Alex de la Iglesia revient sur mon topic, avec son nouveau film Balada Triste. Enfin, nouveau… On espère qu’il ne restera pas nouveau très longtemps, car le bonhomme est tellement doué, qu’à chaque nouveau film, on en redemande. Et la tendance n’est pas prête de s’inverser avec ce nouveau film, bourré de gags qui font pleurer. Profondément mélancolique et tragique, c’est un film animé par l’énergie du désespoir, probablement le plus personnel et le plus violent de toute la filmographie d’Alex. Et c’est un gros morceau du programme cinématographique de l’année.

L’histoire : Le fils d’un clown joyeux grandit avec l’émergence du Franquisme. Il devient alors un clown triste, et se fait engager dans un cirque, où il tombe amoureux de la femme du clown joyeux, un alcoolique tyrannique.

Ce qui choque très vite dans le film d’Alex de la Iglesia, c’est qu’il y a énormément de situations humoristiques. Mais elles sont toutes si dramatiques, si sombres, qu’à chaque nouveau gag, le spectateur prend à nouveau conscience de la gravité de la chose. Cette introduction pose déjà les bases des figures clown joyeux / clown triste. Le clown triste est celui qui rit des blagues du clown joyeux. Il est dramatique, il subit l’humour plus qu’il ne le fait vivre, car dans une farce, il y a le farceur et le dindon. Il porte un regard incroyablement lucide sur le monde, et est seul capable de résister un revolver pointé sur la tempe. Le clown joyeux est celui qui fait les blagues, et qui récolte les rires des enfants, il est affable, et cède en face de son public. Mais dans une situation de crise, il est le premier à arrêter de rire pour devenir lui-même une bête sauvage. Ces figures, nous les retrouverons constamment dans le film, au moins dans les situations initiales. En effet, une fois que le clown joyeux s’est transformé en bête sur le champ de bataille, il est emprisonné par l’armée franquiste. Son fils viendra le voir, et à travers la grille, son avenir est bouleversé. Il deviendra clown triste au lieu de continuer dans la branche de son père. Après un court intermède où le père et le fils chercheront à se venger du régime qui les a opprimés, le fils, maintenant grandi, trouve un travail dans un cirque, et remarque la gymnaste au ruban. C’est la femme du clown joyeux, qui gère le cirque. Et ce clown fait des tonnes de blagues, mais elles n’ont rien de drôle. La blague du bébé mort né illustre parfaitement cette thématique, puisqu’il y a une situation amusante, mais qu’il n’y a pas de quoi rire. Ce qui donne lieu à la scène d’explication de la blague, d’habitude très drôle, et ici totalement dramatique, car pour une fois, nous sommes du côté de celui qui n’a pas compris. Nous nous focalisons après sur le trio 2 clowns/danseuse, vraiment très étrange, la danseuse flirtant ouvertement avec le clown triste, en l’appréciant pour son courage et pour sa gravité, mais restant toujours avec son clown joyeux, qui la bat sans retenue avant de la ramoner comme il faut, en voyant sa relation comme un amour voué à la détruire. On continue d’espérer voir la situation s’améliorer, ce qui est le cas pendant la sortie à la fête foraine, et alors que l’amour commence à se concrétiser, et que le clown triste rit, il prend dans la main d’un grosse une barbe à papa avant d’en mordre goulument une bouchée sans s’en soucier. Constamment, le dramatique de la situation est relancé, et constamment, cela empire, prenant de telles proportions que le parcours hallucinant du clown triste, se muant peu à peu en la bête qu’est le clown joyeux, prend un sens vraiment très sombre sur la vie qu’il a connu, et qu’a connu l’Espagne toute entière. Voulant conserver un minimum de suspense, je ne développerai rien de plus au niveau péripéties, bien qu’il ait quantité de chose à voir encore. Je veux juste évoquer les dernières secondes, où notre clown retrouve le rire, un rire si violent, si atroce, qui se teinte d’un cynisme si noir, qu’il achève complètement le spectacle, portant le tragique à des hauteurs qu’il avait rarement atteintes. Il s’est probablement passé quelque chose en moi quand j’ai découvert le film, je ne peux donc qu’engager à le voir, en rappelant que c’est la comédie la plus triste que j’ai pu voir.

