La découverte d’un nouveau cru de Scorcese est toujours excitante, surtout quand il se lance dans le pari délicat de découvrir un univers et d’en révéler totalement les rouages. La bande annonce très tapageuse du Loup de Wall Street annonçait un festival de débauche à la démesure de la bourse, annonçant une couleur proche des teen comédies grasses pour ado basique (ce qui pouvait sérieusement nous faire craindre le pire). Le film est-il si débauché que ce que la bande annonce nous laissait voir ? Ô que oui !

L’histoire : Jordan Belfort, jeune étudiant ayant commencé par le bas de l’échelle à Wall Street, découvre les ficelles du métier de courtier et de trader. Viré par sa banque lors du crash boursier de 87, il se lance dans la vente d’action de sociétés douteuses et finit par monter sa propre compagnie boursière…

Il y a quelque chose d’assez jubilatoire dans Le loup de Wall Street. Si le ton de la comédie grasse revient assez souvent (pas forcément pour le meilleur), la success story de Jordan Belfort est animée d’une énergie à l’image de son protagoniste principal. On se retrouve dans un rythme proche de celui d’un Casino, ce genre de rythme qui vous bouffe 3 heures de votre temps sans que vous ne l’ayez senti passé. Le dynamisme de la narration et l’évolution constante de l’histoire en font un film fleuve, et c’est probablement ce qui a entraîné le vent de bienveillance (quelques tops de fin d’année se sont vite emparés de ce pain béni en lui laissant des places de choix). Le trash sexuel provoc, le mauvais goût démesuré, le portrait vitriolé du rêve américain… Avouez qu’il y a de quoi tourner la tête ! Et le loup de wall street veut nous la faire tourner. Cernant beaucoup d’enjeux, parvenant à condenser les détails techniques en des explications brutes (la bourse, c’est du vent, on récupère l’argent des clients, on le gonfle sur le papier, mais le véritable fric sort dans nos commissions pour payer notre train de vie), Le Loup de Wall Street adopte le visage d’une fresque grandiose. Et il n’a pas tort sur beaucoup de points. Notamment sur l’incompétence des masses et leur fascination pour le « rêve américain » (la conclusion virtuose montre avec justesse un des moteurs de la bourse). En fait, il serait assez amusant de comparer le Loup de Wall Street et 99 francs, l’un étant centré sur un sujet américain par excellence. Ces deux films sont des œuvres explorant totalement un univers, sous l’angle d’un cynisme abyssal. Le second point commun est d’ailleurs Jean Dujardin, qui vient cachetonner chez Scorcese dans le rôle d’un banquier suisse véreux comme une pomme à cidre, dont les interventions se révèleront toutes jubilatoires (les insultes que Di Caprio et Dujardin s’échangent sont merveilleuses). Et au cours de plusieurs séquences, Scorcese retrouve la virtuosité dont il était capable, pour le meilleur. Je pense à la séquence où tout part en casserole, avec Di Caprio tentant de rentrer chez lui sous stupéfiants pendant que son associé balance tout par téléphone. Le genre de scène d’une noirceur abyssale, un véritable moment de cinéma. Pour cette pêche constante et ces moments de génie, Le loup de wall street est un film à voir. Toutefois, inutile de s’attendre à de grandes révélations. Le discours sur la bourse est connu d’avance (à son époque, Wall Street d’Oliver Stone était bien plus audacieux, et à la notre, Margin Call est une interprétation extrêmement fidèle à la logique bancaire et à la véritable crise ayant eu lieu), et si quelques ficelles techniques sont dévoilées ça et là, l’essentiel du film se focalisera plus sur la débauche constante de nos principaux personnages, quitte à prendre parfois des allures d’American Pie (je pense aux « nains »). Des situations pas toujours inspirées qui jouent le gag un peu relou ou what the fuck (le vice président de Jordan, quand il avale un poisson rouge ou se masturbe devant les femmes sexy), avec la défonce pour prétexte, où on ne se sentirait pas loin d’un very bad trip… Si le film se jette à fond dans le cynisme pour son portrait de Wall Street, il délaisse aussi beaucoup de détails techniques primordiaux (on zappe les mathématiciens si chers à la Bourse pour leurs calculs servant de base aux spéculations et aux prédictions pour ne retenir que la « navigation à vue ») pour n’en conserver que le cynisme (et sans doute jouer aussi sur la haine de l’opinion publique pour les traders). Mais bon, comment ne pas avoir de la haine pour ces gens là ? (ils collaborent tous et sont au courant de leurs agissements, mais c’est pour leur part du rêve américain). Les séquences où les courtiers miment des sodomies alors qu’ils vendent des actions ont incontestablement quelque de jubilatoire, dans cette obscénité absurde qui fait la marque du loup de wall street, mais carrément too much pour parler sérieusement de la bourse. C’est peut être la vulgarité de son parti pris qui nuit un peu au prestige du Loup, alourdissant parfois plus que de raison ses digressions, mais ayant épargné la narration et les principaux rebondissements qui font l’essentiel du film. Un peu racoleur, mais volontiers virtuose, Le loup de Wall Street illustre la classique ascension/déchéance d’un magnat de la bourse, sous un angle manichéen, pas forcément déplaisant. Un cru très sympathique.

