Edmond est un peu la confirmation que Stuart Gordon se réoriante (son film charnière étant le monstreux King of the ants, une vraie bombe !), car un peu comme son collègue Cronenberg, il délaisse l’univers de la série B pour s’intéresser à des thèmes plus psychologiques. Ici, point de monstres, mais une psychologie de la frustration particulièrement bien étudiée, incarnée par son héros Edmond, un homme d’affaire banal qui décide une nuit de repartir à zéro, d’abandonner son ancienne vie et d’en commencer une autre. Par une série de simples rencontres et d’exemples choisis, Stuart parvient à faire un portrait de la rue prédatrice, qui te bouffe peu à peu tous tes biens si tu ne comprends pas ses règles, jusqu’à ce que tu finisses au fond du trou. Une descente aux enfers crédible, d’autant plus qu’elle s’adresse à des émotions qu’on a forcément déjà ressenti.

L’histoire : un soir de week end, Edmond, un cadre parmi tant d’autres, pénètre dans une boutique de voyance. La femme qui lui tire les cartes annonce alors qu’il n’est pas à sa place. L’annonce le remue, puis une fois rentré chez lui, il craque et décide de recommencer sa vie.

Un film assez subversif que cet Edmond (qui annonce déjà la couleur que prendra Stuck), puisqu’il s’engage dans une mécanique perverse, qui montre combien le monde posé du métro-boulot-dodo (forcément frustrant, chaque jour se ressemblant, à l’exception de petites frustrations quotidiennes comme le décalage d’un rendez-vous) contraste avec celui de la rue, composé de prédateurs plus ou moins organisés qui vivent sur le dos des uns et des autres, et où tout devient rapidement prétexte à tirer du fric à son prochain. Le film commence son entrée doucement par une conversation de comptoir entre un autre cadre inconnu et Edmond, chacun donnant sa vision de la vie, et ce qui est nécessaire pour être heureux. Rapidement, Edmond se focalise sur son besoin sexuel, frustré il y a longtemps par une épouse qui se contente de survivre avec lui (et qui l’engueulera avant de le foutre dehors à l’annonce de son projet, ne supportant pas l’idée de perdre le contrôle de son quotidien, et croyant le reprendre en jouant les vierges offusquées). Il se met donc en quête d’une prostituée dans divers clubs, mais à chaque fois il est rebuté par un protocole qu’il ne comprend pas, et qui n’existe que pour lui tirer un peu plus de fric. Il s’offusque à chaque fois contre ces procédés d’escrocs, mais il ne parvient qu’à s’attirer plus d’ennuis, finissant battu et dépouillé au fond d’une ruelle. C’est à partir de cet évènement qu’il va changer radicalement, obligé de se séparer de son alliance chez un prêteur sur gage, qu’il échangera contre un couteau de survie. Et là, dès qu’il se fait agresser, il réplique par une violence dévastatrice, qui lui apporte le soulagement de la vengeance des années d’humiliation et de frustration qu’il a accumulé. Il est d’ailleurs particulièrement subversif de voir Edmond tabasser un noir qui tentait de le rançonner, et de l’entendre dire « nègre » à toutes les phrases, le racisme apparaissant comme un caractère omniprésent qui ressort dès qu’il en a l’occasion. Et c’est à partir de cet évènement que le film change de ton, Edmond ayant constaté que la force lui permet de s’imposer (et paradoxalement d’exister) en face d’individus, mais que son comportement nuit gravement à la société. Il sort son poignard désormais à la moindre frustration, et se révèle bientôt incapable de canaliser ses sentiments quand il s’engage dans une conversation profonde, où il est persuadé que sa sincérité le place comme détenteur de la vérité. Le film dérape alors sur le pétage de câble de son personnage et le suit dans sa descente, jusqu’au plan final qui en laissera plus d’un abasourdi. Un peu comme Joel Shumacher et son Chute libre ou Gaspar Noé et son Seul contre tous, Stuart Gordon  suit un parcours psychologique, d’un individu amoral qui tente de combattre les frustrations de son quotidien sans pouvoir y changer quoi que ce soit. La force du film repose beaucoup sur les épaules de l'acteur principal William H Macy, totalement dévoué au film, ainsi que sur ses seconds rôles jouant juste (on reconnaîtra quelques bouilles familières comme celle de Jeffrey Combs). Violent, subversif et sincère du début à la fin, Edmond est un petit thriller qui n’arrête pas d’évoluer, qui se met au niveau du spectateur pour développer ses arguments (tous ses personnages sont des gens de la rue, de la serveuse du bar au flic de quartier en passant par les voyageurs du métro), et donc les pistes de réflexion devraient enthousiasmer les amateurs de psychologie critique. Une vraie bonne surprise, et un nouveau départ pour Stuart !