5.5/6

de Álex de la Iglesia
avec Carlos Areces, Antonio de la Torre

Comment peut-on caractériser un film bancal ? C’est un film, selon moi, qui croit en son propos, en ses idées, mais qui choisit de les exposer sous un angle strictement personnel (souvent le point de vue des personnages principaux), ce qui pose des problèmes d’ambigüité, de parti pris et au final de pertinence. Un film qui a des tripes, mais qui va te parler en argot. Et ça, ça passe ou ça casse. Moi, ce genre de film, ça me parle, car c’est plus attachant de voir un film sincère qui veut se rapprocher de toi qu’un chef d’œuvre qui va te prendre de haut et que tu vas te sentir obligé d’aimer. Et Princesse, ça sort tout droit de ces étables, c’est allemand, et ça écaille sévèrement la peinture.

L’histoire : Princesse, une actrice de porno hard, vient de mourir de sa vie d’excès. Sa fille, Mia, est recueillie par Auguste, le frère de Princesse, qui est prêtre. Il constate les ravages du milieu et les répercussions que celui-ci a eu sur le comportement de Mia, et décide de venger sa sœur contre cette industrie qui l’a corrompue…

Et bam, prend toi ça dans la face, spectateur ! D’emblée, on nous assène des chocs psychologiques intenses (la découverte du métier de Princesse par son frère : une partouze alors qu’elle est enceinte) et une hargne de ton d’histoire qui agresse autant que la laideur de l’image. Car ce film est laid. Si le dessin est au bas mot dégueulasse, l’animation est au moins aussi immonde, la faute à un budget de misère, personne n’ayant cru en ce film (à part un ou deux producteurs, bravo les gars !). Par delà cette facture technique pauvrette, on plonge dans un univers quotidien normal (moins malsain que ce qu’on imaginait), mais c’est clairement la petite Mia qui nous mettra mal-à-l’aise, la petite ayant grandi aux côtés de sa mère pendant ses jeunes années. On est d’abord comme Auguste, ne sachant pas quel angle emprunter pour prendre contact avec la petite. Mais on sait déjà que ça ne va pas être facile (la scène du coucher, où on aperçoit les multiples ecchymoses qui parsèment son corps). C’est par la suite qu’on s’apercevra des dégâts que la fillette a subie, tant physiquement (le carnet de santé monstrueusement illustré) que mentalement (elle adopte régulièrement un comportement sexuellement explicite avec les personnes qu’elle croise). On suivra parallèlement la genèse de Princesse, et des évènements qui la pousseront à entamer sa carrière d’actrice pornographique (encore un parti pris bancal : ces origines sont tournées avec un caméscope amateur). Tout ça, c’est bien cru, et on a même l’intrusion du mauvais goût le plus abject (la tombe de Princesse) en plein milieu du film. Je n’avais pas vu ça depuis Caligula ! Très vite, les nerfs d’Auguste cèdent peu à peu, et il vient le temps de rendre la monnaie de sa pièce à Charlie, le directeur de la société Paradise lost éditant les films de Princesse.

