Les films hippies sont relativement rares, quand ils ne vont pas à l’encontre dans cette philosophie (le marrant The tripper, le nerveux Manson Family). Loin de toutes ces exagérations, Easy Driver, sorti en 1969, est un cri du cœur, une bannière du mouvement hippie qui clame haut et fort son désir de liberté. Tourné par un Dennis Hopper qu’on n’attendait vraiment pas sur un tel terrain (mirez son rôle dans Massacre à la Tronçonneuse 2), le film laisse un peu dubitatif, avant d’emporter notre adhésion en ouvrant un côté plutôt spirituel, parlant au spectateur de la vie comme la ressentent les protagonistes. Pas d’analyse à faire, tout est là.

L’histoire : Après avoir passé de la drogue à la frontière mexicaine, deux hippies s’achètent des motos et partent sur les routes d’Amérique.

Une histoire totalement linéaire, sans twist, qui coule comme de l’eau. C’est à ça que ressemble Easy rider, un voyage sur les terres d’Amérique en compagnie de deux hippies, vecteurs d’une philosophie simple de retour à la terre et de partage général. Ceux qui ne connaissent pas trop les aspirations de cette philosophie pourront combler leurs lacunes, pendant que ceux qui sont au courant pourront savourer toute l’honnêteté de la démarche de Dennis Hopper, qui essaye de nous faire voir un film initiatique. Filmant de longs segments de route en plein milieu de paysages naturels grandioses, il nous invite à faire un voyage et à nous interroger sur notre mode d’existence. Nous plongeant d’abord dans une communauté hippie, la caméra s’attarde sur différents aspects de la communauté, parvenant assez sobrement à illustrer un mode de vie simple sans faire passer ses protagonistes pour des bouseux amoraux. Le long métrage remportera notre adhésion en bonne partie grâce à la bande originale, reprenant de grands classiques de l’époque, maintenant devenu mythiques. Par l’intermédiaire de rencontres, nos hippies pourront dialoguer avec d’autres protagonistes, qui apporteront tous un peu à l’échange qui aura lieu chaque soir au coin du feu. C’est le personnage de Jack Nicholson qui se révèlera le plus sympathique, car étant celui auquel on s’identifie le plus facilement. Le type sympa au quotidien, qui tente l’expérience et qui accompagne quelques jours nos personnages principaux dans leur périple à travers l’Amérique. Il est assez étonnant de constater combien le film arrive à s’attirer notre sympathie, pour peu que l’ouverture d’esprit soit naturelle chez le spectateur. Ce film est une pure expérience, un échange comme un soir de discussion avec un ami de longue date. Ce qui n’empêche pas le film de nous secouer viscéralement avec un dernier quart d’heure dramatique, qui révolte avec une force rare. Un vrai cri en fin de bobine, qui clot le film un peu trop abruptement pour les messages positifs qu’il délivrait dans sa première partie, mais qui permet de prendre un vrai bain d’émotion pendant une heure et demie. Un régal.

5.5/6

1969
de Dennis Hopper
avec Dennis Hopper, Jack Nicholson

Beaucoup de films ont été tournées sur l’Allemagne nazie, souvent avec un certain talent (l’excellent La chute), mais avec parfois plus d’approximation (Hitler, la naissance du mal). En tout cas, de petites productions ont pu s’exprimer aussi sur le sujet, comme ce méconnu Par delà le bien et le mal (traduction du titre original Good), sorti en 2008, s’appuyant beaucoup sur le talent de Viggo Mortensen. Ayant pour contexte l’émergence du parti nazi, et s’étendant jusqu’en 1942, on se focalise sur un homme, John Halder, dont une œuvre littéraire sur l’euthanasie sera remarquée par la chancellerie  et utilisée par le gouvernement. Peu à peu, le film montre comment un citoyen lambda, qui n’a jamais eu l’intention de faire le mal, se retrouve mêlé au gouvernement nazi avec un poste important et une réussite sociale fondée sur l’amoralité. Un très grand film dont le caractère intimiste a un peu limité le propos, mais qui s’attaque à décrire combien la collaboration est insidieuse.

