Parlons maintenant, pour changer, d’un autre film de Uwe Boll : Seed. Un film qui se situe dans la période charnière de Uwe, puisqu’il commence pendant cette période à réaliser des films plus personnels, tout en honorant les commandes qu’il reçoit (le désastreux Bloodrayne 3). Après un Stoic raté (car au final, on est tellement peu impliqué par le film qu’on s’en fout un peu), mais montrant déjà une volonté de la part d’Uwe Boll de se confronter à des drames humains sérieux (ici le suicide en prison), Boll se lance dans Seed, un film vraiment malade qu’il a souhaité le plus malsain possible. Et ses ambitions, si elles ont été mal servies par un style toujours trop DTV (montage épileptique, caméra à l’épaule tremblotante…) et une censure qui a vraiment freiné le malsain du film (si un director’s cut sort, il se pourrait bien que j’en reparle), Uwe parvient à montrer toute la rage qu’il éprouve en face du problème de la peine de mort.

L’histoire : Seed, un psychopathe particulièrement glauque, attend dans le couloir de la mort. Le jour de son exécution, malgré trois tentatives, le condamné est toujours vivant (mais dans le coma). Le directeur de la prison décide alors de l’enterrer vivant.

Boll souhaitait faire un film nauséeux, il a réussi son pari. Avec Schramm, il doit être l’un des films de psychopathe les plus trashs qui existent à ce jour. Notamment avec un concept très simple : celui des plans séquences montrant des corps organiques pourrissant. Le passe-temps de Seed, c’est de faire ce genre de vidéo, montrant d’abord des légumes pourrissants, puis des animaux pourrissants, avant de passer aux hommes. Véritable malade qui n’a rien à envier à Leatherface, il est finalement arrêté par la police et condamné à mort. Sa détention  se passe assez mal, les gardiens ne cessant de le harceler. Puis viendra enfin l’exécution, ratée pour des raisons de vétusté de la chaise, mais enterrée par le directeur, qui souhaite en finir définitivement avec le problème. Il fait alors pression sur le docteur pour que Seed soit déclaré décédé, et le fait enterrer vivant alors que ce dernier est dans le coma. Une décision aussi absurde que la loi déclarant qu’après trois essais de peine de mort infructueux, le détenu peut être gracié. Seed finit par revenir à lui et parvient à s’échapper de la prison, décidant de se venger de ceux qui l’ont capturé et condamné à crever dans un trou. Voilà un synopsis conséquent, que Boll exploite certes pour critiquer la peine de mort (les détenus sont du côté de Seed), mais avant tout pour faire du trash. C’est là que le film se perd un peu, car si ses ambitions politiques étaient claires au début du film, ce dernier s’en déleste dans sa seconde moitié, s’attachant à suivre la vengeance de Seed à la fois sur ses bourreaux, mais aussi sur le flic honnête qui l’a capturé et sur sa famille. Si on sent que la censure a coupé dans le vif des scènes bien glauques, il reste un gore malsain que n’aurait peut être pas renié Rob Zombie, et un des finals les plus nihilistes qu’on ait pu voir pour un film de cette trempe. Je pense qu’Uwe Boll s’est tout simplement laissé aller pour la conclusion de son histoire, qu’il a essayé de rendre la plus trash possible afin de bien marquer les esprits. Le message sur la peine de mort étant clair, la fin aurait été plus un moyen de se souvenir du film de façon indélébile. Un procédé racoleur qui ne porte pas vraiment ses fruits (on part juste dans une vengeance immorale), mais qui contribue à épaissir l’ambiance du film, qui doit être clairement le plus nihiliste de toute la filmographie d’Uwe Boll (Amoklauf est de la petite bière à côté). Un trip profondément malsain et torturé, qui montre une fois de plus que Boll est en train de s’essayer à autre chose avec un sérieux inébranlable. Avec des interprètes plutôt impliqués (dont une Jodelle Ferland qui fait plaisir au milieu de toute cette glauquerie), c'est un film mineur qui reste toujours intéressant à voir, au moins pour se rendre compte que Boll évolue. Mais l'interdiction aux moins de 16 (ou 18, je ne sais plus) n'est pas usurpée.