Première partie frustrante, deuxième partie totalement jubilatoire, où on va faire payer chèrement l’industrie pornographique corrompant nos mœurs, en hectolitres de sang. C’est surtout cette partie qui devient bancale. Déjà qu’on se demandait vraiment pourquoi Auguste avait choisi la prêtrise comme choix de vie (c’est un putain d’engagement moral, ça, et on avait presque l’impression qu’il avait choisi ça par dépit), on ne cherche même pas à comprendre comment il se procure des explosifs. Le film laisse parler ses tripes, et nous, on assiste à une vengeance vénère, que le film soutient à 100% (aucune distance n’est prise, le film est clairement d’accord quand Mia explose les couilles d’un producteur au pied de biche). C’est moralement révoltant, mais purement libérateur quand on voit toute une rue de sex shop exploser sur « No regrets ». La société en elle-même, en la personne des policiers, se place du côté d’Auguste en condamnant moralement les activités des « victimes » de ces actes de terrorisme. Dès lors, le film peut s’achever de toutes les façons, et choisit l’angle de la tragédie. Dans un final aussi bancal que déchirant, le film se conclut sur un dernier plan filmé, qui montre enfin le visage de Charlie pour quelques secondes, et qui touchent par leur humanité inattendue (on l’avait tellement diabolisé depuis le début du film que la montagne de préjugés accumulés ne nous avait pas préparé à ça). De ce film, on retiendra aussi une sincère envie de poésie, ponctuant régulièrement son récit de digressions oniriques, de métaphores libératrices et d’envies de voir quand même de la beauté dans cet univers corrompu (la pornographie étalée chez les marchands de journeaux).

En bref, Princesse est un film qui ne prend aucune distance avec son sujet, qui l’empoigne à bras le corps et qui le fait danser à sa manière, et si ça ne vous plait pas, il vous marchera sur les pieds sans la moindre gêne. Normal que ça soit un échec commercial, mais malgré son propos puritain totalement contradictoire avec la violence qu’il développe, je l’aime, car ce héros est indéniablement l’Homme dans ce qu’il a de plus bancal et de plus attachant. Un bel étron cinématographique auquel je donne fièrement :

5/6

de Anders Morgenthaler, Anders Morgenthaler
avec Thure Lindhardt, Stine Fischer Christensen

Les Chiens de Paille de Sam Peckinpah a profondément marqué les esprits sur le thème de l’ultra violence sociale, montrant combien les citoyens lambda peuvent devenir violents en étant poussés à bout. Le film est fréquemment cité dans les 100 films à voir dans sa vie et autres catalogues de bon goût. Ce film a probablement dû influencer quelques autres petites productions qui ont su rester dans l’ombre, mais pas celle dont je vais vous parler aujourd’hui : The Backwoods. L’histoire, c’est à peu près la même, mais en différent.

L’histoire : Deux amis viennent accompagnés de leurs femmes dans une vieille maison espagnole fraîchement héritée. La population locale est quelque peu troublée par l’arrivée de ces nouveaux, particulièrement une bande de chasseurs qui appartiennent tous à la même famille. Malgré le froid de la première entrevue, tout le monde reste calme et chacun retourne chez soi. Le lendemain, les hommes partent à la chasse tandis que les femmes vont se baigner à la rivière…

Ce qui surprend d’abord dans ce film, c’est le casting plutôt de qualité (Gary Oldman et Virginie Ledoyen), complété par de parfaits inconnus qui sont tout aussi excellents dans leur rôle. Comme le laisse entendre la chanson à la radio pendant un générique très seventies (le film se passe d’ailleurs à cette époque), le film va s’intéresser aux conflits humains. Entre les gens de villes et de campagne, entre homme et femme, entre jeune et vieux… La multiplicité des conflits abordés surprend par son ambition, alors que l’histoire reste très crédible et dans les limites qu’elle s’est fixée. On peut y voir un simple drame, où d’un certain côté une extension du thème de Peckinpah aux différences sociales les plus diverses.

