Michele Soavi est un réalisateur qui a fait ses premiers pas sous les yeux de Dario Argento, avant de s’émanciper et de tourner ses propres films de son côté (en conservant Dario comme producteur). Si certaines de ses créations sont devenues cultes (le surprenant Bloody Bird et le cultissime Dellamorte Dellamore), nombre de ses travaux restent de petits films méconnus, dont les noms obscurs n’évoqueront quelques choses qu’aux bisseux les plus passionnés. La setta fait partie de ceux là, et comme on pouvait s’y attendre, l’avis du spectateur restera partagé. D’un côté, le film a d’excellentes idées, mais de l’autre il les disperse dans une histoire un peu vague de secte satanique. Gros sur une petite curiosité bis des années 90.

L’histoire : une jeune femme renverse un clochard en voiture, et décide de le garder chez elle pour le soigner. Mais le clochard en question est un apôtre de Satan…

Et Paf, voilà qu’on nous propulse dans une histoire de secte satanique qui veut donner naissance au fils du Diable, et qui par conséquent doit trouver une femme pour la période de gestation. Et ils n’ont pas mauvais goût, puisqu’ils se tournent vers la personne de Kelly Curtis, joli brin de femme, institutrice et au cœur sur la main (pour accepter sous son toit un clochard qui roule des yeux avec des sous-entendus mystiques, faut être très généreux). Néanmoins, le film réussit à intriguer le spectateur, notamment avec des scènes complètement folles qui attisent l’imagination. L’introduction du film est en cela plutôt réussie, nous offrant direct quelques meurtres gratinés (un hippie satanique qui massacre une communauté peace and love, des citoyens manipulés par le démon qui s’entre-tuent (le coup du pique-pocket qui tire d’une poche un cœur humain…)) et un climat propice à faire une œuvre sympathique, bien que l’on sente la réalisation un peu plus bordélique qu’un Argento. Et le film arrive à tirer quelques épingles du jeu, notamment avec une scène de rêve totalement intrigante (une balade en forêt bien éclairée aboutissant à un chêne recouvert d’objets mystiques sur lequel est attaché une victime sacrificielle) et un égout douteux dont s’échappe un liquide bleu qui n’arrête pas d’aller contaminer l’eau de la demoiselle. Après, le film se perd évidemment un peu, pas souvent très clair sur les motivations de ses sataniques (faire le mal, c’est bien, mais si on connaissait un peu leur plan…) ni sur les symboliques qu’il manipule (le thème des insectes revient souvent, sans qu’on comprenne vraiment pourquoi). En fait, je pense qu’il faut prendre ce film comme un petit divertissement horrorifique tel qu’on le pressentait, et l’on pourra ainsi profiter que quelques scènes bien faites (l’arrachage de visage vous rappellera brièvement la douce saveur d’Hellraiser), même si côté secte satanique, on préfèrera nettement l’excellent La secte sans nom. Finalement, La setta est un petit divertissement attachant, mais lourdement handicapé par des dialogues pas toujours utiles (ni pertinent, bien que certains tentent de planter une ambiance mystique) et par une durée beaucoup trop grande d’une heure cinquante. Clairement, 20 minutes de moins aurait permis de condenser un peu tout ça, mais en l’état, on subira quelques temps morts dont on se serait bien passé. Dans tous les cas, on reconnaitra la patte de Soavi, et pour peu qu’on apprécie le bonhomme, ce film devrait être un moment de détente plutôt agréable. Une bisserie sans prétentions.

3/6

1991
de Michele Soavi
avec Kelly Curtis, Herbert Lom

Encore une sélection Mad Movies au compteur ! Ecorché vif, de Gabe Barthalos. Et vu l'affiche, ça ne doivent pa être des tendres. Qu'est-ce qui peut bien distinguer cette bisserie d'un Massacre à la tronçonneuse lambda ? Tout simplement l'ambiance, du récit, son rythme, ses intentions, ses thèmes... Bref, à peu près tout ce qui apparaît à l'écran. Aussi surprenant que cela puisse paraître, le film s'aventure sur des terrains totalement inconnus, le film ne s'enfermant jamais dans une sous-catégorie de l'horreur. C'est pas ce que l'on pourrait appeler un chef d'oeuvre ?