3/6

2007
de Uwe Boll
avec Will Sanderson, Ralf Moeller

Il est venu le temps de s’attaquer aux trois premiers films de la filmographie du grand Peter Jackson. Bad taste, Braindead et Meet the feebles. Trois titres mythiques, chacun d’un mauvais goût particulier, qui a réjouit une quantité incroyable de fans depuis leur sortie et qui ont acquis aujourd’hui un statut culte (voire intouchable) auprès des connaisseurs en la matière. Rare ont été les comédies aussi transgressives à leur époque, et si les films ont aussi bien vieilli (auprès d’un public de gorrophiles), c’est aussi parce que leur originalité reste intact après autant d’années, de même que leur politiquement incorrect. Et aussi, soit dit en passant, parce que leur réalisateur est devenu un des plus reconnus mondialement avec la saga du Seigneur des anneaux. Cependant, les dvds n’ont jamais été réédités en France (à part une seule réédition dvd de Bad taste introuvable, sauf auprès de collectionneurs chanceux), histoire de ménager le public TF1 qui risquerait de voir rouge devant un curé arrachant des bras de zombies. Rares, et donc réservé à un public connaisseur, ces films font presque l’unanimité dans la communauté cinéphile. Retour sur ces chefs d’œuvres de mauvais goût.

Bad taste : Dès son premier film, Peter veut mettre l’accent sur le projet complètement fou dans lequel il s’est lancé. Avec la disparition de tous les habitants d’un village, et l’envoi sur place d’une équipe de potes par une mystérieuse association, commence une comédie gore (et Z) qui se fait tout de suite remarquer par l’emploi de l’artillerie lourde : le gore inventif qui tâche. Décapitation au magnum, trépanation à la masse, crâne fissuré qui ne cesse de s’ouvrir… Le film délivre largement la marchandise, comblant les amateurs de pocharde gore dès les débuts du film. Sur le plan de la comédie, le film compte beaucoup sur l’absurde de la situation qu’il décrit pour faire penser la balance en sa faveur. C’est plus un film à l’ambiance comique qui n’a au final pas tant de gags vraiment drôles (à part l’irrésistible « Maman !! » de la VF, je me rappelle avoir plus souri que ri à proprement parler). Et cela malgré un contrôleur des impôts au mauvais endroit au mauvais moment, dont les fréquentes apparitions entraînent des situations plutôt cocasses, mais jamais transcendantes. Bad taste, c’est une ambiance complètement folle, qui réussit pourtant à garder un rythme dans sa narration, et donc qui réussit à conserver l’attention du spectateur (ce qui est quand même un bon point pour une série Z comme bad taste, à 11 000 dollars de budget). Bon point dans le film : il est de plus en plus ambitieux pendant son développement, nous réservant un final digne des mitraillages de Rambo et dépassant en absurdité le survival loufoque qu’on a vécu pendant une heure. Des extra terrestres qui viennent recharger les stocks de leur fast-food sur terre : énorme ! On nous en fait pas souvent, des twists comme ça (quoique Saw 7…). Cependant, même avec tous ces bons points, le film n’a aucun autre but que de divertir. C’est un film fait pour des fans de genre, qui n’a aucun autre but que de faire rire. Et si l’humour de circonstance reste toujours opérationnel, la rareté de vrais éclats de rire (par des gags ponctuels) diminue mon enthousiasme pour ce premier cru du sieur Jackson. Surestimé donc. Bad taste, c’est une série Z rigolote, totalement folle, mais qui ne fera pas vraiment éclater son potentiel (en partie à cause de jeux d’acteurs très approximatifs qui plomberont quelques situations amusantes, ce qui souligne davantage les traits Z du projet). Si Bad taste est aujourd’hui culte, il est moins méritant que ses petits frères.