5/6

2005
de Stuart Gordon
avec William H. Macy, Julia Stiles

On renchaîne sur un autre film de Uwe Boll : Rampage. Je vais me répéter en disant que le film est d’actualité après l’évènement dramatique qui a eu lieu en Norvège, mais ce film est tout simplement un des plus beaux exemples d’une menace comparable à celle des serial killers : le « terrorisme citoyen ». Peut être prétentieux de ma part de lui donner ce nom là, mais les individus qui pètent tout simplement un câble de façon parfaitement contrôlée sont une menace tout aussi sérieuse quand on voit ce que la volonté d’un seul individu peut engendrer comme dégâts humains. Avec des moyens relativement modestes et un discours particulièrement nihiliste sur la société, le film d’Uwe Boll part sur plusieurs idées très intéressantes (faisant écho à son troisième film Amoklauf, décrivant le quotidien abrutissant d’un psychopathe) tout en se gardant bien d’appuyer les propos de son protagoniste.

L’histoire : un jeune adulte, en apparence équilibré et réaliste sur la société de consommation, médite depuis quelques mois un plan pour exprimer sa haine de la société au cours d’une fusillade aveugle.

Le film de Uwe Boll commence sous un angle assez réaliste, présentant d’abord son personnage principal, un jeune homme classique, fainéant sur les bords (ses parents le mettent relativement sous pression à ce niveau là), qui fréquente un jeune anarchiste qui n’arrête pas de cracher sa haine sur la société. Le jeune homme écoute, mais semble avoir son propre avis sur la question. Malgré les exhortations de son ami à dénoncer l’hypocrisie du système, de la société de consommation et de tous ces thèmes qui nous agacent (car mettant le doigt sur des sujets frustrants), notre héros continue d’adopter une façade rassurante et stable. Mais dans l’intimité de sa chambre, nous nous rendrons compte que ses motivations sont toutes autres… Fréquentant des forums subversifs répétant inlassablement des messages péjoratifs sur la société, le jeune homme se marre gentiment devant ces longs discours, considérant comme nuls les raisonnements de ses interlocuteurs par le simple fait qu’ils parlent sans agir (comme son ami). Leur inaction l’amène à penser qu’ils n’ont pas de couilles, et qu’ils continueront à regarder le pays couler le cul posé sur leur chaise. Notre protagoniste veut agir, lui. Et c’est son action qui pose problème, puisqu’il décide de montrer (en apparence) sa rage envers la société en faisant tout simplement un carnage dans sa ville. Par l’intermédiaire de son ami, il vient de recevoir les dernière pièces d’une armure blindée, et décide de lancer son plan pendant un jour de semaine. Il plastique d’abord le poste de police de la ville, puis marche dans les rues en tirant sur tout ce qui bouge. Jusqu’à ce point du récit, Uwe Boll avait l’air de nous donner la vision révolutionnaire d’un jeune homme, qui partait d’un portrait désastreux de la société pour justifier une tuerie qu’il allait commettre. Une sorte de « vous l’avez bien cherché ! », qui commence un peu à s’ébranler une fois le massacre commencé. La gratuité de la violence est telle qu’elle annihile d’elle-même l’argumentaire qui avait été fait jusqu’à lors. On attribuera à Uwe un certain savoir faire dans la gestion de cette violence, toujours dramatisée et parfois vraiment insoutenable (l’exécution sommaire des clientes d’un salon de coiffure), qui ne se contente pas de filmer platement un carnage. Le film essaye d’impliquer le spectateur, qui continue de se focaliser sur le personnage principal. Personnage qui ne revendique au final absolument pas ses méfaits, s’étant finalement servi de l’affaire comme couverture afin de s’enrichir personnellement. La conclusion que fait le film est en cela très intéressante, puisque si notre protagoniste continue de critiquer la société et donne son avis pour qu’elle fonctionne (c’est simple : il suffit de tuer ceux qui sont inutiles…), le spectateur peut se faire son point de vue sur lui : un individu qui à force de résonner en concept de masse en est venu à déshumaniser complètement ses concitoyens et qui prend des libertés monumentales en s’auto-persuadant qu’il est le seul à être capable de changer les choses. D’ailleurs, si le film avait l’air de partir dans cette direction, ses conclusions sont telles qu’aucun changement n’apparaît (si ce n’est pour notre individu qui est maintenant riche et pour la ville qui vit un drame traumatisant). Film coup de poing que nous offre notre ami Uwe, même si ce dernier a toujours un putain de problème avec sa caméra (bon sang, achète un pied et pose la un peu, qu’elle arrête de trembler !). Si on continue à écrire que ses films deviennent bons mais qu’il continue à mal les filmer, peut être parviendra-t-il à devenir le réalisateur honnête qu’on commence à percevoir en lui. D’ici là, ses récentes productions sont réellement atypiques, et mériteraient d’être vue, au moins pour constater l’impressionnante évolution du bonhomme.

