Ah, qu'est-ce que le thriller aurait fait sans Fincher ? Avec Seven, le choc a été si violent, ou plutôt, l'objet a réussi à atteindre une telle efficacité dans sa compilation d'éléments (très glauques) qu'il en a instauré des codes, depuis les mécanismes de suspense aux éclairages d'ambiance, qui font toujours loi dans le milieu. Cela a surtout desservi plusieurs tentatives de divertissement qui à trop vouloir imiter sont tombés dans le pompage et en ont subi les foudres. Un cas d'école donc que ces Cavaliers de l'apocalypse, qui auraient pourtant pu s'en tirer à meilleur compte.

L'histoire : un détective veuf néglige sa vie familiale pour boucler une enquête sordide sur la découverte d'une femme mise à mort dans un étrange instrument de sado-masochisme.

Faut dire que les cavaliers de l'apocalypse ne s'est pas trop retenu question glauquerie visuelle, puisqu'il nous montre avec suffisamment de détails poisseux les fameuses mises en scène des meurtres à grand renfort de peau tendue par des crochets de suspension (à la différence que ceux ci sont prévus pour ne pas être retirés). En matière de gore, le film offre donc un peu à voir. Pourtant, c'est un ratage formel monumental. La réalisation pompe Seven sans vergogne dans sa mise en scène d'éclairage (sans cohérence thématique, on passe du jaune au vert, dans le sombre et le surexposé, aucune cohérence), dans sa collecte des indices, dans la découverte progressive des morts... On n'a jamais la moindre sensation de surprise, et je peux comprendre que beaucoup se soient lassés avant de parvenir au dénouement. Pour ma part, seul mon affection pour Dennis Quaid m'a permis de tenir, en m'attachant davantage à son charisme visuel qu'à la banalité de son rôle de père raté qui néglige sa famille au prix de son travail. Absolument tous les personnages de ce film sont clichés (l'homosexuel victime, le chef de police noir, le fils aîné effacé, la chinoise qui se la joue surnaturel...), nouvel argument pour décourager le spectateur d'y trouver le moindre divertissement. Et enfin, la réalisation pêche par de nombreuses fautes de goût, par exemple quand elle tente d'esthétiser quelques scènes avec des inserts hors sujet (une transition d'allumage de clope), quand elle tente d'intégrer discrètement des infos capitales (une présentation d'un lieu si expédiée qu'elle en devient immédiatement louche), quand elle veut jouer la carte d'un surnaturel hors sujet... Direction d'acteur proche du minable, musique absolument quelconque... On peut lister encore des points négatifs pour enfoncer le clou.

Et pourtant, je trouve que les cavaliers de l'apocalypse est à sauver de la catastrophe pour son fond. Néanmoins, cela demande une certaine prise de recul vis à vis de sa nullité formelle, et surtout en développant des spoilers. Mais inutile de partir, comme son développement est posé sur des rails qui ne surprendront personne, il est peut être plus intéressant de découvrir le film avec les clefs en main. On sera toujours ennuyé par le remplissage évident de certaines séquences, mais au moins, on en connaîtra l'utilité et le sens. Car le fond du script est bon, mais le scénario en a foiré l'exploitation. Pour jouer la carte du twist en dernière partie et se donner un air faussement intelligent alors que son fond était nettement plus ambitieux. En effet, pour les deux premières victimes, on se retrouve en face d'une femme saignée à mort, dont on a arraché le fœtus in vivo, et un étudiant homosexuel saigné à blanc dont la mère est retrouvée ligotée dans le placard de l'appartement. J'insiste sur les détails car malgré le script fonctionne beaucoup avec eux. Le troisième, beaucoup plus développé, commence à introduire le doute, en montrant un jeune homo qui force son frère à regarder son suicide via le système de crochets. A partir de là, le film commence à donner davantage d'éléments et à brouiller les pistes. Les jeunes étaient tous raccordés à un forum de discussion aux thématiques inconnues, quoiqu'axées sur les fameux cavaliers de l'apocalypse. Le film se permet de faire de l'interprétation en traduisant le mot par "révélation". La révélation vient donc avec le quatrième cavalier, sensé apporter la révélation et donc tout éclaircir. Et là, le film prend le contrepied du chemin qu'il a tout le temps suivi, passant du thriller psychokiller à une série de suicides en présence d'un membre de la famille, les victimes étant alors consentantes et voulant illustrer le message du film : l'abandon des responsabilités parentales. Le script révèle alors ses subtilités (dans le cas du premier meurtre, la victime n'est pas la mère mais son fœtus, toutes les morts servant dès lors à mettre en scène un sacrifice de jeunes déçus par les attitudes respectives de leurs proches. Le film tente alors de devenir une bannière de la jeunesse sacrifiée par la négligence parentale, et justifie dès lors les clichés comportementaux qui ont remplis son intrigue. Ils sont lassants, mais justifiés. La véritable faute du scénario est cette absence de raffinement et ce travestissement en seven du pauvre, car les clichés qu'il utilise servent son propos sur les comportements parentaux destructeurs, la perte de repères de la jeunesse et son désespoir quant à son avenir... Le fond était plus dramatique et moins stupide que prévu. Mais la jouer happy end et rédemption, c'était là une belle erreur. Voir l'inéluctabilité de cet embrigadement, l'indifférence avant le choc... Ca aurait été l'angle intelligent, et c'est finalement réduit aux quinze dernières minutes, loin d'être excellentes (car laborieuses). Mais malgré sa gamelle, le film pouvait prétendre à parler d'un sujet intéressant. Rendez vous manqué qui ne rassemblera maintenant plus que quelques bisseux, les cavaliers de l'apocalypse mériterait un remake orienté dans le drame, dans quelques années histoire qu'on oublie cette piètre copie.