3.5/6

1987
de Peter Jackson
avec Peter Jackson, Terry Potter

Avec Meet the feebles, Peter Jackson fait preuve d'innovation, puisqu'il s'adonne à la parodie du Muppet Show, avec la finesse qu'on connaît depuis ses précédents excès. Mais dès les cinq premières minutes, le film en balance tellement que le mot "parodie" n'a plus assez de force pour définir l'horreur visuelle à laquelle on est en train d'assister. C'est simple, Meet the Feebles est un film volontairement moche, à l'image des personnages qu'il met en scène. L'usage des marionnettes est ici obligatoire, car outre ses vertus parodiques envers les Muppets, il permet à Peter de s'affranchir de toute bienséance qu'aurait imposé un tournage avec des acteurs (ses précédentes créations se montrent très timides sur ce terrain). Résultat : si Braindead sera l'apothéose du film gore, Meet the feebles est le mètre étalon du film trash. Ce film est un étalage constant de mauvais goût, de dérives sexuelles et de trafic de stupéfiants qui ferait vomir n'importe quel amateur de bon cinéma. En surenchère perpétuelle avec lui-même, mettant tous ses personnages en concurrence pour trouver celui qui sera le plus crade, c'est le concours que s'impose Jackson dans ce film qu'on pourrait qualifier de plus excessif de sa carrière, non en termes de mise en scène, mais de violence morale. Le film égratigne tous ses personnages, de la cantatrice d'opéra au vétéran du Viêt-Nam (l'hilarante parodie de Voyage au bout de l'enfer). Mais derrière cette peinture malade de la société du spectacle télévisé, il y a un drame d'une cruauté monstrueuse, une peinture de caractères d'une méchanceté si grande qu'ils parviennent à devenir crédibles. Bletch est un des déchets humains les plus nocifs qu'il m'ait été donné de voir au cinéma, pliant à ses désirs de jeunes étoiles montantes du show-business, dirigeant d'une main de fer son théâtre et produisant du porno pour arrondir ses fins de mois, quand il ne touche pas au trafic de poudre. Surenchère, mais son caractère reste constant, prévisible, et par conséquent crédible (car agissant selon les rouages d'une logique pourrie). Trevor est un exemple parfait du contremaître satisfait d'être à cheval entre deux statuts, caressant sa hiérarchie et rabaissant ses employés. Du côté des « gentils », ce n’est guère mieux avec une chanteuse obèse qui croit que le monde tourne autour d’elle (ce qui est vrai dans un premier temps, et qui ne rendra sa chute que plus dure). Le personnage jouera d’ailleurs un rôle intéressant sur la fin, son pétage de câble permettant à Jackson d’y faire voir une parodie de Rambo (qui dans le genre pétage de câble défie bon nombre de péloches), permettant en plus de faire une parodie, d’y créer une rage destructrice qui sied à merveille au ton hargneux de tout le récit. Meet the feebles est plus qu’une œuvre trash vouée à être culte auprès de fans obscurs aux goûts douteux, c’est aussi une sorte de brouillon pour un drame qui aurait pu être joué au premier degré. Du vrai cinéma grimé comme un délire lubrique qui aguiche ses spectateurs avec un mauvais goût revendiqué (le trip du sexe nasal). D’ailleurs, le film tente de créer des sentiments au cours de son final. De la peur avec Robert en face du lanceur de couteaux camé jusqu’aux yeux en plein bad trip devant une salle bondée, de la haine en face d’un Bletch dont on attendra la mort avec une hâte non dissimulée, et un moment de cinéma avec Heidi chantant sa chanson dans une pièce jonchée de cadavres. Le spectacle tentait de prendre du sérieux, et y parvenait presque. Mais Jackson, dans un ultime trait de moquerie, les sabre avec des portraits de dernière minute énonçant le futur de ses personnages, ultime éclat de rire de cette farce ultra glauque et d’un goût douteux, qui laisse déjà apparaître certaines ambitions de Peter, qui aspire déjà à manipuler un registre sentimental riche. Etonnant, et au final aussi attachant qu’un Braindead.