4.5/6

2009
de Uwe Boll
avec Brendan Fletcher, Michael Paré

Outre sa création mondialement reconnue du film de zombies, Romero s’est aussi aventuré dans diverses petites productions (avec des budgets toujours assez restreints lorsqu’il travaillait au Canada), en complet décalage avec ses grands succès de revenants. Avec Martin, il s’attaque au mythe du vampirisme, sans pour autant traiter le sujet sous l’angle qu’on attendait. Après les Christopher Lee charismatiques de la Hammer, on passe à un nouveau stade de la mythologie vampirique : le suivi psychologique d’un jeune homme atteint d’une maladie mentale le poussant à boire régulièrement du sang. Totalement inattendu, et par conséquent déroutant, pour le cinéphile qui croyait que son bagage sur les buveurs de sang allait pouvoir lui servir.

L’histoire : Martin est un jeune psychopathe en puissance, nécessitant régulièrement quelques gorgées de sang pour apaiser les voix qui résonnent dans sa tête. Il est envoyé par sa famille proche chez Cuda, un oncle tyrannique paré dans l’habit du bon chrétien.

Martin décide d’annoncer la couleur dès le départ, avec une introduction sobre, montrant immédiatement le mode opératoire de Martin. Il choisit toujours une femme seule, s’assure de son isolement avant de l’endormir d’une injection de sédatif, puis de la vider de son sang (et de coucher avec le corps endormi, même si cela ne sera jamais montré). C’est amoral, c’est saignant, et on constate d’entrée de jeu que Martin a un problème psychologique (qui ne lui fait jamais perdre son discernement : il maquille toujours ses meurtres en suicides ou en accidents). Martin est un être malade. Cependant, il a conscience de sa maladie et de son explication purement psychologique. Il n’a pas les attributs d’un vampire, ni même leur charisme. C’est un jeune adulte complexé au niveau sexuel (incapable de pratiquer autrement que sur une femme endormie qu’il va saigner à blanc), d’une timidité rassurante, et plutôt intelligent au contact de son entourage. Il est régulièrement assailli par des hallucinations visuelles et auditives, qui même si elles contribuent à installer une ambiance vampirique, restent toujours présentées comme des symptômes. La maladie ne fait aucun doute, et de cette certitude, Romero peut alors se pencher sur le contexte dans lequel Martin est placé : une famille catholique qui a carrément honte de lui, et qui le considère comme un authentique vampire. Martin n’a de cesse de rappeler que son état est dû à une maladie (dès son arrivée, il mange de l’ail et fait voler les crucifix), parfois assez finement (la métaphore de la magie), mais le caractère obtus de l’oncle Cuda ne cèdera jamais à la raison. L’œuvre de Romero trouve ici son fer de lance : la critique de la superstition sous un angle psychologique. Le film fait clairement le postulat que c'est ce contexte qui est en grande partie responsable de l'état de Martin. L’accent qui est mis sur les symboles religieux en rajoute, mais servant plus d'écrin au thème principal du film : la superstition. Le film utilise la religion comme poid moral (même si il tente d'être universel, il sera surtout axé