L'histoire : Tina et sa famille roulent sur une route déserte d'un coin peaumé des USA. Ils crèvent un pneu, mais trouvent à proximité une station service, où la vendeuse leur conseille d'aller attendre le réparateur à son garage personnel, tout au bout du petit chemin perdu sur la gauche...

Le film ne cherche jamais à créer la surprise. Pas à ses débuts en tout cas. Si Massacre à la Tronçonneuse mettait en scène des ploucs en apparence normaux qu'on retrouvait après dans la famille de tordus, les membres ne font ici jamais illusion. On sait immédiatement qui est taré et qui ne l'est pas. Les gros plans sur des visages souriants parlant avec des sous entendus gros comme des ovnis prouvent bien une chose, le réalisateur ne cherche pas à nous surprendre. Il commence sous l'angle putassier du Survival, en dévoilant une famille totalement tarée avec des personnages ultra-personnalisé (le tueur de l'affiche bien sûr, mais aussi la mère faussement gentille, le nain lanceur d'assiettes aiguisées (Warwick Davis, qu'on retrouve avec plaisir dans un rôle aux antipodes de ses prestations pour Willow), le fils au cortex surdimensionné...). La famille gentille est massacrée en quelques minutes, à l'exception de Tina, adoptée par le jeune fils de la famille. Et c'est là que le film commence à nous perdre. Car à partir de cet instant, il expérimente. Par vraiment visuellement (les ambiances restent assez proche du kitch morbide d'un Tobe Hooper), mais avec ses personnages. Impossible de ne pas penser à David Lynch (mélange malade d'Eraser head et d'Elephant man) avec cet ado dont le cerveau fait à peu près sa largeur, et qui sort en grande partie de sa boîte cranienne. Et quand cette dernière éclatera (on attends que ça dès qu'on découvre sa difformité), elle laissera échappé des cubes à lettres qui iront formé un message pour Tina. De tels détails, totalement surréalistes, contribuent à créer une ambiance très étrange. Ce qui ne fait pas oublier les énormes maladresses du film, pas plus que ses fautes de goûts. Le tueur de la jaquette voit ses proies avec une distance (enfin, un chiffre qui change) mais cette dernière varie trop vite, et l'image est filmée de trop près pour faire illusion. Beaucoup d'acteurs jouent enfin comme des tartelettes, récitant leur texte sur un ton vide d'émotion, qui ma foi sied très mal au registre du survival. Un gros manque de budget se fait aussi sentir dans pas mal de scènes (certains trucages font de la peine tant ils sont ratés. Mais dans l'essentiel, les intentions de l'auteur sont remplies : faire un film de tarés. Le thème de la famille y tient une place prépondérante, Tina étant privée de la sienne rapidement, et cette nouvelle famille de psychopathe essayant de faire de Tina une des leurs. Prétexte à des scènes trashs, mais qui font appel à un registre d'émotions plus subtils que les survivals classiques (où tout est une question de survie). Difficile d'ailleurs de ne pas être interloqué par quelques séquences, notamment dans une cave où Tina se retrouve face à un corps privé de tête réclamant qu'on lui voue un culte. Le film part alors dans un trip morbido-divin dérivant peu à peu vers la secte hippie type Charles Manson (quelques paroles seront éloquentes à ce sujet). Impossible à décrire, c'est un film qu'il faut tout simplement avoir vu pour comprendre de quoi on parle. Et comme il expérimente des trucs complètement fous (le combat entre un septuagénaire et l'un des psychopathe est un moment de folie totale). La fin ne surprendra personne (pour tout dire, on s'y attend dès les 5 premières minutes du film), mais ce n'est clairement pas la fin qui fait le sel de ce cru. Avec des ambiances et des obsessions sortant clairement des canons habituels du genre horrorifique, Ecorché vif est une petite surprise, un film torturé et malsain qui va jusqu'au bout des fantasmes de son auteur, quitte à nous perdre dans les gigantesques méandres de son trip cheapos. Pour une série B dont on n'attendait pas grand chose, le constat appelle à une certaine clémence tant les intentions sont modestes. Rajoutons à ça l'anecdote de l'arrestation d'un acteur, celui avec la grosse tête, qui a courru nu dans les rues à une heure de grande fréquentation pour les besoins du film.

