement violée dans une église qui sera par la suite profanée. L’usage récurent de symboles chrétiens dans la mise en scène est d’abord intriguant, le film s’étant dès le départ engagé dans une voie amorale (voire douteuse si l’on en juge par certaines scènes choc du film : le chantage des deux adolescentes devant lesquelles notre lieutenant fera ce qu’il sait faire de mieux, scène autant absurde que traumatisante). Mais rapidement, on voit que notre héros se retrouve de plus en plus confronté à la morale qu’il transgresse tous les jours. Et que malgré une volonté naissante pour tendre à nouveau vers elle, il ne parviendra jamais à s’y conformer. D’abord par son mode de vie qui l’a toujours habitué à faire usage de la force (si il ne tue pas, son impulsivité le rend parfois très violent), et surtout par son incompréhension totale de cette dernière. C’est simple, au cours d’une scène réellement poignante, notre personnage pète tout simplement un câble en n’arrivant pas à comprendre comment une femme peut pardonner à deux hommes un acte aussi atroce que celui qu’elle a vécu. La rue prône la loi du talion, et pourtant, quelque chose qu’il ne respectait pas au début et qui a pris peu à peu de l’importance dans son esprit, se révèle carrément plus noble que de laver son honneur. Est-ce folie que d’agir de la sorte, ou serait-ce le début d’une rédemption ? Si on se réfère à l'ouverture du film (le père de famille agressif emmenant ses enfants à l'école) et à sa fin (l'inspecteur emmenant les deux violeurs à la station de bus), on penche vraiment pour la seconde proposition, bien que la situation ne dure pas. Le film préfèrera ne pas clore vraiment cette question par un plan séquence ma foi simple, mais efficace. Concernant le casting, rarement Harvey Keithel m’a autant impressionné. C’est simple : il est devenu sous mes yeux une des plus belles ordures qu’on ait pu voir au cinéma. Quant à la réalisation d’Abel Ferrara, elle est largement à la hauteur. Eclairage parfait (je pense beaucoup aux films de Brian de Palma techniquement parlant), bande originale qui recherche le décalage avec les situations filmées, quand elle ne cède pas au silence les séquences émotionnelles les plus fortes. Bref, on tient là un vrai petit bijou qui ne recherche jamais à imposer une vision moralisatrice et qui nous fera un portrait finalement complet d’un pourri dans son quotidien et dans ses vestiges de sentiments.

5/6

1992
de Abel Ferrara
avec Harvey Keitel, Frankie Thorn

Avec Drive, Winding Refn gagne le prix de la mise en scène à Canne (de Niro et son passif des films de gangsters ne doit pas y être étranger). La critique est emballée, le monde attend fiévreusement la sortie de l'objet, qui a lieu le mercredi  5 octobre 2011. Les critiques sont dithyrambiques, tant du côté de la presse que du public. Ma qué ! Un thriller/action primé à Canne qui déclenche autant de bons sentiments, ça ne doit pas se rater. C'est aussi l'occasion de prendre un peu de recul et de comparer ce nouvel essai à la saga Pusher, La véritable contribution au film de gangster de Refn. Dépassionnons le débat et attaquons nous à ce qui pourrait être un film surestimé en cette année 2011.

L'histoire : Un homme travaille le jour comme réparateur dans un garage (en faisant régulièrement quelques cascades pour le cinéma), et fait régulièrement quelques coups le soir comme conducteur pour des braqueurs.