L’histoire : en 1930, le professeur de littérature John Halder est convoqué par la chancellerie pour développer les arguments qu’il évoque dans son dernier roman, une fiction où un homme abrège les souffrances de sa femme malade. Il lui est proposé un poste à condition d’adhérer au parti nazi.

Œuvre troublante que ce Par delà le bien et le mal, qui a pour ambition de décrire combien il est facile de se retrouver dans le mauvais camp sans jamais avoir eu de mauvaises intentions. Le seul repère que nous pourrons avoir (du moins dans la première partie du film), c’est l’ami juif de John, un psychiatre qui va voir peu à peu son quotidien changer, et qui ne cessera de rabaisser moralement John pour son nouveau parcours social. Car c’est bien là que l’œuvre est insidieuse. Elle dépeint comment on pouvait acquérir un statut social enviable dans le troisième Reich. En faisant preuve de zèle, et avec quelques concessions, il devenait facile d’acquérir des avantages auxquels les populations civiles n’avaient pas droit. Le livre de Halder a plu au Führer. Il n’a qu’à écrire une thèse en développant l’idée de l’euthanasie, et il deviendra un consultant pour les décisions politiques et médicales qui seront prises sur le sujet. Il suffit juste d’adhérer au parti nazi pour cela. Qu’est-ce que c’est, au final ? Porter un pin’s sur une cravate, un ou deux petits saluts de ci de là, une bague à porter… Rien en comparaison d’un foyer agréable, d’une nouvelle femme fraîche et avenante, d’une situation financière stable. De minuscules concessions, et si je ne suis pas d’accord avec certaines décisions du parti, il suffit de me taire pour que tout continue. Et voilà John Halder qui se retrouve consultant pour diverses installations médicales, qui aide le gouvernement à prendre quelques décisions mineures, et qui vit une vie tout simplement idyllique dans un contexte de guerre mondiale. Le film va même plus loin en montrant combien il est facile de se rassurer et d’éluder toutes questions de morales pour un SS, en se murmurant de petites vérités pour en masquer des plus grosses. Suite à un attentat perpétré par des juifs, la fureur populaire force l’armée à appeler tous ses réservistes dans les rues pour maintenir l’ordre. Et là, Halder se retrouve sanglé dans un uniforme SS, totalement métamorphosé. Toutes ses appréhensions refont surface, et sa nouvelle compagne les calme en lui susurrant qu’il va maintenir la paix ce soir, qu’il va protéger la population, qu’il est admirable. Avant de partir sur le fétichisme induit par l’uniforme et de le satisfaire avant son départ. Par delà le bien et le mal décrit la facilité que l’individu (ayant un minimum d’importance) a à améliorer sa situation par une complicité passive. Et ce n’est qu’au cours d’un final traumatisant que John se rendra compte de son erreur, en inspectant un camp et en retrouvant son ami, complètement déshumanisé après seulement quelques jours dans son camp. Arrivant en un long plan séquence à capter le vide chez les prisonniers, et à contempler pendant quelques minutes un orchestre improvisé de détenus, le film parvient à mettre un allemand totalement honnête dans ses intentions en face de ce que sa contribution passive a contribué à mettre en place. Le film n’est cependant pas sans quelques défauts. La vie de famille de John ne sera pas assez développée pour que l’on ressente vraiment son abandon lorsqu’il s’installera avec son aryenne. De même, John s’occupera très souvent de sa mère, vieille femme atteinte de tuberculose et souffrant de la maladie d’Elsheimer. Certes, on comprend sa présence (elle permet de comprendre pourquoi John a médité sur l’euthanasie, et sert aussi d’antithèse, John luttant pendant tout le film pour la faire survivre le plus longtemps possible). Mais elle apparaît trop souvent, sa personnalité est un peu trop développé, ce qui a pour conséquence de rallonger le récit au lieu d’aller à l’essentiel. Enfin, la facture technique, un poil trop télévisuelle. Mais ces défauts mineurs ne doivent pas éclipser un contenu vraiment intéressant (abordé avec un tact qui atténue parfois les émotions, mais qui laisse clairement passer le message), en nous offrant son lot de scènes glaçantes (John, sans compétences médicales, se retrouvant dans le quartier des handicapés mentaux, en face d’un médecin lui demandant son avis sur leur euthanasie). Un film modeste, d’une excellente qualité et qui mérite le soutien de la communauté cinéphile.