3.5/6

2004
de Gabriel Bartalos
avec Forrest J. Ackerman, Eric Bennett

Triple dose de zombie en un soir ! Et pas un succédané de seconde zone type Plane dead (qui reste un film regardable), mais une authentique saga qui possède déjà une réputation culte : le Retour des Morts vivants. Avec un premier opus en 1984, Dan O’Bannon fait son petit effet dans le monde de la série B en proposant ce qui deviendra le cliché du zombie d’Halloween (sortant des cimetières, déambulant en criant « Cerveaux, cerveaux ! »…). Petit bijou à cheval entre la bonne série B et le nanar assumé, Le retour des morts vivants marque, au point d’entamer une saga lors de l’arrivée de sa séquelle, dirigée par Ken Wiederhorn en 1987. Surprise, le spectacle se révèle tout aussi sympathique, le léger manque d’effets spéciaux étant compensé par un humour omniprésent et des acteurs en cabotinage perpétuel. Enfin, Brian Yuzna vient y mettre son grain de sel dans le mémorable troisième opus, qui surfe sur la vague de la gothique sexy avec une réelle générosité (c’est clairement le plus gore de toute la saga). Le spectacle prend une ampleur démesurée, faisant du pied à un amour impossible type Roméo et Juliette, et sombre plus ou moins volontairement dans le nanar horrorifique, véritable marque de la saga. A noter que deux autres suites ont vu le jour, respectivement réalisées par Ellory Elkayem en 2005 et en 2005, qui jouissent d’une réputation tellement exécrable (100% de 0,5 étoiles sur allociné) que je n’ai osé les incorporer dans l’article. Arrêtons-nous au troisième, ça sera déjà amplement suffisant.

Le retour des morts vivants : En effet, quoi de plus jubilatoire qu’une suite au chef d’œuvre de Romero La nuit des Morts-Vivants, qui y fait directement allusion en détruisant ses règles élémentaires (le météore tombé sur terre, la balle dans la tête…) pour en créer de nouvelles ? Jouissif de bout en bout, le projet se veut être le penchant divertissant du cinéma zombie, en proposant des personnages facilement identifiables, de l’humour à la pelle et du mauvais goût comme on l’aime. Et vas-y que je t’envois une troupe de skin head drogués ravagés du bulbe, qui vont profaner un cimetière en attendant le copain d’une de leur membre. Le réalisateur n’hésite à en mettre une carrément nue en train de danser sur une tombe. Racoleur sans limite, le film l’est aussi dans ses maquillages qui ont quand même la part belle (et ça, c’est ce qui fait une bonne part de son capital sympathie, les maquillages en latex réussis faisant toujours bonne impression de nos jours). Le script se veut d’une inventivité qui égale sa débilité, ce qui donne lieu à des séquences aussi inattendues que la contamination complète du cimetière, initiées par les fumées de combustion d’un zombie qui retombent sous forme de pluie acide. Parfaitement conscient  de son registre parodique, Le retour des morts vivants n’en impressionne pas moins par ses mangeurs de chair réellement immortels, et par un script qui rebondit perpétuellement jusqu’à ce que la situation devienne parfaitement incontrôlable. Les éclats de rire sont nombreux (les zombies lançant des pathétiques « brains ! Brains ! » en attaquant des humains), et le spectacle fait son office jusqu’au bout, l’identification aux personnages n’étant pas vraiment possible. On saluera les différents acteurs du projets, totalement survoltés sur la pellicule ce qui ne met pas vraiment en valeur la subtilité de leur jeu, mais qui nous assurent des éclats de rire fréquents tant leurs réactions nanardes prêtent à rire. Car pour moi, c’est en ça que le film arrive à concilier ces deux genres bancals : il fait évoluer des personnages nanars dans un univers grotesque, mais qui contient encore une certaine cohérence et qui se révèle vraiment impitoyable avec ses protagonistes. En bref, l’amusement dure jusqu’à son dénouement, et c’est un spectacle qui peut se vanter de ne jamais vieillir. Toujours aussi culte, toujours aussi attachant.