Avec un script pareil, n'importe quel fan de cinéma serait susceptible de casser sa tirelire pour aller s'offrir une place pour une authentique séance 2D, où l'on va voir de l'action, de la violence, du cinéma dans le cinéma... Bref un spectacle qui promet de nous en mettre pleins les mirettes. Seulement, tout n'est pas parfait dans Drive. A commencer par son étiquette : Drive n'est absolument pas un film d'action. Jamais il n'y aura de l'action dans ce film. Il n'y aura au final que 2 courses poursuites, qui dureront chacune moins de 5 minutes. Un peu light pour l'étiquette action. En fait, les publicitaires ont eu la main un peu lourde et ont tenté d'en faire l'évènement de l'année (un film Cannois divertissant : le pactole !) alors que c'est simplement un bon film. Bon film, car les interprètes hauts en couleur du casting (Ryan Gosling, Carey Mulligan...) entrent merveilleusement dans la peau des personnages. Et à ce titre, on aura un magnifique aperçu de l'excellent travail de direction d'acteur de Refn. Limitant ses dialogues au strict minimum (son héros ne répond jamais quand il n'y a pas besoin, un sourire ou un silence suffisent), il rend son héros charismatique au possible, donnant une illustration on ne peut plus classique du beau mâle sincère et sensible, avec un tact qui fait littéralement fondre le public (les réactions dans la salle étaient éloquentes). La maîtrise de Refn se voit aussi dans l'image : ce film est tout simplement le plus beau de sa filmographie, supplantant les étendues froides d'un Valhalla Rising plastiquement parfait par une chaleur présente dans chaque plan. Magnifiquement éclairé, magnifiquement contrasté, magnifiquement cadré, ce film est un bonheur pour les amateurs d'objets bien fait. Pour simple exemple, une rivière polluée sur un coucher de soleil banlieusard devient un havre de paix pendant quelques minutes.  A vrai dire, ce qui m'a déçu dans ce film, c'est qu'il a été un peu trop vanté par la presse. Le scénario est moins dense que n'importe quel épisode de Pusher. Le résumé qu'on nous donne à l'entrée de la salle, il résume une heure de film. Les choses ne commencent à déraper (comme promis) qu'une heure après le début du film. Et pendant cette heure, on nous caractérise des personnages et on les fait gentiment interagir entre eux. C'est plastiquement beau, et permet d'exposer les sentiments de chacuns, mais on est loin de l'action promise, et encore moins du thriller. Le film est donc hétérogène dans son écriture, ce qui est dommage pour ceux qui connaissent la saga Pusher (et connaissent donc les capacités de Refn sur ce type de projet). Mais une fois cette introduction d'une heure écoulée, le film ne s'arrête plus. C'est un déluge de violence, des règlements de compte à tours de bras, de la virtuosité passant d'un calme total à un énervement qui impressionne. Drive arrive enfin, même si c'est pas au volant d'une bagnole (ne vous attendez pas à des scènes de conduites impressionnantes, le film les illustre à peine). Le visage dur du héros, dont on eut un bref aperçu du potentiel au cours d'un dialogue de bar de deux répliques, ressurgit comme un volcan et brûle tout le monde. Une histoire de mafia arrive sur le tapis, et tout le monde veut faire son ménage partout. Enfin, de la tension, des enjeux humains dramatiques (qui en une scène annihileront tous les tendres sentiments que l'heure précédente du film avait patiemment monté), et des scènes de boucheries à la hauteur de nos attentes (décharge de fusil à pompe en pleine tempe, barreau de douche dans la gorge, poignradage à la fourchette...). La violence pleut, et le héros silencieux devient un être impitoyable qui tentera de régler la situation aussi simplement que possible. Il a besoin d'un renseignement, il débarque chez le gars avec un marteau et lui explose la main avant de poser la moindre question. Des principes simples. Mais malheureusement, cette partie, la plus rythmée du film (pendant quarantes minutes, ça n'arrête pas), est aussi la plus basique. Si la violence surprend, l'histoire ne le fera vraiment jamais. Ce final, assez ambitieux dans sa forme (face à face final du grand méchant et du conducteur pour régler le problème), filmé sur le sol où l'on voit les ombres de nos personnages qui évoluent, débouche sur une fin un peu trop abrupte pour conclure. Ce qui est bien dommage quand on sait que chaque Pusher avait un plan final qui concluait parfaitement sur le sujet du film. Drive est donc un thriller un peu en demi teinte, dont les qualités formelles excellentes (l'image enterre n'importe quel block buster) parviennent à éclipser ses quelques défauts. Refn a fait du bon travail, parvenant à capter avec une précision millimétrée les émotions de ses protagonistes. Dommage que son film ait été un peu trop mis en avant, mais le spectacle reste largement convaincant pour justifier un aller en salles.