4,6/6

2013
de Martin Scorsese
avec Leonardo DiCaprio, Jonah Hill

Nouveau biopic psychopathique avec le personnage d’Ed Gein. Précédemment, nous avions déjà étudié le cas d’Ed Gein, le boucher, un petit film qui s’appuyait essentiellement sur l’interprétation de son personnage principal, délaissant totalement le gore pour un climat moral poisseux et quelques visions fantasmagoriques où nous épousions son point de vue. Deranged n’a pas ces ambitions, il assume d’ailleurs pleinement son côté bis en balançant du gore à la gouache, jouant à fond la carte de l’exploitation avec un présentateur digne d’un « faites entrer l’accusé » nous gratifiant de détails morbides supplémentaires. Il en résulte une œuvre étrange, aussi voyeuriste qu’attachée à ses personnages.

L’histoire : Ezra Cobb vit seul avec sa mère, lui procurant des soins jusqu’à sa mort. Passé cette étape, sa solitude se mue en obsession nécrophile, puis en obsession sexuelle tournée vers les femmes.

Autant le relever tout de suite, les noms ont été changés essentiellement pour des raisons d’exploitation, afin de pouvoir prendre la plus complète liberté de ton au niveau des personnages. Si le narrateur qui traverse le film (en parlant souvent à la caméra (et donc au spectateur), en balançant de la psychologie de comptoir et des détails indiscrets sur les différents personnages de l’histoire) ne cesse de nous répéter qu’il s’agit d’une histoire vraie (au cas où on ne l’aurait pas assez compris), le film traite de son histoire sous un angle totalement bis, ce qui appelle donc à nuancer les images que l’on va voir. Si il ne veut jamais lâcher son authenticité (certainement par désir de choquer davantage), le film montre ses scènes trash comme autant de scènes chocs divertissantes, où il cherche à étaler au maximum l’ambiance morbide qui règne autour du personnage. Commençant d’abord par déterrer sa mère et la réinstaller dans sa chambre, il se met bientôt en quête de peau humaine pour réparer les dégâts de la décomposition, et commencent ainsi l’escalade nécrophiles qui se terminera par les meurtres ayant entraîné son arrestation.  Bien conscient qu’il ne s’agit que d’un fait divers, le film fait donc un portrait amoral d’Ezra Cobbs, même si l’agressivité du commentateur se révèle être un guide moral assez hypocrite. Peu avare en cadavres décomposés (qui forment bientôt une assemblée réunie autour d’une table à thé dans la chambre maternelle), le film cultive donc le trash en prenant son temps, en laissant Ezra s’épanouir au milieu de cet univers en putréfaction pendant qu’il continue de fréquenter des amis en villes, ainsi que leurs familles. Si le premier meurtre, un peu tiré par les cheveux, nous lance sur la voie de l’obsession d’Ezra pour les femmes, c’est avec la seconde, une catholique sensible à la solitude de notre psychopathe, que le film prend une vraie dimension bis divertissante, et cerne ses deux personnages avec une justesse rare. Une amusante mise en abîme peut être faite, massacre à la tronçonneuse, sorti la même année, s’étant officiellement inspiré d’Ed Gein, on trouve un facile air de famille entre les deux films, pour la scène du repas surtout… Traitant ses personnages de façon respectueuse, s’attardant sur des scènes gores où le sang rouge fluo trahit immédiatement le côté peinture, on touche là au temps fort du film. Le reste ne sera qu’une petite descente d’intensité, s’achevant avec l’arrestation d’Ezra, conformément au fait divers retracé. Sans parler de performance d’acteur, il est bon de noter que l’ensemble du casting fait de gros efforts d’implication, et que si Ezra est évidemment au centre du récit, les personnages secondaires sont également soignés, le tout pour un film bis dont les ambitions trash se révèlent finalement adaptées à l’histoire illustrée.