4.5/6

de Dan O'Bannon
avec James Karen, Linnea Quigley

Le retour des morts vivants 2 : Voilà une suite qui peut se vanter de m’avoir surpris, car se révélant tout simplement… aussi bonne que son prédécesseur. En effet, celui-ci ne s’attaque plus du tout à l’œuvre de Romero (il n’y a vraiment aucune notion parodique d’œuvre sérieuse dans le registre zombie), mais plutôt aux franchises Les Goonies. Les protagonistes de ces films sont carrément des mômes. Un est gentil, les autres sont méchants. Mais tout ce petit monde découvre bientôt un conteneur contenant la fameuse trioxine qui réanime les corps (tombée par mégarde dans le système d’égouts) et libère le gaz, qui ira contaminer le cimetière voisin. Voilà pour les bases. Cependant, cette suite affiche quelques différences notables avec son prédécesseur. Déjà, certains morts-vivants parlent. C’est le cas d’une tête particulièrement récurrente dans le film, qui insultera les vivants en tentant de les mordre. Nouvelle surprise, assez décevante : les maquillages sont beaucoup moins présents à l’écran. Il y en a quelques uns, réussis, mais aucun excès gore ne dépasse vraiment de cette comédie. Car c’est bel et bien une comédie que nous sommes en train de regarder, et pas un film d’horreur. Il suffit de voir les protagonistes pour s’en convaincre, tous plus exagérés les uns que les autres. Les seuls qui soient un tantinet sérieux dans cette histoire, ce sont les mômes, qui arrivent à se donner un semblant de contenance. Le gentil gosse sera d’ailleurs l’un des rares à chercher un moyen de bousiller l’invasion zombie. Quant aux autres protagonistes, on a droit à une sœur crétine, un petit ami bête comme ses pieds (il fait de grands gestes pour attirer l’attention d’un groupe de gens qui avancent de façon désordonnée en criant « Brains ! Brains ! »), un docteur réellement simplet (on vient pour lui piquer sa bagnole et il tente de fuir avec les gens qui viennent le dépouiller) et des militaires incompétents totalement dépassés par la situation actuelle. Il finira d’ailleurs par y avoir une de leur jeep conduite par des militaires zombies qui  poursuivra quelques survivants (petite dédicace à un ami qui passe son code : si des zombies peuvent conduire, tu le peux aussi !). Sans oublier un des acteurs du premier (qui y mourrait ^^) qui reprend ici le rôle d’un fossoyeur qui une fois les morts debouts passera l’essentiel de son temps à se complaire en excuses et à faire des prières totalement hypocrites. Vraiment, il n’y avait qu’une telle série B pour oser nous offrir un personnage aussi outrancier, digne des meilleures productions de Leslie Nielsen. Constat global : un film outrancier qui ose faire parler ses zombies, qui nous donne des héros qui font office de tâches humaines que les zombies vont se faire un plaisir d’éradiquer, le tout dans une ambiance eighties avec une bande son rock totalement inadaptée mais scandaleusement jouissive (malgré un manque de gore un peu décevant).