sur la branche catholique), mais j'ai tendance à croire qu'il vise plus l'obscurantisme (le prêtre invité à déjeuner étant lui aussi surpris par le discours agressif et superstitieux de Cuda (quoiqu’il est un peu gênant d’écrire cela, les cas de possession nous mettant toujours un peu dans l’embarras quand il s’agit de se placer du côté de la science ou de la religion)), avec ici le mythe du vampire tel qu’il était vu au moyen âge. Ainsi, ce ne sont pas les objets (aulx, crucifix, pieux…) qui sont menaçants, mais bel et bien les symboles qu’ils représentent, et l’état d’agression psychologique dans lequel Martin est toujours plongé. Un quotidien familial où il est harcelé par son oncle, alors qu’il passe pour le simplet du village dans la communauté. L’ambiance du film est donc lourde, aboutie (les portraits psychologiques qui sont faits sont tous remarquables), et gravite autour de Martin, dont on suit le quotidien, de crises en crises. On suivra donc l’évolution de son comportement, de sa maturation progressive au contact d’une villageoise qui tombera amoureuse de lui jusqu’à ses confidences à une radio locale. Il est assez intéressant de voir que ces échanges téléphoniques avec l’animateur radio permettent de montrer combien le mythe vampirique est toujours populaire, mais aussi de dénoncer la tendance des médias à traiter d’un sujet parce qu’il est original, et à le tourner peu à peu en dérision (le ton ouvertement cynique des derniers échanges est clair). Quant à la compagne de Martin, elle finira par se suicider, probablement par pression morale et par auto-persécution (elle est le plus fort argument anti-religieux du film, vu que la seule piste qu’on ait pour expliquer son acte est sa pratique de la religion catholique). Enfin, le dénouement sera d’une brutalité rare, à la fois ironique (impossible d’en dire plus sans spoiler) et suffisamment choquante pour bien nous rappeler au message principal du film : l’obscurantisme est totalement dépassé (Cuda est incapable de s’adapter au rythme de la jeunesse). Avec ce film, Romero nous offre en plus d’une étude psychologique quelques scènes de thriller assez bien foutues (de son propre aveu, la lutte dans la villa est la scène la plus efficace qu’il ait jamais réalisé), qui ajoutent un peu de suspense, dynamisant un récit qu’on aurait pensé plus posé (ennuyeux ?). En tout cas, il réussit son pari : celui de réaliser un film vampirique subversif qui démystifie le monstre au lieu de le consacrer. Un habile travail, bien réalisé et qui se révèlera surprenant à chaque vision.

5/6

1977
de George A. Romero
avec John Amplas, Lincoln Maazel

Suicide Room est un film totalement obscur, sorti de  il y a peu et qui tente de faire un portrait d’adolescence meurtrie, qui chemine peu à peu vers la mort. Le pitch nous laissait entrevoir un drame poignant avec des sentiments à la clef. Une sorte d’alternative à l’excellent (et mésestimé) Chatroom. Mais ce n’est pas vraiment ce qui a l’air de motiver le réalisateur. D’ailleurs, bien malin sera celui qui pourra dire où il va, tant le film explore de pistes différentes sans tenter de les développer jusqu’au bout.