5.5/6

Braindead : Ah, on s’attaque à du lourd, ici. Longtemps considéré comme le film le plus gore de tous les temps (mais maintenant, il est remis en balance par des projets du type Philosophy of a Knife), ce film est tout simplement un maître étalon du mauvais goût, dans la mesure où le jeu outrancier de tous les personnages colle parfaitement à l’ambiance artificiellement folle du projet. En effet, le film compile d’énormes clichés connus (le héros timide, la mère possessive, la prophétie de tarot…) et les fait tous gonfler, gonfler, jusqu’à ce qu’ils explosent comme des ballons de baudruches remplis de pus. Jackson a voulu explorer un nouveau type d’humour noir : celui de la surenchère dans le morbide. Faire tout simplement une compilation des morts les plus graphiques de l’histoire du cinéma, et toutes les concentrer dans un seul et même film. Un excès novateur qui lui assurera définitivement le succès, le film parvenant toujours à être drôle, et incontestablement jouissif (les mises à mort sont toutes plus folles les unes que les autres, et permettent de caractériser par la suite des zombies qu’on retrouvera plusieurs fois jusqu’au final gargantuesque. Le film n’a plus peur de se limiter. C’est de la boulimie gore, rarement la crasse n’aura été aussi copieusement étalée à l’écran. Il faut tout simplement lire les témoignages des membres de l’équipe, qui tournaient en imperméables et qui passaient plusieurs heures chaque soir à nettoyer les décors et le matériel de tournage. Mais en tentant de garder son sérieux, on constatera aussi que Braindead est parfaitement maîtrisé par son auteur. C’est simple, il ne manque pas un plan. Le film est toujours compréhensible, bien monté et lisible, alors que certains passages sont vraiment rythmés (le dernier acte dans la maison, avec des personnages séparés qui suivent chacun leur parcours, aurait pu être beaucoup plus bordélique). Enfin, en bon amateur de mauvais goût, Peter Jackson ne respecte rien, et se montre d’une incroyable générosité en termes de personnages cultes (le cousin de famille lubrique, le prêtre karatéka) et d’humour douteux (le bébé zombie). Jusqu’auboutiste, le film se permet même de l’être avec les caractères de ses personnages, illustrant ainsi la relation sur-protectrice mère fils avec des symboles gores qu’on n’attendait pas, et qui réussissent à porter leurs fruits. Joignant le geste à la parole, Lionel rompt le cordon familial sans un final gorrissime et dégoulinant, qui conclut assez habilement ce drame familial ultra cliché dans ses thèmes, mais dynamisé par un usage totalement surdosé de gore gratuit qui non content de faire jubiler le public, se révèle un pari artistique plutôt audacieux. Au final, Braindead a de bons atouts pour faire l’unanimité. Tout est une question de goûts (Bad taste a ses fans, certains trouveront Braindead vraiment too much), mais pour ceux qui en ont assurément de mauvais, le film se révèle un défouloir inespéré.

5.5/6

1992
de Peter Jackson
avec Thimothy Balme, Diana Penalver

Délicat sujet que celui des différences entre hommes et femmes. Si certains mettent en avant leurs différences de fonctionnement dans des trips difficiles à explorer (Antichrist), Catherine Breillat a choisi un angle d’attaque pour le moins brutal : la pornographie. Courageux choix, le genre étant totalement méprisé par la communauté cinématographique, et qui justifie totalement l’usage de cette facture par des enjeux artistiques ambitieux : faire un film théorique sur l’homme et la femme : Anatomie de l’enfer. Un trip, qui loin de faire dans le voyeurisme  gratuit, se sert de la force de ses images pour appuyer son propos avec des métaphores choisies.