4.5/6

 de Ken Wiederhorn
avec Michael Kenworthy, Thor Van Lingen

Le retour des morts vivants 3 : Le bon père Yuzna revient aux affaires, et il est prêt à tout pour satisfaire nos attentes. Direct, le père Yuzna annonce la couleur en exploitant à fond le côté « gothique » de son histoire, incarné par une héroïne qui a tout de la gothique de base, à savoir un style fétichiste du cuir et la cuisse facile. Par-dessus cela, on rajoute une couche de zombie avec notre fameuse trioxyne et une mort prématurée, et voila notre tandem qui se lance dans un road movie gore à souhait, où notre petite gore au féroce appétit fait profiter à la galerie de personnages masculins de ses nouveaux talents. Arrachage de cervelle en full frontal, amputations en tout genre, auto-mutilation de la morte vivante (qui parle et se fait souffrir pour calmer sa faim)… Ce chapitre est clairement le plus gore des aventures qui nous ont été proposées par cette saga aussi désastreuse que sympathique. On compense donc la frustration du précédant par un excès de maquillage. Hélas, le film déçoit sur beaucoup d’autres tableaux. En effet, ce qui faisait la spécificité d’une saga comme Le retour des morts vivants, c’était sa galerie de personnages décalés, totalement stupides qui se faisaient régulièrement équarrir par nos zomblards vénères. Ici, le film se montre clairement plus sérieux au niveau de son histoire, ce qui est assez dommage. En se prenant plus au sérieux, l’aspect comique qui était jusqu’ici mis en avant est totalement réduit à néant. A l’exception de quelques blagues gores, rien du tout à se mettre sous la dent, ce qui finit par plomber un peu le rythme du film, qui consiste surtout à aligner des situations similaires pendant tout son long jusqu’à ce que les militaires arrivent enfin à reprendre le contrôle de la situation. Avec une histoire d’amour tragique à la clef, le film n’en finit plus de s’alourdir, jusqu’à un final assez pachydermique qui n’émouvra pas beaucoup. Cependant, la générosité dont fait preuve Yuzna, et une vision assez originale du mort vivant parviennent à faire décoller l’ambiance à un niveau qui se regarde, mais qui ne passe pas loin du statut de nanar horrorifique. Niveau musical, c’est un peu la dèche, le film tentant de s’émanciper des ambiances de ses aînés pour se lancer dans quelque chose de sérieux (mais d’atrocement bancal : on ne croit pas un instant à l’intrusion dans un complexe militaire de haute sécurité). Avec des acteurs à peine convaincants (et malgré le potentiel sympathie des jeunes qui nous sont présentés), le film ne peut donc as prétendre à plus que la petite bisserie du samedi soir… mais il s’assume parfaitement comme tel (car on ne sort pas au final du cocon sentimental qui nous est présenté en début de film). En conclusion, un film en demi teinte qui n’assure pas vraiment la continuité avec ses prédécesseurs, mais qui satisfera son public, pour peu qu’il n’ait pas de folles attentes.

3/6

de Brian Yuzna
avec Kent McCord, James Callahan

Rob Zombie, métalleux de premier ordre, s’est fait connaître dans le monde du cinéma avec The house of 1000 corpses, film d’horreur ultra trash et ultra clippesque qui a pu en déboussoler plus d’un (à commencer par les studios qui l’ont produit). Mais devant les réactions plutôt positives de la communauté de fans de genres, il est autorisé à tourner sa (fausse) suite : The Devil’s rejects. Et là, c’est la révélation. Celui qui avait pu se révélé ultra visuel et un poil bordélique dans son premier film fait preuve d’une incroyable maitrise de ses acteurs et de son histoire, parvenant carrément à renverser nos opinions en plein milieu. Une subversion assez osée, et un style qui s’affermit, c’est tout simplement un des chefs d’œuvres du genre.

L’histoire : La ferme de la famille Firefly est prise d’assaut par les policiers du shérif Wydell. Après une fusillade nourrie, ces derniers parviennent à arrêter la mère, pendant que leurs deux gosses psychopathes parviennent à s’échapper et partent rejoindre leur père dans un motel. S’engage une course poursuite sanglante.