4.5/6

2011
de Nicolas Winding Refn
avec Ryan Gosling, Carey Mulligan

Ai vu le film suite à la critique dithyrambique de Ze Ring. Le dernier film de Sergio Leone, donc. Une œuvre définitive, qui clôt sa carrière dans un dernier cri d’amour au cinéma. On voit le film (ici, dans une version courte de 3 heures), et si on sent quelques coupures, on sent quand même que Leone était un géni du septième art. Avec une mise en scène très classique, un sens du drame adapté à chaque situation et une violence frontale, Leone fait une peinture crédible d’une jeunesse juive tentant de survivre dans un ghetto en pleine période de prohibition, puis de leur ascension dans le monde du crime organisé. Avec des brochettes d’excellents acteurs, voilà un spectacle qu’il ne faut rater pour rien au monde.

L’histoire : Nathan Aaronson, surnommé Noodles, revint à New York afin de récupérer de l’argent qui a mystérieusement disparu. Nous découvrirons aussi son histoire avec Max et d’autres enfants du ghetto dans lequel il vivait.

Dès le début du film (qui s’ouvre sur la recherche de Noodles par des professionnels, qui tuent sa femme avant de torturer un de ses amis pour obtenir l’adresse de sa planque), on sent qu’on va avoir droit à un spectacle de qualité, car sans concessions (la violence foudroie dès qu’elle apparaît, on regrettera juste un sang parfois un peu trop « peinture ») et filmé avec une mise en scène qui en impose. Avec un casting aussi fourni que Robert e Niro, James Wood, Joe Pesci, Burt Young, Elisabeth McGovern…, on s’attend à un enchantement de tous les instants. Et c’est ce miracle qui se produit. Procédons par ordre chronologique. L’enfance de Noodles est une partie particulièrement intéressante du film, car retranscrivant admirablement l’ambiance d’un ghetto juif en pleine période de prohibition. Les conditions sont précaires, l’enfance se déroule dans la rue, où les gamins apprennent par eux même (et tombent facilement dans l’illégalité), l’amoralité fait loi… Les temps sont durs et le spectateur croit à ce qu’il voit. C’est surtout pendant cette période que le réalisateur pose les bases des icônes qu’il va faire peu à peu évoluer. Noodles veut devenir quelqu’un, à la fois pour satisfaire ses ambitions personnelles, mais aussi pour séduire une fille dans son proche entourage, danseuse qui le laisse l’observer pendant ses exercices de danse. Leur relation, plus complexe qu’il n’y paraît (et qui perdurera jusque dans les années mûres de notre personnage), occupera une bonne part du registre sentimental qui nous sera délivré par le film, étant une grande source de frustration pour notre personnage central. Parallèlement à cette intrigue amoureuse, on suivra aussi les progrès de Max, Noodles et de trois autres jeunes garçons qui envisagent de plus en plus leur carrière professionnelle dans le monde de la contrebande. Commençant sobrement par fait chanter un flic, ils commencent peu à peu à agir dans le milieu, ce qui n’est pas du goût de la bande déjà en place. Avec un parcours aussi tragique que réaliste, on suit cette bande d’amis sur de nombreuses années, jusqu’à leur passage à l’état adulte (la sortie de prison de l’un d’entre eux) et leur réelle carrière dans le milieu. Faisant constamment évoluer l’intrigue, Leone fait preuve d’un réel souci de détail, qui frappe par sa justesse (notamment lors du nouveau face à face entre Noodles et son aimée) et son authenticité. Si les femmes resteront surtout cantonnées au registre sentimental ou purement sexuel, leur présence dans le film marque, chacune y jouant un rôle capital. Le grand intérêt du film, c’est qu’il nous permet de suivre nos protagonistes pendant toute une vie. Et peu de films se sont employés à le faire, la préparation d’un tel projet relevant du cauchemar technique (ce film a nécessité 15 ans de préparation et de tournage). On a l’opportunité unique de suivre un parcours de gangster depuis une jeunesse jusqu’à un âge mûr où le bonhomme, mûri, peut jeter un regard sur sa vie. Avec un dénouement qui se permet un dernier rebondissement avant de nous quitter sur une note ultra nostalgique, le film se conclut merveilleusement bien, conscient de nous avoir donner une fresque gigantesque que nous contemplerons pendant encore bien des années. Seul reproche que je puisse faire : mon édition dvd ne montrant que la version cinéma de 3 heures, on sent par moments de grosses coupures. Plusieurs dialogues qui s’enchaînent mal, quelques ellipses qui ne favorisent pas la compréhension immédiate (la mort de Max est par exemple une grosse déception, étant simplement rapportée par un second rôle alors qu’il était clairement le personnage le plus important du film). Les coupes sont donc trop nettes pour passer, mais le spectacle a su conserver assez d’ampleur pour nous régaler d’une vie entière. Un vrai travail, c’est indéniable, et un numéro d’acteur si bien exécuté qu’il rejoint immédiatement les scorcese dans ma liste des meilleurs films de gangsters.