L’histoire : dans une boîte homo masculine, une jeune femme se taille les veines. Un homme la remarque et l’emmène se faire soigner. La femme propose alors un marché à l’homme : elle veut le revoir chez elle pendant quatre nuits afin de lui révéler la vraie nature des Femmes, et de leur pouvoir sur les hommes.

Ambitieux. Surtout que le film ne fait pas dans la dentelle, son introduction laissant déjà un avant goût de ce que va être le spectacle. Après un générique pêchu à la Gaspar Noé, on attaque sur une séquence fellation devant la boîte, avant d’y entrer. Rien à voir avec les ambiances de Irréversible, mais c’est aussi plus réaliste. Notre attention est bien vite attirée par la seule femme de la boîte (Amira Casar), qui bousculera un homme (Rocco Siffredi) avant d’aller se tailler le poignet dans les toilettes. Passé cette introduction, le marché arrive vite (précisons qu’entre temps, on aura droit à une nouvelle scène érotique, plus suggérée que platement filmée), et on entrera dans le vif du sujet dès la première nuit. On le note tout de suite : l’usage de certains codes pornographiques n’est jamais fait à des fins d’excitation du spectateur. Les dialogues, récités d’une façon théâtrale, les scènes érotiques, lentes, recherchent toujours l’ampleur de la métaphore plutôt que le plaisir des personnages, tout est fait pour créer une dimension réflexive chez le spectateur, ce qui marche assez bien. Pour peu qu’on supporte le spectacle, le film propose d’excellentes idées qui pourraient animer de nombreux débats sur le sujet. De la peur des hommes pour le sexe féminin (crainte accentuée ici par le fait que l’Homme choisi soit homosexuel) jusqu’à leur fascination, tout y passe, en passant par plusieurs métaphores puissamment théoriques. On aura droit à une séance de jeu du docteur par des gosses de 10 ans, à une iconisation du sang menstruel, et même une tentative de meurtre, où l’Homme enfoncera le manche d’un outil dans le vagin de son interlocutrice. Fort visuellement, mais restant suggéré, le film poursuit sa réflexion, parvenant à placer les mots justes sur les idées qu’il illustre. En s’achevant par une conversation de comptoir entre l’Homme brisé par ce qu’il a vécu (et totalement conquis par la femme) et un autre qui acquiesce à ses remarques, Catherine, avec son dernier dialogue, fait une sorte de bilan sur le ressenti des hommes face aux femmes (et ici à leurs problèmes de compréhension face à ce mystère). La vulgarité qui y est utilisée trahit bien une certaine tendance masculine à mépriser gentiment les femmes (la solidarité masculine passe essentiellement par là), mais qui laisse toujours transparaître ce sentiment de peur viscéral, lié à l’acte charnel en grande partie. Court (74 minutes) mais direct, le film réussit parfaitement à tenir ses objectifs, et à nous offrir un spectacle d’une force impressionnante, qui devrait marquer durablement les esprits des spectateurs. Aussi intéressant pour le public masculin que le public féminin, voilà un film qui ne devrait pas manquer d’interpeller.

5/6

de Catherine Breillat
avec Rocco Siffredi, Amira Casar

Lucky McKee revient au cinéma, et cela après quelques années d’interruption (qui ne l’ont pas empêché de produire les petites truculences Red (un chien abattu par des jeunes que son propriétaire va venger, The Lost et The Girl Next door, qui n’a rien à voir avec la comédie éponyme). Il revient aujourd’hui avec une belle idée en tête : offrir une suite à Offsprings, bouquin qui traitait d’une famille de cannibales vivant en banlieue. Avec Ketchtum et McKee derrière le script, on se doutait qu’il y allait avoir de la provoque (Jack Kechtum est un des auteurs horrorifiques les plus controversés du marché, car décrivant souvent trop bien la cruauté humaine et sa suffisance (avec toute la guimauve qu’on produit à côté, il faut bien créer un équilibre !). Pour les effets spéciaux, il s’offre en plus les services de mon chouchou Robert Kurtzman (mr From Dusk Till Dawn, svp), et compte bien nous retourner les tripes avec une histoire causant de femmes : the woman.