4.5/6

2006
de Vicente Amorin
avec Viggo Mortensen, Jason Isaacs

Digne héritier du célèbre mais controversé Middnight express, Au nom du père fait partie de ces drames qu’un cri de révolte anime de long en large. Une longue plainte, qui implique totalement son spectateur et le plonge dans la tourmente qui malmène les individus que l’on suit. Quand ces thématiques s’entrechoquent avec un sujet aussi délicat que l’IRA et le terrorisme, le cocktail ne peut qu’être détonnant avec un réalisateur de talent. Coup de bol, c’est ici le cas.

L’histoire : Gerard Conlon, un jeune irlandais voleur à ses heures perdues, est accusé d’avoir participé aux attentats de Guilford. Lui, trois de ses compagnons et deux de ses parents sont condamnés et emprisonnés alors qu’ils clament leur innocence.

Commençant son film par un portrait assez amer du climat des rues en Irlande (patrouilles militaires, jeunesse désœuvrée se mettant dans l’illégalité, cache cache entre anglais et IRA…), le réalisateur commence fort son film, avec une scène d’émeute où le peuple irlandais clame fort son désir d’indépendance. Le portrait qui nous est fait de Gérard Conlon a alors tout pour s’attirer notre sympathie (pas pourri, mais rock’n roll et en marge de la société comme de la légalité). En se mettant à dos un hippie assez roublard, il déclenche un mécanisme bien rodé, ce hippie le dénonçant comme suspect potentiel dans l’affaire des attentats. Après un procès vite expédié devant les médias, les sentences tombent, à la fois sur Gérard, ses amis et deux de ses parents. L’enfer de l’injustice peut donc commencer pour eux, ces derniers étant chargés de lourdes peines (Gérard et sont ami seront déclarés prisonniers à vie). Avec le quotidien d’une prison anglaise, le climat est plutôt tendu avec ces arrivants irlandais. Cependant, les situations iront toujours moins loin que les excès de violence auxquelles nous avons été habitué lors de représentations du milieu carcéral (le seul petit défaut du film). Ce qui va nous intéresser, l’enjeu du film, c’est la lutte. Si Gérard passe d’abord par une étape « blasé », il a bientôt le choix entre deux types de lutte. La lutte juridique, que son père défendra pendant toute sa période de captivité, ou la lutte par les hommes, à l’échelle de la prison. On suivra l’évolution du personnage, qui choisira d’abord la deuxième option, se retrouvant dans une large bande d’irlandais, parmi lesquels il rencontrera le véritable poseur de bombe. Mais les limites d’une telle lutte étant représentées lors de la scène de projection du film, on se tournera bientôt la première, la plus frustrante et la plus ardue, tant l’erreur judiciaire est énorme et tant les autorités ignorent royalement les requêtes de nos héros. Une guerre des nerfs dont la frustration frappera le spectateur à chaque plan, et qui réveilleront en lui de ces rages qui donnent envie de faire bouger les choses. Sans dévoiler l’issue du combat (pour tout spoiler, s’adresser à l’Histoire), le film prend aux tripes et nous engage dans la mêlée sans que nous y soyons particulièrement conviés. Un film qui parle, même après plus de trente ans, et qui continue d’être efficace. En deux mots, un drame poignant.

5/6

1993
de Jim Sheridan
avec Daniel Day-Lewis, Pete Postlethwaite

Asia Argento, fille de Dario, actrice italienne reconnue qui a décidé de passer à la réalisation avec des œuvres assez personnelles (on se rappelle du traumatisant Le livre de Jérémy), a entamé sa carrière avec Scarlet Diva, l’histoire d’une actrice italienne qui décide de devenir réalisatrice. On sent un parfum d’autobiographie derrière cette œuvre, mais on se réserve le droit d’en douter au vu du contenu du film.

L’histoire : Anna Battista, actrice connue pour ses rôles et la légèreté de ses mœurs, souhaite passer à la réalisation dans sa carrière et tombe amoureuse de Kirk Vaines, un chanteur en tournée à Paris.