2009
de Jonas Åkerlund
avec Dennis Quaid, Zhang Ziyi

On a très souvent reproché aux japonais une certaine perversion dans les fantasmes sexuels, et j'ai le regret de constater que ce blog y a hélas participé à plusieurs reprises. Quid d'un urotsukidoji, d'un shogun sadism, ou encore des dernières all night longueries. Sans parler de l'affront aux bonnes moeurs qu'étaient les opus 2 et 5 des Guinea Pig. Il convient aujourd'hui de faire amande honorable et de rectifier la vérité : ces petites excentricités, c'était de la p'tite bière devant la montagne de bon goût que se révèle être Flower and snake. Partant sur les bases d'un scénario moisi pour virer sur des humiliations sexuelles psychologiques digne des pires bondages, c'était ce qu'il manquait à nos amateurs d'exotisme.

L'histoire : Une femme gagne gentiment sa vie en tant que chanteuse et danseuse dans un club branché. Son mari travaille dans un cabinet d'affaire. Malheureusement pour lui, une opération financière tourne mal, et rien ne va plus quand les clients se révèlent être un clan yakuza de mauvais poil. Désireux de joindre l'utile à l'agréable, ils décident de se venger en organisant une soirée partouze un peu spéciale dont les jouets seront nos pauvres larrons... Miam !

L'insipidité du scénario est curieusement une des petites forces de ce film, car il évacue ainsi toutes les prétentions prompte à inhiber le divertissement (on est clairement pas là pour réfléchir ni révolutionner le cinéma). Il prend néanmoins le temps de poser son cadre et ses personnages, et fait patienter avec une petite scène de sexe assez généreuse dans la mise en scène (cadrée dans les plus extrêmes limites de ce que sa catégorie de censure oblige), le temps de faire jaillir le bourbier dans lequel se sont empêtrés nos personnages, et surtout pour nous présenter la femme au centre du récit, radieuse pauvre créature qui sera livrée aux perversions les plus abominables par nos yakuzas sans scrupules. L'introduction sert aussi à souligner ce qui sera l'une des principales qualités de Flowers and snake : la photographie. D'une très bonne tenue et soignant ses décors, c'est un petit cadre fastueux pour le simple plaisir bondage initialement promis. On part donc en toute confiance dans ce qu'on sait être un petit thriller malsain qui virera tôt ou tard dans la complaisance voyeuriste. Le générique d'intro offre d'ailleurs une bonne représentation du film : un hideux serpent numérique (hélas, c'était inévitable) enserre dans une interminable caresse un corps de femme avant de s'enfoncer profondément dans sa gorge. Inutile de se répendre en métaphores graveleuses, on sent déjà une ambiance stylisée tout à fait bienvenue pour satisfaire nos esprits dérangés. Et une fois que la machine se met en branle, tout le charme des coutumes japonaises opère. Dans un respectueux hommage au Eyes Wide Shut de Kubrick (ou un pompage éhonté, allez savoir...), une assistance masquée observe, sur une scène éclairée, notre chanteuse, son mari et son associé enchaînés et parés de costumes de latex, prêts pour le grand show. A laquelle se joindra une connaissance de nos chanteuse, ainsi qu'une dominatrice yakuza perverse qui ne recule devant aucun outrage moral, y compris le saphisme... Bref, bondage, mise en croix, muselières et autres accessoires vibrants, Flower and Snake ne nous refuse rien, et organise ses visions en crescendo, histoire de nous tenir en haleine jusqu’à son grand final. Grand final qui culmine assez jubilatoirement dans la catégorie des œuvres hentaï, et qui pousse son mauvais goût à retourner la situation en lui donnant une petite issue « morale » assez drôle, car même humiliée de la sorte, notre héroïne voit son pouvoir de séduction se décupler, et alors même qu’elle est livrée à l’appétit du chef des yakuza, elle se sert carrément du désir qu’elle suscite comme d’une arme. En fait, c’est une issue féministe, avec les hommes aveuglés par leurs désirs lubriques et la gentille épouse (pas la nymphomane de service, elle recevra une petite punition pour ses mœurs dissolues) qui reprend les choses en main. Ma foi, si le bon goût n’est pas toujours convoqué (le présentateur des orgies, toujours en vêtements de fille et hystérique), un certain sens des clichés pervers et une mise en scène d’assez bonne qualité font au final de Flower and snake un divertissement érotique d’assez bonne tenue, plutôt amusant pour le pervers qui sommeille parmi les spectateurs, et un sympathique essai quand il est pris au second degré (mais franchement, il serait mal avisé de l’aborder sous un autre angle).