L’histoire : un avocat ayant une vie de famille tranquille part faire une partie de chasse un week end et découvre une femme étant retournée à l’état sauvage. Il décide alors de la capturer et de la séquestrer chez lui pour faire son éducation.

En festivals, certaines critiques ont carrément qualifié le film de misogyne (décidément, si vous êtes un homme qui tente de parler des femmes, vous ne pourrez jamais éviter l’étiquette). Autant le dire tout de suite : le film n’a rien de misogyne, il s’assume dès le départ comme un pur produit féministe dans la lignée de Day of the Woman et persistera dans cette voie comme telle. Quant à la soi disant grande violence du script : qu’on se rassure tout de suite. Si le film n’usurpe pas sa violence interdite aux moins de 16 ans, c’est loin d’être un choc aussi sévère que Martyrs, et loin d’être comparable à A serbian Film (qui commence enfin à faire parler de lui en dehors du cercle des geeks trashs et des fans de genre). Néanmoins, le film porte bien son statut de politique à bras le corps, et s’en va défendre la cause féminine avec une mise en scène barbare qui émaille la façade rassurante des bonnes familles banlieusardes. Le film choisit de commencer directement par son « héroïne », la femme qui sera au centre de l’histoire, et qui est montrée comme un modèle de pure survie (son combat contre un loup au plus profond de sa tanière). Mais son quotidien change bientôt radicalement, puisqu’elle est capturée et séquestrée dans la cave d’un avocat qui compte lui apprendre les bonnes manières. L’avocat en question, c’est Chris Cleek. Un sympathique banlieusard qui ne dépasse pas dans les angles, qu’on sent un brin rapace dans son travail et qui inculque le culte de la perfection chez ses enfants. Mais quand il s’agit de dresser la Femme, il choisit de faire participer toute sa famille. Il ressentira immédiatement de l’agressivité envers la femelle capturée, celle-ci lui bouffant carrément un doigt lors de son arrivée dans la maison. Commence alors des tentatives de dressage du père et les différents parcours psychologiques des membres de la famille. Si l’aînée Peggy part carrément en crise de nerf devant les traitements infligés, le fils Brian regarde sans broncher et commence à reproduire les enseignements paternels, notamment à l’école où il se sert de différents prétextes pour martyriser gentiment les filles. La situation prend peu à peu de l’ampleur (Papa aime rendre visite à la femme vers minuit), jusqu’à ce que les personnages se dévoilent enfin : l’homme opprimant la femme avec un mépris assez indécent. Il est d’ailleurs assez intéressant de voir Lucky s’attaquer aux concepts de solidarité des sexes, qui comme je le crois, ne fonctionnent que quand la communauté n’est formée que de gens du même sexe. Ici se rajoute le contexte du mépris de la femme, ce qui fait encore évoluer la solidarité masculine, lui donnant bien plus de poids qu’à l’ordinaire. Comme toujours dans le cinéma de Kechtum, le film s’achève dans une apothéose sanglante, qui acquiert enfin sous la caméra de McKee la violence graphique et viscérale qu’on attendait (rappelons de la pauvre exécution à la béquille de The Girl next door, loin de suffire à nous défouler). Le message n’a rien de nouveau, mais les jeux d’acteurs corrects et un retour à la sauvagerie prôné par le film en font un petit brûlot sympathique, dévoué à sa cause et qui en a dans le pantalon (il fait vraiment passer les familles classiques pour des tarés capables du pire). Fréquentable, mais on ne criera pas au géni comme pour May.