4/6

1974
de Jeff Gillen, Alan Ormsby
avec Roberts Blossom, Cosette Lee

Refn est un réalisateur danois qui a commencé sa carrière en tournant son premier long en indépendant (ses études de cinéma se sont mal terminées), et dont le dernier long métrage a fini césarisé à Cannes. Un jeune réalisateur qui va loin, et qui manifeste dans chacun de ses films un rapport étrange avec la violence, perçue plus comme une forme d’expression qu’un comportement à bannir. Avec Bronson, sorti en 2009, l’auteur nous lance quelques messages au travers de la vie de Michael Petersen, surnommé Charles Bronson, le détenu le plus violent d’Angleterre. Amoral, parvenant à obtenir de vrais moments de contemplation avec peu de choses, Nicolas nous offre un biopic totalement atypique, presque Kubrickien dans son langage cinématographique.

L’histoire : la vie de Michael Petersen, qui grandira en développant un goût pour la castagne, avant de finir en prison.

Immédiatement, Nicolas Winding Refn pose son ambiance avec des musiques très présentes, et son emploi régulier de musique classique / électro pour rythmer son histoire. Beaucoup de détails, de plans au cadrage étudié pour attirer l’attention du spectateur, qui ne sont pas sans rappeler les impressions que suscitait le cinéma de Kubrick (au hasard ou presque : Orange mécanique). Et ça tombe bien, puisqu’un des thèmes principaux de ce film, c’est la violence. Mais à l’inverse d’un Alex accro à l’ultra-violence, Bronson n’est pas un personnage qui s’en sert chaotiquement. Comme le montre son enfance, il se sert de la violence comme d’un langage. Elle lui permet d’obtenir le respect des autres, de régler rapidement un problème… Refn en profitera pour lui faire vivre plusieurs anecdotes autobiographiques (pendant ses classes, Refn a lui aussi balancé un bureau à la gueule d’un prof) afin de mieux exprimer la rage qui l’habite. Une rage presque aveugle en face d’un système qui l’opprimera constamment (la violence engendrant toujours la violence, et Bronson est souvent le premier à rentrer dans le lard d’en face), et qui répondra coup sur coup à ses provocations. Si la violence est utilisée comme langage, elle doit être employée pour dire quelque chose. Ce n’est pas une tentative de changer un rapport de force, Charles ayant constamment le dessous (à l’exception de l’épisode « combat de rues »). La violence est tout simplement la seule réponse que Charles à trouver dans le monde où il est. Incapable de se fixer des objectifs sur son avenir (sa constante indécision dans ses projets, son comportement agressif envers tous ceux qui prétendent connaître le monde et le comprendre), il vit dans l’instant présent, et n’a pas besoin d’autre chose. Exprimer la violence qui est en lui devient la seule activité qu’il arrive à faire. Au cours de sa vie, il essayera diverses méthodes pour tenter de trouver son bonheur, et qui seront toutes tôt où tard balayées. Souvent par les autres, mais aussi parce que dans chaque cas, Charles ne se sentira jamais « abouti » dans les disciplines qu’il testera, d’où un perpétuel retour à la violence. Une grande boucle formée par le film, qui ne se révèle jamais ennuyeux. Avec une considérable dose d’humour, un acteur principal vraiment impressionnant (Tom Hardy, parfaitement à l’aise dans la peau du condamné), Bronson nous donne tout simplement un portrait de vie frais, agréable à voir et pertinent dans son approche de la violence et des réactions qu’elle provoque. Fustigeant au passage quelques sujets (l’asile, un directeur de prison borné…), le biopic, si il est bien trop adapté pour être un reflet d’une réalité documentaire, a le mérite de faire passer un excellent moment, et de s’interroger soit même sur ses buts. Film costaud, et qui marque.