Film pensé pour être coup de poing, Scarlet Diva fait hélas l’erreur de bien vite s’égarer, distribuant sa violence à tort et à travers sans qu’elle ait forcément de « justification autre que sa propre présence ». En gros, il y a de la violence et c’est tout, sans qu’il y ait de messages, seulement les déboires de l’héroïne que nous suivons. Anna Battista est une actrice de 23 ans, glamour, type Lolita, qui dit à qui veut l’entendre que les actrices italiennes sont traitées comme des putes, et qui s’assume elle-même comme telle. Dès que ces bases sont assimilées par le public, ce dernier a à peu près compris la moitié du film, et subira beaucoup de situations peu utiles où Anna, qui garde constamment des réflexes d’allumeuse, tente d’abandonner son étiquette, alors que ses interlocuteurs la considèreront toujours comme la poupée humaine qu’elle a toujours été. Intéressant de parler du cinéma sous cet angle, mais la répétition de certaines situations (récurrence d’un réalisateur lubrique qui veut à tout prix la sauter, réalisateur camé jusqu’à l’os, visiteuse inconnue qui vient seulement se faire jouir…) lasse vite, trahissant une certaine vacuité du propos, Anna servant surtout de kleenex humain à bon nombre de personnes. Ainsi, si certaines séquences façonnent un caractère (la jeunesse d’Anna, entre une mère actrice ratée et un frère incestueux), la violence qu’elles emploient semble aussi gratuite, ou en tout cas utilisées avec trop peu de délicatesse pour affiner le portrait ou servir le message. Anna comprendra donc bien vite qu’elle ne peut monter son projet professionnel qu’en solo, ce qu’elle fera, le film s’achevant sur la rédaction complète de son script et l’acceptation de la fin de son amour et de la vie de son enfant. Une mise en abîme assez profonde, Asia ayant suivi un parcours professionnel similaire et jouant le rôle d’Anna, mais qui n’ira pas plus loin qu’une impression d’autobiographie. Ce n’est pas la vie d’Asia, mais on en ressent un arrière goût. Le deuxième « thème » du film, c’est l’amour brisé avec Kirk, un chanteur plutôt cool qui lui demande de passer une nuit de son concert avec lui. Alors que la première partie du film détruisait l’amour en montrant Anna comme une voltigeuse passant d’un plan Q à un autre et son amie Véronica victime d’un amour maladif pour un cagoulos qui la bat, celui-ci renaît d’un coup au milieu d’un concert, et modifiera radicalement les décision d’Anna par la suite (avec notamment le choix de ne pas avorter). Détail notable, l’éclairage du concert, bleu turquoise et rouge, sera réutilisé pour la séquence de bad trip au cours d’une séance photo où Anna camée jusqu’aux yeux se noiera presque dans une piscine. Bref, c’est l’amour qui fait changer les individus. Sauf qu’il n’y a qu’Anna qui est amoureuse, et que son étalon passe son temps autour du monde et qu’il est marié. C’est donc le drame et la désillusion tel qu’on les connait, mais ave ici une mise en scène un peu énervée qui essaye d’innover par des scènes brut de décoffrage (sans être démesurément violent, on est dans le trash assez régulièrement). Au final, Scarlet Diva est un drame assez commun, sans but autre que de nous faire part du parcours de son héroïne, qui changera un peu de ci de là, sans pour autant nous faire progresser nous. Un drame inutile qui rassure sur le plan des déboires individuels (car elle s’en prend quand même des sévères), mais qui n’ira jamais plus loin. Dispensable, mais un premier film qui laisse déjà apparaître les tendances de la réalisatrices. A réserver aux fans d’Asia.