3,5/6

de Lucky McKee
avec Carlee Baker, Shana Barry

Pour mon 200ème article (passé déjà depuis 10 articles), je m'attaque à du lourd, en me fendant d'une critique un peu plus détaillée que d'habitude !

Interdit aux moins de 18 ans

Sur le podium du film le plus gore du cinéma, Braindead a tenu bon pendant de longues années, et continue toujours de trimballer cette flatteuse réputation. Mais chez les amateurs de trash, un petit film a déjà bien fait parler de lui : Philosophy of a Knife. Derrière ce titre étrange se cache tout simplement le film le plus gore du cinéma, qui n’est pas près d’être supplanté car s’étendant sur la durée indécente de quatre heures et demie, durant lesquelles nous retracerons l’histoire de l’unité 731 et des recherches qu’elle effectua sur la population civile.

L’histoire : depuis son établissement en Chine en 1936 (en remplacement d'une autre unité déjà en place) jusqu’à son démantèlement en 1945, on effectue un retour sur les recherches qui ont été menées dans les prisonniers militaires enfermés dans l’unité 731, à l’aide de l’interview d’un ancien gradé témoin de la boucherie et de nombreuses reconstitutions.

Ce film jongle en effet avec des ingrédients à double tranchant. Il choisit tout d’abord d’utiliser formellement le format documentaire pour placer son contexte historique. Nous avons donc droit à une introduction d’une vingtaine de minutes nous décrivant le climat économique et politique de l’Est de l’Asie à la fin des années 30 et des débuts de la guerre. Jusqu’ici, rien qui ne le différencie d’un reportage d’Arte (si une n’est une introduction déstabilisante et un générique tourné « expérimental morbide » plaçant déjà l’ambiance globale du film en noir et blanc avec une musique particulièrement insistante et désagréable. Commence alors les interviews du militaire affecté dans une autre équipe que la 731, mais qui a eu plusieurs fois affaire à elle. Le contexte médical est alors planté : le but de cette unité est à la fois d’améliorer les conditions de santé des soldats par expérimentations de différents remèdes sur différents problèmes, ainsi que de tester différents type d’armement susceptibles d’être employé sur le champ de bataille. On apprendra alors les manières hallucinantes étudiées pour faire crever l’ennemi, comme le largage de mouches contaminées au dessus de positions chinoises. Mais ces interviews seront ponctuées de plusieurs reconstitutions tournées en noir et blanc pour recréer une ambiance de document d’archive. Et ce sont ces segments là qui font toute l’essence du film. En effet, Iskanov expérimente une multitude de procédés optiques dans l’illustration de l’expérimentation médicale. Et pour cela, il effectue un choix de mise en scène vraiment couillu : il mise à fond sur l’ambiance et délaisse le gore chirurgical que beaucoup auraient choisis. Décider d’illustrer de la torture scientifiquement assistée avec du gore asiatique (comprendre : du gore qui en fout partout et dont les maquillages sont assez souvent approximatifs) en laissant de côté la chirurgie, c’est vraiment un tour osé, et ici payant. Car en insistant à fond sur l’ambiance et sur des détails à foison (le nombre de plans du film est considérable ! C’est à se demander comment ils ont réussi à être cohérents dans leurs scènes), Iskanov parvient à créer une ambiance de film expérimental pure, qui se rapproche dans l’esprit d’un Tetsuo, mais qui s’en éloigne radicalement dans le ton et le but. La musique électronique, répétitive, résolument désagréable, cadre parfaitement avec l’esthétique poisseuse des scènes de recherche dont la finalité nous échappe parfois (l’avortement initial ne sert qu’à mettre un fœtus dans un bocal…), mais qui resteront toutes d’une violence vraiment dérangeante. Si le gore asiatique avait l’habitude d’être jubilatoire, il est ici sur-dramatisé et parvient du coup à créer une sensation nauséeuse, et cela sans faire retomber la sauce ! Toutefois, on ne parlera pas de montée dans la violence, le film reste sur ce terrain plutôt constant, traitant tous les sévices qui y sont dépeint sur un même plan de douleur, préférant conserver son ambiance plutôt que de la faire évoluer. Ainsi, Iskanov joue sur les détails crades, la précision des appareils (les réglages fréquents des caméras servant à filmer les expériences), la surexposition mettant en avant la froideur des blocs opératoires et l’approche apparemment « clean » des massacres d’individus numérotés qui sont perpétrés sous nos yeux. Le spectateur vivra son traumatisme dans au moins une reconstitution, celles-ci balayant un panel assez large de recherches pour toucher au moins une corde sensible (la mienne ayant cassée à l’arrachage dentaire). Cependant, les reconstitutions d’Iskanov, si elles se révèlent les parties les plus marquantes, ne font pas l’essentiel du film. Il prend en effet la peine de suivre les détenus d’une cellule, une infirmière encadrant les recherches et un gradé militaire de l’unité, qui désigne les victimes pour les recherches qui sont menées (sur le froid, les MST, les armes chimiques…). On s’intéressera à chacun des personnages et on suivra leur parcours au sein de l’unité, et pour certains après son démantèlement. Si on omet l’infirmière qui a droit à une voix off plutôt détaillée grâce à la correspondance qu’elle entretient avec ses proches, tous ces personnages sont muets, et sont donc traités sur un ton expressionniste. Aucun dialogue entre eux, mais des détails sur ce qu’ils ressentent qui les rendent attachants/haïssables, en oeuvrant dans un style purement manichéen, qui ne reste cependant pas figé. Iskanov se permet même quelques traits d’humour grotesque avec une scène pathétique où un cadavre s’affaisse à chaque fois qu’un docteur essaye de le prendre en photo. Jamais drôle du long de ses 4H30, c’est un film qui a une légère tendance à plomber le moral (le documentaire est coupé en deux partie, une pause entre les deux n’est jamais de trop) autant qu’à fasciner pour son style graphique parvenant à transcender la violence dépeinte en nous la faisant ressentir d’une manière peu habituelle et assurément efficace.