6/6

1984
de Sergio Leone
avec Robert De Niro, James Woods

Soderbergh a toujours été un réalisateur perfectionniste, qui aime bien lécher ses films afin de ne laisser aucune aspérité gâcher ses confections. Si ça fonctionnait parfaitement avec l’excellent Kafka (un film certes auteurisant, mais magnifiquement réussi car reproduisant fidèlement les messages et les ambiances de l’auteur), qu’en est il de ses films qui sont prévu pour un plus grand public ? J’en par là bien sûr la saga des Ocean’s, qu’on m’a toujours présenté comme un must de la série des films de gangsters. Après vérification, on peut dire… que non.

Ocean’s Eleven : Intéressant de commencer sur de bonnes bases. Le film se présente en effet comme une honnête entreprise au départ, en présentant George Clonney comme un braqueur né, embobineur à souhait, qui dès sa sortie de prison recommence à magouiller pour retrouver son ancienne vie de luxe. A ce propos, on remarquera combien les enjeux moraux sont vite évincés de la course, car il risquerait de ternir l’image de nos héros (si c’est pas dommage, ça !). Bref, passons sur l’amoralité et concentrons nous sur le casting. C’est carrément du pur premium, affichant des glorieux noms comme Pitt, Damon et Clonney ! Là, Soderbergh ne fait pas les choses à moitié et montre de bonnes ambitions pour nous offrir un spectacle à la hauteur. Mais voilà : le spectacle, on l’attend un peu quand même. On assiste à la planification d’un gros coup. Il faut donc récolter un maximum d’informations, et ça prend du temps. Pendant ce temps, Pitt et Clonney se constituent leur équipe comme dans les missions impossibles, Cruise en moins. Une fois le braquage engagé, ça devient intéressant, une sorte de petit suspense commençant vraiment à prendre. Moi, je me foutais un peu des braqueurs (ce que Soderbergh ne voulait absolument pas, tant il prend de temps et de peine à les caractériser) et de leurs dialogues sympathiques, je voulais du suspense en plus d’un petit goût pour l’aventure. Ca arrive enfin lors de la deuxième moitié, avec quelques séquences de suspense amusantes et un twist attendu mais efficace. Alors oui, les personnages ont la classe. Ils en mettent d’ailleurs pleins la vue, ayant rarement l’occasion d’interpréter des personnages aussi cools. La mise en scène efficace, la photographie de qualité sont autant d’arguments techniques convaincants pour la défense du film. Mais quand même, y avait-il besoin de faire un tel ramdam autour de ce projet ? C’est bêtement un film de braquage, pas plus intelligent, plus soigné ou plus jouissif que les autres ! C’est un travail honnête avec un casting compétent, mais ça ne va pas vraiment plus loin. Pour ma part, je trouve le film moyen, bien qu’il reste de loin le plus sobre de la saga.