Le classicisme imprègne constamment l’histoire. L’image est magnifique, les personnages apparaissent vite comme des clichés, mais leur démarche et leurs actions sont logiques. Qui a dit qu’un cliché sonnait creux ? Le couple Norman/Lucy, la génération trentenaire, affiche dès le départ des petits soucis de mésentente, que les actions de chacun viendront grossir peu à peu. La psychologie est à la fois simple, mais suffisamment illustrée par des détails anodins qui assurent immédiatement la crédibilité de l’histoire. Jusqu’à ce qu’on ait l’élément déclencheur : la découverte d’une petite fille séquestrée dans une cabane perdue au fond des bois. Nos deux couples décident de la recueillir chez eux et d’aller voir la police au plus tôt (le téléphone n’est pas installé sur place), mais les chasseurs viennent les visiter avant leur départ. S’entame dès lors un jeu du chat et de la souris, où les hommes prennent clairement les devants pour ce qui est de la protection de la petite fille. Malgré les doutes de Norman, Paul, le plus vieux et le plus expérimenté pour la chasse, ne veut pas céder à la menace des chasseurs, et décide de les entraîner avec lui sans les bois loin de la maison en prétextant de les aider à chercher la fillette. Sans la présence rassurante de Paul, Norman et les deux femmes ont rapidement les nerfs à fleur de peau, et rien ne s’arrangera quand Norman s’absentera quelques instants et que deux chasseurs s’introduiront dans la maison pendant de longues minutes.

Ce qui surprend aussi, c’est le début des hostilités. Après la première tentative de viol (non consommée), premier mort du côté des chasseurs. Ce sont nos héros qui ouvrent le feu en premier. Et rapidement, un autre cadavre suivra du côté des chasseurs ! A se demander qui est vraiment méchant dans l’histoire. On se rend bien vide compte qu’il n’y a personne de méchant, seulement des personnes apeurées, tendues, qui prennent des décisions de manière impulsive, sans tenir compte des avis du groupe auquel ils appartiennent (les amis ou les chasseurs). La transformation radicale de Norman, au début plutôt peureux, devenant un prédateur glaçant qui tire sans la moindre hésitation, fait froid dans le dos. Le tout s’achève dans un final assez tendu où chaque protagoniste est remis en face de ses responsabilités, et où la Police viendra enfin distribuer à chaque personnage sa juste peine.

Ce film, parfaitement maîtrisé tant techniquement qu’en matière de script, est une nouvelle chronique sociale sur la violence entre citoyens, avec une ambiance espagnole parfaitement adaptée au cadre de l’action, des acteurs vraiment impliqués dans leur rôle (Gary Oldman, combattant dans la boue un chien puis un homme, est impressionnant), et qui traite son film au premier degré sans se soucier d’être comparé à son glorieux aîné. Moi, j’appelle ça une excellente surprise (je m’attendais vraiment à m’ennuyer), et à condition de voir ce film comme un drame plutôt qu’un thriller (l’accroche dvd insiste plus sur une chasse à l’homme que sur les tensions psychologiques qui font le cœur du film), on passera un excellent moment.

5/6

de Koldo Serra
avec Gary Oldman, Virginie Ledoyen

Tu aimes le trash ? Je vais t’en donner, mon mignon, tu ne vas pas être déçu. Tu veux du branché ? Ca tombe bien, c’est mon rayon, et je le suis. Tu veux du drame, tu aimes pleurer ? Je vais te montrer quelque chose qui te fera vite oublier tous tes tracas quotidiens. Tu veux de l’esthétique ? La mienne est au sommet de son art. Tu veux avoir bonne conscience ? Mais t’as rien compris, c’est la porte d’à côté, ça. Je suis Octave Parango, je mange équilibré, j’ai une vie saine et j’apparais dans un film, que vous achèterez 9,99 euros en magasin.

L’histoire : 99 Francs, c’est Octave Parango. Sa vie, son œuvre, son histoire, toutes les choses importantes qu’il a vécues et son évolution dans l’époque moderne. Dans sa vie à 300%, il n’a plus le temps de penser. Il ne pense toujours pas quand il commence à sortir avec Sophie. Puis elle lui annonce qu’elle est enceinte. Cette incartade va-t-elle bloquer la machine en marche depuis ses débuts dans le métier ?