5/6

2009
de Nicolas Winding Refn
avec Tom Hardy, Matt King

Interdit aux moins de 16 ans

Peu de films peuvent se vanter d’avoir de purs moments psychédéliques. Quelques œuvres comme the doors, comme The Wall d’Alan Parker, Enter the void de Gaspar Noé… Je ne pourrais au final en citer que très peu, mais ceux qui arrivent efficacement à créer ces ambiances sont rares. Et j’en connais encore moins qui ont réussi à détourner cette ambiance pour en faire un instrument horrorifique. Il y a le bancal Tripper (marrant mais pas si politique que ça) et La famille Manson. Ce dernier, nous livrant une version interprétée de l’histoire de Charles Manson et de la « famille » qu’il s’est créé, réussit vraiment à recréer l’ambiance psychédélique des années 60 par l’utilisation d’un ton semi documentaire à la Cannibal Holocaust, sauf que nous sommes immergés dans une tribu de hippies. Etrange, bancal et profondément malsain, ce film est une bonne petite claque qui fait plaisir.

L’histoire : Charles Manson est un hippie charismatique qui installe ses amis dans une ferme à la campagne. Mais son attitude change peu à peu, et il se transforme en gourou et commence à influencer ses frères et sœurs…

Quand Van Bebber s’attaque à la célébrité Charles Manson (LE psychopathe n°1 dans la culture américaine), il n’y va pas de main morte, poussant l’immersion assez loin avec le style du faux documentaire, où on sent l’influence de Cannibal Holocaust. En effet, l’image possède un grain assez prononcé, et le film débute en fait avec un programmateur qui recherche du sensationnel sur l’affaire, et qui reçoit de mystérieuses cassettes, qu’il se fait un devoir de regarder. Pour mieux nous immerger dans l’affaire, nous avons d’abord droit à de fausses interviews, et à des séquences assez représentatives de la pensée hippie (ou tout du moins l’idée qu’on s’en faisait). La violence psychologique des images est assez forte, car une fois la bande installée dans la ferme, ils vivent vraiment selon leurs règles et leurs idéaux : nombreuses orgies en pleine nature, surconsommation de drogues dures… Comme le disent les protagonistes en interview, le but était de laver le cerveau des membres de toutes les inhibitions que leur éducation avait pu créer en eux. En bref, tout le monde vit d’amour et d’eau fraîche, en se nourrissant dans les poubelles et en louant Charlie pour ses ondes positives. Mais rapidement, le récit prend un ton plus sombre (notamment avec le rejet progressif des studios des chansons de Charlie). Le lavage de cerveau prend des dimensions autrement plus sérieuses, les considérations raciales commençant à apparaître (une vraie surprise en ce qui me concerne) dans la famille, et cette dernière continuant son rythme de vie décalée sous un ton beaucoup plus morbide. Pour manifester ce chavirement des personnalités, on verra les membres de la famille se grimer en démon, Charlie faisant office de Satan en personne. Un peu facile, mais parfaitement dans le ton psychédélique de l’histoire. Le décervelage prenant peu à peu d’immenses proportions jusqu’à ce qu’on arrive enfin aux premiers meurtres. Et là, on y va fort. Filmée platement, l’attaque de la maison de Sharon Tate et des meurtres barbares qui s’y sont déroulés glace, rendant véritablement gerbante cette violence poisseuse avec une efficacité qui terrasse (le psychédélisme est toujours là). Bref, c’est une immersion profonde au plein cœur de la Famille de Charles Manson, assez précise niveau détail pour faire illusion, mais dont le montage pensé pour être psychédélique nuit parfois à la compréhension de certaines parties de l’histoire. C’est d’ailleurs le cas de la conclusion, qui s’attarde sur les « émules » de la Famille massacrant quelques personnes s’intéressant trop à Charles à leur goût. En bref, une violence poisseuse efficace et une immersion psychologique assez convaincante, qui n’empêchent pas un format un peu brouillon du rendu final.

5/6

2003
de Jim Van Bebber