Incontestablement, Rob a soigné le script de son nouveau bébé, ce dernier étant d’une simplicité redoutable d’efficacité, nous faisant parfaitement comprendre ou veut en venir le réalisateur. Si les enjeux sont posés dès les premières minutes du film dans le super trash (une maison remplie d’un nombre de corps indéterminé) avec une violence poisseuse et des victimes torturées salement, Rob Zombie initie un processus qui, lentement mais surement, va chambouler nos convictions premières. Tout simplement en montrant déjà cette famille de psychopathe comme vraiment unie, faisant face en groupe à une situation qui les met carrément dans les emmerdes jusqu’au cou. Bien normal au vu de leurs activités précédentes, à l’exception que c’est le shérif Wydell qui les poursuit afin de se venger de la mort d’un de ses cousins, venu arrêter la famille seul avec son flingue, probablement pour se prouver quelque chose. Là où le shérif Wydell se révèle de plus en plus agaçant (et c’est délibéré de la part de zombie), c’est qu’il s’enferme de plus en plus dans un discours religieux, faisant d’une mission divine la capture des psychopathes et de la vengeance leur purification d’âmes. Ce qui, après un premier meurtre bien poisseux (la reine des abeilles), nous renvoie directement à la fin du film où le shérif pourra enfin donner libre cours à ses envies. Ce n’est pas que les sévices qu’il leur inflige soit pires que ceux que la famille infligeait à d’innocentes victimes, mais qu’il les revendique sous l’appellation de justicier de Dieu sans jamais prouver la validité de sa cause (si Dieu regarde, il ne s’en mêle pas) ni s’avouer qu’il s’agit d’une vengeance à titre personnel. Une approche complètement différente avec la famille, présentée comme trash et s’assumant comme telle, agissant impulsivement et de façon toujours inattendue. Un poil satanistes sur les bords (la phrase « Je suis le Diable et je suis là pour accomplir son œuvre » dans la bouche d'Otis, empruntée à Charles Watson, homme de main de Charles Manson), la famille évolue dans un univers glauque et totalement déjanté, séquestrant un groupe de musiciens avant de partir dans un village coloré où viendront les chercher le shérif. Même avec leurs tendances chaotiques, le réalisateur parvient, en nous faisant partager leur quotidien, à nous attacher presque imperceptiblement à leur cause, la famille étant tout simplement heureuse. Etranges sentiments contradictoires au vu de l’épisode du motel, où les psychopathes que nous connaissons vont humilier puis décimer un groupe de countrie, en faisant au passage quelques démonstrations théologiques qui elles fonctionnent (et sont indéniablement cruelles au moment où elles apparaissent). Ainsi, grâce à de subtils traits de caractères, Rob Zombie dépouille ses psychopathes de leur moralité, mais aussi de mensonges, sans leur ôter leur humanité (ils nous feront rire en de maintes occasions). Cette absence de contradiction dans leur discours, et la totale liberté dont jouit la famille, procurent une impression bizarre, une sensation de liberté dans un récit qui n’avait pas l’air à la base parti pour le créer. C’est ce sentiment qui culmine dans la scène finale où la famille partant pour de nouveaux horizons tombe sur le barrage de police… Et qui s’ouvrira sur un des meilleurs génériques de films de la décennie, parvenant à faire revivre et à prolonger ce sentiment de liberté totale avec une caméra libre, qui suit une route seule en plein désert et qui la quitte dès qu’elle le veut. Rob Zombie emmène son film là où on ne l’attendait pas, et soigne particulièrement sa bande son en y utilisant des musiques triées sur le volet, un talent qui le rapprocherait de Tarantino dans la conception musicale de ses œuvres (la bande originale de The Devil’s Rejects est une merveille). Par des enjeux simples et des acteurs parfaitement maîtrisés (qui n’hésitent pas à se faire raser la tête pour porter les perruques réalistes du film), Les rebuts du Diable est un road movie sanglant et malsain qui au fil de son histoire parvient à renverser ses enjeux primaires et à transcender le ton de son récit pour en faire du jamais vu, et du rarement ressenti. Un vrai petit chef d’œuvre, pour ma part.

5/6

de Rob Zombie
avec Sid Haig, Bill Moseley

Dans les années 50 a été tourné un film : l’homme au masque de cire. Malgré un style Hammer très appréciable, l’œuvre se révélait décevante pour un rythme platonique et au final peu de cire qui nous était montré. Avant que Jaume Collet Serra ne s’empare du matériau et nous offre le slasher gothique ultra léché qu’on lui reconnaît, Sergio Stivaletti s’est lui aussi essayé attelé à la tâche, en nous proposant un spectacle fauché, mais honnête dans ses intentions. Le constat est… dirons nous… mitigé, mais la bonne humeur est là.