L’histoire : un étudiant de 18 ans, proche de passer son bac, fils d’un papa ministre et d’une maman styliste, commence à vivre une crise d’identité sexuelle.

Mitigé. C’est ce qu’on peut dire en voyant ce film. Certes, les intentions sont louables. Le film veut illustrer un drame individuel, et il ne prend donc aucune distance avec son personnage principal (les parents ne tenteront enfin de s’opposer à la dérive de leur fils qu’à la fin du film), embrassant ses états d’âmes avec la passion de cet âge, et s’aventurant avec lui sur la toile dans un chat privé nommé Suicide Room, une communauté d’internautes qui ont pensé au suicide, et qui tentent de s’entraider. Comme ça, les ingrédients font envie. Mais le film semble incapable de les gérer adroitement. Le point de départ, un étudiant qui se demande un peu si il est homo, qui hésite à se lancer après un roulage de pelle en soirée avec un gars, puis qui se fait railler après s’être joui dessus après un combat de judo, est un parti pris, qu’on prendra comme tel. C’est après que le film se gâte. Sa crise d’identité sexuelle n’attire pas plus que cela notre compassion (il n’est défini que par cette crise sentimentale, les relations avec ses amis étant expédiées en quelques minutes), et comme elle est le point de départ d’un engrenage, ce dernier aura beaucoup de mal à nous accrocher par la suite. D’autant plus qu’il est criblé lui aussi de détails gênants. Déjà (bien involontairement), le film fait un portrait d’une jeunesse inconstante, qui change d’idée comme de chemise (ce qui est gênant pour un thème aussi grave que le suicide, qui plus est d’un enfant riche et en bonne santé). Il dit une chose un soir, et deux jours plus tard il fait l’exact opposé. Et parlons de la Suicide Room maintenant. La moitié du film est une animation 3D un peu approximative qui s’aventure dans un univers 3D pensé pour être cool, où des avatars forment un groupe de discussion. Visuellement, ce concept s’écarte totalement du sujet du film, ressemblant même à un procédé de petit malin par moments (un duel pour entrer totalement inutile, une espèce d’intrigue avec un membre du groupe qui espionne ses camarades…). Et au final, ce groupe de discussion a des objectifs assez flous. Un jour ils parlent de suicide, un autre de leur vie sentimentale… Et le tout est ponctué de tentatives avortées, comme cette journée où notre ado retourne au lycée avec un flingue en poche en mode terroriste, dévisageant chaque individu et s’extasiant le soir venu de ses sensations… pour oublier définitivement l’expérience dès le lendemain. Si le film essaye de rester toujours sérieux et d’épouser le point de vue de l’étudiant, il oublie d’être assez clair pour montrer où il veut en venir. Car au final, notre garçon se suicide à peine quelques jours après avoir chanté les louanges de la vie. Et après qu’on lui ait coupé internet. Portrait d’étudiant qui n’a pas attisé en moi plus de sentiments qu’un intérêt poli, ce film se regarde toujours dans l’attente de ce qu’il va se passer, sans que les évènements qui arrivent soient particulièrement surprenants. Manquant de recul avec son sujet, Suicide Room est un film fourre-tout qui n’a pas l’impact escompté, mais qui a au moins le mérite d’avoir des acteurs plutôt concerné.

2/6

2011
de Jan Komasa
avec Filip Bobek, Danuta Borsuk

Quand La rafle est sortie au ciné, le succès a été au rendez-vous. Près de trois millions d’entrées, c’est une manne sur laquelle on ne crache pas. Il a fallu attendre la sortie dvd pour commencer à voir un débat se créer. On y voyait une tentative d’éclaircir la réalité (honteuse) de la rafle des juifs organisés par les forces françaises, ou un film franchouillard tentant de faire larmoyer les chaumières avec du tragique facile. Ce qui est un peu gênant, ce sont les propos qu’a tenu la réalisatrice en face des critiques, sous entendant un rapprochement entre ses détracteurs et les nazis (mais attention, comme elle n’a pas dit nazi, elle peut lancer un procès pour diffamation). Mais n’oublions pas que si Lars Von Trier a été expulsé du dernier festival de Cannes, son Mélancholia a séduit pas mal de monde. Tentons d’être objectifs et analysons l’œuvre.