2004

de Takashi Ishii

avec Aya Sugimoto, Renji Ishibashi, Kenichi Endou

4/6

Cage de cristal est un petit thriller espagnol qui ne paye pas de mine question popularité (film quasi-inconnu) mais qui contient pourtant bon nombre d’ingrédients sulfureux qui ont tout pour interpeller le spectateur. Psychologique, dérangeant à plusieurs reprises, et disons le, carrément tordu dans son postulat, Cage de cristal est une vraie petite surprise dans son genre, qui se paye en plus le luxe d’une ambiance visuelle glaciale tout à fait de rigueur.

L’histoire : Dans une famille où le père, tétraplégique suite à une tentative de suicide, est maintenu en vie dans une machine enfermant totalement son corps, un jeune aide soignant propose ses soins. Cédant à l’insistance de son mari, la femme accepte de laisser s’installer le nouvel arrivant. Commence alors un étrange jeu à la dimension sexuelle explicite…

Ce film est un combo de thématiques sulfureuses, qui en s’arrangeant sous la forme d’un divertissement très bis (le concept même de la cage en verre est bancal, mais il fallait trouver un prétexte pour justifier l’incapacité à réagir sans jamais pouvoir échapper à son rôle de témoin). Car c’est sur cette relation de dépendance du malade à son personnel soignant que le film s’appuie, poussant le vice toujours un peu plus loin dans ce que le beau Angelo prépare comme surprises à son patient. Ne retenons pas la surprise davantage, ce combo, c’est Nazi + Voyeurisme + Pédophilie + Homosexualité. Bam dans ta face ! Pendant la seconde guerre mondiale, notre père de famille a trempé dans des affaires vraiment louches d'expérimentations sur enfants (exposée en scène d’intro, la dimension pédophile est frappante), et à la suite d'une tentative de suicide qui l'a laissé paralysé, il n’a jamais été aussi vulnérable. C’est dans ce contexte qu’Angelo, témoin de la scène et aujourd’hui adolescent obsédé par ce personnage, et désireux de se rendre indispensable à ses yeux, quelques soient les moyens nécessaires. C’est un personnage d’horreur-fantasme, qui ne cesse d’alterner entre satisfaction de ce qu’il pense être les désirs de l’autre, et vengeance vicieuse quand les réactions de ces derniers ne cadrent pas avec ceux qu’il espérait. Exprimant lui aussi des désirs pédophiles à un degré qui surpasse le maître, le jeu de voyeurisme qu’il impose à sa victime devient vite insoutenable, sans qu’une issue s’offre pour sortir du cauchemar. C’est aussi ce côté huis clos qui donne à Cage de cristal son atmosphère si étouffante. Après bien profité de sa santé pour assouvir ses pulsions, le fasciste anciennement pédophile se retrouve complètement inapte à se défendre, sous le regard de sa famille, et même menacé par elle (supportant de moins en moins son mari, sa femme joue à plusieurs reprises avec sa vie). Il n’y a aucun échappatoire, pas de refuge possible. Quand le film commence, c’est pendant une heure quarante et il ne lâchera rien d’ici là. On nage en pleine immoralité, ce qui était tout bonnement imprévu, et carrément efficace pour un film de cette trempe. Plutôt efficace dans son dosage des éléments malsains, on lui pardonnera un jeu d’acteur parfois un tantinet trop appuyé, le climat psychologique un peu bancal (le pédophile réagit parfois de façon contradictoire entre sa honte et ses tiraillements, sans que le spectateur parviennent à ressentir ce qui l’anime réellement), quand on constate qu’il exploite ses arguments en voulant faire avancer son récit. Bonne petite surprise, à découvrir d’urgence.