99 Francs est, je pense, le film majeur de Jan Kounen. Depuis un Dobermann aussi indéfendable qu’attachant, Kounen s’est amélioré, et il expérimente tellement de procédés pour servir son histoire que celle-ci ressemble presque à un catalogue où le spectateur choisirait ce qui lui plaît. Et il y a beaucoup de bonnes choses dans 99 francs. Tout d’abord Jean Dujardin, inratable (il fait le film) et totalement dévoué au film, qui illustre avec une aise scandaleuse la personnalité d’Octave, un déchet humain dans toute sa splendeur, qui affirme haut et fort que la vie est pourrie, que son comportement nuit clairement à la société, et qui continue à faire son métier en arborant toujours cette face cynique. Il vous gueule « Je suis moins bien que vous ! » avec des airs supérieurs. Cette couche d’hypocrisie et de cynisme poisseux le colle pendant tout le récit parasite le moindre de ses actes. Car Octave méprise tout au quotidien. La seule manière de le supporter, c’est la drogue, qui lui donne « la nonchalance nécessaire pour supporter ces interminables réunions ». Son caractère est un des mieux dépeint au cinéma durant la décennie 2000. Un portrait qui sonne juste, dynamisé par une bande son branché qui accentue la notion de vitesse. Et après l’épisode Sophie, les rouages de cette existence parfaitement fonctionnelle malgré son aberration commencent à montrer des signes de faiblesses ? Y a-t-il des changements en train de s’opérer ? Des tentatives sont lancées, et souvent, elles ont l’air de tomber dans l’oubli.

La vie d’Octave (ce film) emprunte de nombreux éléments au monde de la pub, et tendraient à magnifier cette vie sans temps mort, presque sans instants de réflexions. Car dès qu’Octave se retrouve seul, il ne se supporte tellement plus qu’il doit replonger jusqu’au cou dans ses excès pour surmonter sa crise existentielle. J’en profite pour dire combien il est difficile de faire une critique neutre de l’objet, tant il semble évident que le spectateur doive détester Octave, de la façon la plus universelle qui soit (et le plus fort, c’est qu’elle me semble cohérente en cumulant tous ces vices). Atout supplémentaire, en plus des symboles publicitaires, on nous sort carrément des références bibliques. Octave devient, au fur et à mesure que son envie d’évasion apparaît, une sorte de Christ, qui va devoir choisir de sacrifier sa vie facile (très facile, cette vie : vous réfléchissez à un concept pendant deux semaines avec quelques dessins, votre concept est refusé, alors vous pondez un scénar en 3 minutes chrono) à la gloire du scandale ou s’assoir et ne rien faire comme il l’a toujours fait. La fin relève dès lors du tour de force culoté, puisqu’elle nous donne à voir tous les éléments que nous attendions, et suggère doucement que le but du film pourrait être commercial. En effet, quoi de plus racoleur d’un drame trash de cette ampleur ? Ces petites marques d’ironies envers lui-même pourront lui accorder notre sympathie, mais ce film, d’un extrémisme rarement vu dans le domaine de la comédie française et de la satire sociétaire, suscite déjà vivement notre intérêt, ne serait-ce que pour sa capacité à diviser. On aime voir Octave chuter ou réussir son coup d’état, on déteste son caractère nihiliste gratuit, mais ses monologues frapperont toujours fort dans nos consciences, si nous sommes assez calmes (ou distants) pour écouter ses propos. L’anti Brice de Nice est à l’image, et ça fait plaisir.

99 francs est donc bien l’électrochoc qu’on nous a promis, ne négligeant aucune piste pour illustrer son récit (et partant même dans des trips expérimentaux incroyables, comme Octave en face de son enfant au stade fœtal), et particulièrement cynique dans son propos, c’est un film qui prouve que certains réalisateurs peuvent encore oser.