L’histoire : 1940, la plus grosse moitié de la France est occupée par les allemands. Hitler réclame 100 000 juifs à la France. Une partie de la hiérarchie fait ce qu’elle peut pour ralentir la commande, mais les pressions militaires se faisant plus présentes, l’ordre est lancé pour le 16 juillet.

Saluons la tentative assez ambitieuse du film d’illustrer une partie sombre de notre histoire : la participation française à la déportation et à la solution finale (sous la menace, mais pas que). Il en fallait une bonne paire pour se lancer sur ce sujet. Le problème, c’est que ces enjeux qui promettaient du costaud (on commençait en plus sous l’angle attendrissant des enfants, qui aurait pu transcender les ambitions…) se faisaient peu à peu plus appuyés. Et patatrac, le film se grille en faisant du mélo. Oui, le mélo émouvoit. Surtout quand il donne des images fortes à son public. Or ici, des images fortes, il y en aura beaucoup trop. La caméra s’aventure dans plusieurs famille pour filmer les réactions des occupants, une gosse se défenestre dans une cour bondée, la foule hurle, supplie, une gamine tente un pathétique « je ne suis pas une vermine ! »… La caméra tente d’illustrer le déchirement chez tous les juifs qu’elle suit, alors qu’une image ou deux auraient amplement suffi. Le film ne cherche plus à retranscrire une situation, mais à émouvoir. Pourquoi explorer cette voie, tous les spectateurs (je l’espère) étant déjà du bon côté de la morale. Très vite, le film devient totalement inoffensif, en filmant tout simplement des personnages trop doués de bonnes intentions. Et les méchants, ce sont tous des collabos. Un tel manichéisme enraye quelque peu le mécanisme d’une reconstitution d’époque cohérente. Ainsi, on retrouve Gad Elmaleh en juif confiant dans la France qui ne s’alarmera jamais de la situation, ou alors trop tard. On sent qu’on veut nous faire prendre le personnage en pitié, sans nous laisser le faire par nous même. Pendant ce temps, Jean Reno joue les bons médecins et fraternise avec les juifs pendant que des pompiers abreuvent les foules avec les lances à eau du bâtiment. Pour en revenir au débat du film, une question se pose : peut-on critiquer les procédés d’un film qui essaye d’illustrer une tragédie humaine ? Réponse : oui. On a le droit de trouver assez vaine la tentative de rajouter une couche à la détention des juifs par un tabassage gratuit au milieu des femmes et des enfants, administré avec un jeu si théâtral qu’il vient à en manquer de naturel. Histoire de bien marquer le trait des méchants détenteurs. C’est qu’ils ont l’air d’y prendre leur pied, ces salauds ! Regardez comme ils les malmènent ! Non, vraiment non, certains excès du film tirent trop vers le bas le drame qu’on essaye de nous faire vivre. Et là-dessus, Mélanie Laurent (une actrice qui me fait montrer les crocs) qui tire sa petite leçon de l’histoire. Avant un fondu et un hommage aux parisiens ayant caché bon nombre de juifs pendant la rafle. Ah, l’hommage était dédié aux parisiens qui cachaient les juifs ? J’avais sans doute mal analysé le film. Mais en regardant d’un peu plus loin, c’est vrai que beaucoup de membres du casting ont tenté d’améliorer les conditions de détentions des juifs pendant leur détention. En tout cas, les buts du film ne sont pas clairs, et c’est probablement ce qui lui a valu ce sévère retour de collier. Film raté mais reconstitution d’époque plutôt soignée, La rafle déçoit car ne tenant pas ses promesses. C’est dommage, pour un film qui aurait pu donner un grand drame national.

2/6

2009
de Rose Bosch
avec Mélanie Laurent, Jean Reno