1987
de Agustí Villaronga
avec Günter Meisner, David Sust

4,5/6

Après le triomphe de Prisoners, on attendait le nouveau film de Denis Villeneuve avec… indifférence ? Son nouveau projet de thriller ne payait pas de mine, commençant sous un petit angle cinéphile avec un homme qui découvre son double parfait, sans connaître ses origines. Mais c’est le traitement sur ce genre de film qui fait la différence. Et autant dire qu’on n’a plus vu ce genre de prouesse depuis Faux semblants.

L’histoire : Adam Bell, un professeur d’histoire fuit son quotidien monotone en recherchant un figurant de cinéma qui lui ressemble étrangement, Anthony Claire. Il se rend peu à peu compte qu’ils sont exactement identiques. Néanmoins, en voulant attirer son attention, Adam attire l’attention de la femme d’Anthony, qui se met à le surveiller.

Denis Villeneuve nous avait caché qu’il aimait Cronenberg. Il fait preuve ici de cette singulière obsession à vouloir incarner les meurtrissures psychologiques de ses personnages, par l’intermédiaire de symboles récurrents (ici, une araignée), marquant pour chacun de ses personnages un trait de caractère particulier. Pour notre acteur Anthony, d’un caractère agressif et entreprenant (typiquement masculin), elle est un simple objet, érotique dans le contexte de l’exposition, une créature insignifiante pouvant être simplement écrasée (parallèle avec la façon dont il tentera d’exploiter la situation). De l’autre, nous avons Adam, clairement moins affirmé, et constamment dans la prise sur soit. Pour lui, cette araignée prend tantôt des traits féminins (la troublante apparition onirique), tantôt des proportions gargantuesques, qui la rendent on ne peut plus menaçante. Outre la simpliste interprétation de l’araignée au plafond, il y a dans cette figure une grande notion de prédation, une espèce de phobie qui matérialise l’état de plus en plus fébrile d’Adam, ainsi qu’un lien étrange avec la féminité (la dernière hallucination, ultime, qui lie définitivement les deux et fait pénétrer Adam dans un cauchemar éveillé, un véritable piège que les fissures d’une vitre brisée représentaient déjà comme une toile). Cette association psychologique n’est pas interprétable de façon catégorique (ici, je n’ai fait que relever les tendances qui me semblaient justifier son apparition lors des séquences clefs). Car si le film est une petite étude de caractère qui s’appuie sur la performance très appréciable de Jake Gyllenhaal (excellente, il se hisse presque au niveau de Jeremy Irons), il a aussi sa petite trame qui suit les allers et venues de ces jumeaux malgré eux, qui s’épient et surveillent leurs quotidiens respectifs. Mais alors que la rencontre débouche sur une impasse caractérielle, c’est la fascination progressive de la femme d’Anthony pour ce double qui provoque l’irritation de ce dernier, puis sa convoitise quand il découvre la femme d’Adam (Mélanie Laurent, dans un rôle frustrant particulièrement adapté à son caractère, un excellent choix de casting). Anthony élabore alors ses intimidations comme il prépare ses rôles, échafaudant l’inversion des vies comme on l’espérait. Je ne détaillerai pas davantage cet axe dramatique, il est la véritable source de surprise et mérite un visionnage. Néanmoins, les indices psychologiques continuent d’affluer avec un Adam se sentant de plus en plus glisser dans la peau de son jumeau. Mais ce qui fait la force profondément angoissante de Enemy, c’est sa forme physique. Constamment teinté d’une nuance jaune maladive, crispant dans son utilisation de violons comme bande originale, il file régulièrement des plans étouffants de la ville, que de discrets effets de caméras rendent davantage déstabilisants. Les repères physiques s’évanouissent, au profit d’une angoisse sourde, informe, qui se matérialise peu à peu en la personne de ce double malintentionné. Mais qui s’acharnent sur Adam, dont on perçoit sans arrêt les craintes et les malaises. Pour renforcer le rapprochement, les dialogues d’un jumeau se superposent au quotidien de son second. Les cauchemars des uns réveillent aussi les autres. Si l’argument psychologique est là, il est clair que le film cherche avant tout à s’amuser avec le spectateur, le laissant sans arrêt dans un doute qui laisse le champ libre à l’histoire. Enemy, c’est un petit thriller malin, plutôt humble malgré ses ambitions, qui se veut avant tout être un plaisir totalement cinéphile en jouant dans la cour des films à plusieurs niveaux de lecture. Tout à fait recommandable, sans m’avoir toutefois transcendé.

2013
de Denis Villeneuve
avec Jake Gyllenhaal, Mélanie Laurent

4,8/6