Pourquoi Iskanov a-t-il choisi de réaliser un (faux) documentaire aussi long sur son sujet, et aussi généreux en détails morbides et scabreux ? La réponse se ressent : c’est pour rendre hommage aux victimes. En effet, à la manière de la Passion du Christ (mais dans des registres et des optiques totalement différentes), Iskanov veut sur-humaniser les victimes en les faisant revivre dans nos mémoires par les souffrances qu’elles ont pu endurer. Une intention viscérale, donc qui vient des tripes même du réalisateur. Cependant, si l’intention est louable, elle tient assez mal la longueur. En effet, au bout de la quatrième heure (où les quotas de morbide commencent un peu à décliner) et où nous finissons par nous retrouver sur le mémorial des victimes, on se dit qu’on en a vu un peu beaucoup, et que la mort atroce de tous ces gens n’est peu être pas la meilleure chose à retirer de ce film. L’illustration de l’expérimentation médicale sur l’être humain nous a en revanche marqué à vie, et la dérive ne risque plus de se représenter chez quiconque ayant vu ne serait-ce qu’un quart d’heure du film. Et enfin, le style visuel assez recherché (le noir et blanc est merveilleusement utilisé) contribuant à une ambiance immersive et profondément dérangeante font tout le sel de cet effort louable du cinéma asiatique à parler des grands traumatismes de l’humanité sous un angle sérieux (Ilsa la louve SS ayant lorgné aussi sur le filon). Un prodige visuel qui m’a carrément emballé lors de ma première vision en VO sous titrée anglais (comprendre par là que je me suis senti mal pendant 4h30 de ma vie cette année, mon dernier choc de cette ampleur ayant été Cabin fever) et dont la grâce évidente aspire à bien plus que du torture porn médical. Sidérant !

5/6

2007

avec Andrey Iskanov, Svyatoslav Iliyasov