L’histoire : Paris 1901, un couple est assassiné dans une chambre d’hôtel. Leur fille est retrouvée cachée sous un meuble. 11 ans plus tard à Rome, un musée de cire dirigé par un certain Boris ouvre ses portes, en présentant les statues de cires les plus réalistes de son époque. Cependant, des évènements étranges vont vite attirer l’attention de la survivante venue s’établir dans la ville et de son ami journaliste.

Ce qui frappe tout de suite quand on découvre le film, c’est qu’il se permet tout. Après une introduction ultra cheap sur un Paris en aquarelle qu’on essaye de nous faire passer pour une vue à la fenêtre, on découvre une scène de carnage assez exagérée, où des clichés de policiers de l’époque farfouillent. Que dire de la prostituée de la séquence suivante, dont l’anachronisme flagrant avec l’époque n’est pas sans interpeller… Avec un pote, on s’est amusé à compter le nombre de faux raccords que le film contient, et c’est peu dire si on dépasse la quarantaine. Plan réutilisés, détails anachroniques ou illogiques, design ridicule (le meurtrier est la seule personne dans tout Rome à se balader en gabardine noire avec chapeau noir en plein été)… Une foule de détails qui plomberaient d’ordinaire un film en le condamnant sans doute au Z le plus infâme. Mais ici, l’ambiance de l’œuvre tire clairement le récit vers le haut (l’hommage à Lucio Fulci en début de film place tout de suite dans un certain état de réceptivité… ou pas). Toujours est-il que l’œuvre a du charme, du charisme. C’est un cocktail d’une multitude d’éléments que nous adorons, ultra indigeste en l’état, mais qui sur le coup contente un aspect de nos recherches culturelles. Les plans nichons abondent avec des femmes plantureuses (les ritals savent choisir leurs actrices), et certains détails marqueront notre imaginaire, comme le gore ultra brutal de l’arrachage de cœur dans le flash back. En bref, le film est ridicule d’un bout à l’autre, mais on finit par l’aimer, tellement il a l’air généreux et sincère, bien qu’involontairement drôle. Il apporte son lot de portraits morbides (le design de l’assassin est jouissif). Jouissif est un mot qui revient ici souvent, les ingrédients étant fait pour exciter notre curiosité, alors que les figures clichées ultra classiques des personnages font venir les rebondissements une demi-heure à l’avance. De ces perpétuelles contradictions, d’un déséquilibre constant entre la jouissance procurée par le thème et la maladresse de la narration (le musée est amené de manière tellement téléphonée, Boris répond aux questions des enquêteurs avec de tels sous entendus qu’il ne trompe jamais personne à part les enquêteurs du film), le spectacle se développe, cherchant à prendre une ampleur qui sera toujours frustrée par la maladresse des effets spéciaux ou des idées conceptuelle, séduisantes mais terriblement hors de propos (les statues sont maintenues en vie par un liquide bleu, pompé dans tout le musée… par un cœur maintenu artificiellement en vie !?). Au final totalement anachronique montrant bien que le réalisateur se branle de toute cohérence (je ne dis rien, mais ceux qui l’ont vu comprendront), le spectacle s’achève dans toute la grâce bancale qu’il a mis en place pendant une heure et demie, achevant un spectacle vraiment sympathique malgré un manque certain de professionnalisme et de conscience artistique. Un pur trip de bisseux en somme, dont les perpétuels zigzags de la narration entre le Bis et le Z ne devraient pas laisser indifférents les fans de spectacles. Moi, j’adore, mais objectivement, c’est un peu court.

3/6  (mais dans mon esprit tordu 6/6)

de Sergio Stivaletti (1996)
avec Robert Hossein, Romina Mondello

Un casting classieux, qu'on vous disait...