1.5/6

2000
de Asia Argento
avec Asia Argento, Jean Shepard

Les réalisateurs espagnols nous ont souvent offerts des petites merveilles en allant bosser à l’étranger (The constant gardener, 28 semaines plus tard…), sans toutefois qu’on crie au chef d’œuvre. Mais ça, c’était avant de voir Les fils de l’Homme. Œuvre d’anticipation particulièrement réaliste, au postulat ingénieux et particulièrement révélateur d’un visage de l’humanité, Alfonso Cuaron brosse un portrait gris et sombre d’une société qui se réfugie dans le totalitarisme pour conserver un minimum d’ordre. Des partis pris ambitieux, des enjeux humanistes et des instants de pure contemplation… Les fils de l’Homme est un grand film sous bien des aspects.

L’histoire : 2027, le monde s’est effondré suite à la stérilité de toutes les femmes du monde. Téo, citoyen britannique toléré par la dictature en place, est contacté par les poissons, un groupe terroriste, pour convoyer une femme de la plus haute importance.

Formellement, le film fait déjà preuve d’une cohérence qui force l’admiration en termes d’ambiance. Jamais la grande Bretagne n’a autant ressemblé à une dictature. Une ambiance grise omniprésente, des cadrages qui dévient peu à peu des protagonistes pour s’attarder sur des détails révélateurs du désespoir ambiant (l’omniprésence de la police, le sort des réfugiés, les bûchers…). On nous brosse un futur hypothétique ultra crédible (les technologies sont à peine plus évoluées que maintenant), et les spéculations faites sur l’humanité en pleine période de crise font mouche régulièrement. C’est d’ailleurs ici que réside le parti-pris le plus casse-gueule du film : il persiste à rechercher l’humanité dans ce qu’elle a de plus vil : la xénophobie, le terrorisme, les conflits armés… En affichant cette crasse et ce désespoir, le film aurait pu facilement basculer dans le misérabilisme ou dans le pamphlet anti-humain outrancier. Mais l’interprétation au millimètre des protagonistes (Clive Owen, mais aussi ) permet de dépasser le stade de la misère humaine et de révéler au grand jour les sentiments que les humains peuvent éprouver même dans ces moments noirs de leur existence. Ce drame cerne avec une grâce totale la capacité des humains à changer du tout au tout dès que l’espoir peut renaître. Si l’illustration est globalement en défaveur de la nature humaine, c’est parce que celle-ci est dans une situation catastrophique, et que l’absence d’espoir l’a totalement déshumanisée. Ce qui explique la multiplicité des dérives que nous serons amené à constater : intégrisme religieux, terrorisme, repentants, répression policière… Conséquence : la fin arrive comme une conclusion merveilleuse, concluant merveilleusement sur une note d’espoir, celle qui manquait à l’humanité du film. L’évolution des protagonistes en général est elle aussi assez révélatrice d’une certaine part d’humanité. Téo a la quarantaine bien sonnée, il est cynique et tente de survivre sans histoire ses dernières années. Mais la découverte de Kim et de l’enfant qu’elle porte va peu à peu réveiller des instincts paternels qu’on ne soupçonnait plus chez lui. De même le nouveau chef des poissons tentera tout pour récupérer l’enfant, autant pour s’en servir de bannière politique que pour le rassurer sur son humanité intacte (son déchirant discours en pleine gunfight). Quant à Jasper, il conservera jusqu’au bout son comportement satyrique (avec sa vision de caricaturiste bourré d’ironie permettant de faire face à la situation quotidienne avec un certain recul). En bref, chaque personnage est travaillé, ce qui nous permet de les comprendre avec une réelle empathie, et donc d’apprécier à leur juste valeur leur sacrifice à la cause. Le drame parvient également à transcender son discours en dynamisant son récit au maximum avec des scènes de suspense réalistes et particulièrement immersives (la caméra à l’épaule parvient par moment à capter une intensité que peu de films ont su retranscrire, les long plans séquences n’y sont pas étranger). L’armée n’y va pas de main morte, aussi les 20 dernières minutes du film concurrencent sans peine le final d’Il faut sauver le soldat Ryan. Combinant suspense et portrait de l’humanité, Les fils de l’homme est tout simplement un indispensable, un drame particulièrement énervé et efficace, qui sait révolter autant qu’émouvoir (les terroristes et les forces de polices ne tardent pas à être sur un pied d’égalité), et rend parfaitement justice à l’humanité en ne la privant jamais de ses sentiments. Un chef d’œuvre.

6/6