3.5/6

de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Brad Pitt

Ocean’s twelve : Alors toi, je ne vais pas te rater. Incontestablement, on tient ici le pire film de la saga, pour ne pas dire de la filmo de Soderbergh (avec le chiantissime Girlfriend experience). Il reprend les ingrédients du premier épisode, mais il en multiplie certains aspects à puissance 1000, ce qui crée des scènes monstrueuses, tant en bien qu’en mal. De mon point de vue, c’est plutôt en mal. Reprenons le casting. Déjà, on retrouve notre oiseau plumé du premier film, qui compte bien ici récupérer son pognon à tout prix. Mais si ce point de départ pouvait se révéler amusant, il sera bien vite esquivé pour préférer une nouvelle direction infiniment plus prétentieuse que le premier volet : le vol et le trafic d’art. Et qui voit-on arriver sur son beau bateau les cheveux flottant au vent ? Cassel en personne, un braqueur français qu’on va se faire un plaisir de ridiculiser, car les meilleurs braqueurs sont les américains. Dès son apparition (où il cabotine comme un forcené), on sent que le film va partir en cacahouète dans une surenchère stupide de braquage. C’est peu de l’écrire, les enjeux se révélant d’une bêtise inversement proportionnelle au degré de sophistication abrutissant des astuces déployées pour assurer le spectacle. Hologrammes improbables, copies, coffres forts hyper sophistiqués, tout y passe, sans que l’immense surenchère parvienne à impressionner votre critique décrivant fébrilement son ressenti. A vrais dire, le comble, c’est quand Cassel fait son braquage en dansant du hip-hop en rythme au milieu des lasers de la pièce, inscrutés dans pas mal d’objets d’arts du musée. La scène, d’un ridicule égalant la prétention, achève définitivement le peu de sérieux qu’on pouvait prêter au film, en en faisant définitivement u n block buster de casting purement ludique où le mieux payé sera celui qui cabotinera le plus. Comme on l’attendait, le français se fait avoir comme une merde (on sentait venir le coup trente minutes à l’avance) et nos héros gagnent encore une somme mirobolante en prime, vu qu’ils ont fait ça surtout pour prouver on ne sait quoi aux français. Bref, ce film, il faut le regarder comme un divertissement régressif injustement complexifié, avec des gags cools rapidement insupportables et des stars qui n’en font qu’à leur tête. Soderbergh, tu as gâché ta saga en beauté.

1/6

de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Brad Pitt

Ocean’s Thirteen : Lors de l’opus précédent, je m’étais farouchement opposé au cabotinage omniprésent des acteurs. J’aurais dû préciser : « cabotinage omniprésents des acteurs qui ne sont pas intéressants en l’état ». En effet, ce nouvel opus, encore moins sobre que son précédent, est parvenu à remporter mon adhésion à l’aide d’un seul acteur : Al Pacino. Ce dernier se livre à un vrai numéro de cabotinage en magnat de l’immobilier de luxe et directeur de casino obnubilé par le détail, et dont on aura droit à toutes les frasques pendant une bonne demi-heure sur les deux longues heures du film. Son charisme fait feu de tout bois et il déchaîne vraiment notre hilarité avec ses perpétuelles frasques sur le monde du luxe (le portable en or  est une idée assez intéressante, certains modèles de portables atteignant eux aussi des coûts aussi scandaleux). Au niveau du casting, on se lâche à fond, en reprenant bien sûr nos précédents héros et leur refilant une nouvelle équipe de cabotins sur les bras. Heureusement qu’Al Pacino les éclipse un peu parce que sinon, c’est vraiment pas la joie. Particulièrement pour Don Cheadle, qui ne peut pas s’empêcher de faire son mariole de service en face d’un Pacino bien plus crédible que lui. On ne parlera même pas du plan, totalement foireux et tournant totalement au ridicule (maintenant, on utilise une foreuse d’une centaine de tonnes pour déclencher les alarmes du building… Sans commentaires). Y a pas à dire, le projet se vautre complètement dans le portnawak en essayant de se rendre sympathique auprès des joueurs, enchaînant les dialogues humoristiques faisant interagir les stars avec des saynettes de gentil banditisme sensées préparer le plan final. L’apparition guest star de Cassel ne dépareille pas avec l’ensemble du film. Il passe simplement pour avoir à nouveau l’air con, en se faisant entuber de la même manière que le film précédent. Nos héros s’assoient d’ailleurs à nouveau sur la moralité en s’engageant auprès de leur ancienne victime, et en ruinant totalement un magnat du grand luxe… en se remplissant les poches pour à nouveau mener une vie luxueuse. Qu’il est plaisant d’avoir des fins de la sorte. Au bord de la contradiction, j’aime décidément ce film qui contient dès lors tous les excès et les dérives qu’un tel projet pouvait susciter. Les designs luxueux de l’hôtel sont d’ailleurs assez appréciables, les décors étant alors d’un raffinement enfin digne de la direction de Soderbergh. En résumé, c’est le plus outrancier des films de la saga, mais aussi un des plus attachants. En faisant la somme, on tombe pile sur la moyenne !

3/6

de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Brad Pitt

"Me boss, you not !"