5/6

Réalisé par Jan Kounen
Avec Jean Dujardin, Jocelyn Quivrin, Patrick Mille

Christopher Smith est un petit prodige anglais. Il s’est fait connaître avec un film d’horreur plutôt populaire : Creep (ayant étonnamment rempoté de bonnes critiques aux cahiers du cinéma). Sans être particulièrement original (on pense à Castle freak dans un métro), on avait droit à quelques belles petites séquences de flippe (la découverte de la créature reste un plan tétanisant). Il enchaîne avec la comédie horrorifique Severance (plutôt amusante) et un thriller fantastique ambitieux : Triangle (où notre héroïne est au centre d’un évènement redondant). Gagnant en qualité à chaque film, Christopher nous achève avec Black Death, honteusement refoulé au stade d’une timide sortie DVD, alors qu’on tenait là le meilleur film de l’année avec Black Swan.

Black death, c’est limpide. La peste fait rage en Angleterre. C’est pour la population un châtiment divin, aussi les sorcières et autres boucs émissaires sont intensément recherchés. Osmund, un jeune prêtre amoureux d’une ravissante villageoise, voyant que la maladie progresse, la fait fuir dans la forêt avec des provisions. Il cherche désormais un prétexte pour la rejoindre, et il le trouvera en la personne d’Ulric, un chevalier mandaté par l’évêque pour enquêter sur un village épargné par la peste. Osmund leur servira de guide pendant leur voyage. Mais il découvre vite que le but des chevaliers est de trouver le nécromancien ayant passé un pacte avec le démon pour être épargné par la peste, afin de l’exécuter en place publique.

D’une noirceur qu’on n’avait pas vu au moyen-âge depuis le sulfureux La Chair et le sang (Le 4^ème meilleur de Paul Verhoeven avec Starship troopers, Total Recall et Black book), Black death parle de la Foi et de la manipulation des individus, par la religion ou l’idolâtrie. C’est un film très sérieux, sans espoir, une sorte de voyage infernal que va vivre le groupe de chevalier accompagné d’Osmund. Que les amateurs d’épique passent leur chemin, malgré deux grandes scènes de combats pas très bien filmées (putain de caméra à l’épaule !), c’est un drame qui a tout de tragique. L’épilogue atrocement pessimiste nous fera d’ailleurs quitter l’histoire d’une façon abrupte, car nihiliste.

Mais ne quittons pas ce film aussi vite. Le travail d’ambiance est convaincant (on pense vraiment au Nom de la Rose pour les parties dans le monastère). Pareil pour le village perdu dans les marais, qui impose immédiatement une ambiance isolée, coupée du monde, et où l’apparente bienveillance des villageois laisse poindre une méchante suspicion. Dans les deux camps. Un script plutôt bien écrit pour qui sait s’intéresser à la société moyenâgeuse, et un discours vraiment très fort sur la Foi (le plus beau étant que ça forcera l’admiration des athées, car c’est plus une preuve de courage et de confiance en ses convictions qu’un acte prosélyte). Véritablement tendu et puissant dans sa seconde moitié, Black death se situe à mi chemin entre le film contemplatif et le drame historique, et se vit vraiment comme une expérience.

Les acteurs sont excellents, et par delà Sean Bean qui n’a plus rien à prouver depuis Boromir, Eddie Redmayne fait preuve d’un talent assez incroyable, puisqu’il parvient à nous convaincre dans chacune des situations où il est impliqué. Encore une fois, si le film pêche un peu par sa technique (certains plans ne sont pas très réussis), son histoire est véritablement fascinante (impossible d’en dire plus sans spoiler l’enjeu dramatique monstrueux qui marquera le spectateur) et son ambiance est si sombre, qu’il mérite une consécration immédiate en dédommagement du traitement ingrat auquel l’ont soumis les distributeurs français. A genoux messieurs, devant l’un des monarques cinématographiques de cette année !

6/6

Réalisé par Christopher Smith
Avec Sean Bean, Eddie Redmayne, Kimberley Nixon