Le cinéma d'Almodovar ne m'intéresse que moyennement. Si je sais qu'il s'agit d'un réalisateur capable d'être touché par la Grâce (magnifique Parle avec Elle), son style bavard m'a parfois rebuté (Volver). Avec La piel que habito, on s'attendait tous à une sorte de remake des Yeux sans visage. Sans toutefois se tromper (le cadre paraît évidemment emprunté au chef d'oeuvre du cinéma fantastique français), le film d'Almodovar est plus ambigu, plus torturé, et finalement payant dans son intrigue sans gros but, mais au potentiel dérangeant non négligeable.

L'histoire : Un chirurgien chercheur tente de mettre au point une peau de synthèse, qu'il teste en douce sur une magnifique cobaye qu'il retient prisonnière dans une chambre de son palace. Mais ce cobaye a un visage qui ressemble étrangement à sa femme, décédée 6 ans plus tôt dans un accident de voiture...

Ce cru d'Almodovar a clairement de quoi surprendre, puisqu'il ne cesse de rebondir sur de nouvelles pistes, quitte à passer pour brouillon dans sa manière d'accumuler des épisodes sentimentaux marquants dans le positif et le négatif. La Piel que Habito est un film hybride, à la narration inconstante et volontairement opaque, qui choisit de raconter une histoire de façon brouillonne pour mettre en valeur ses différentes thématiques, toutes passionnantes, mais pas forcément bien traitées. Le film commence sous un angle qui rappelle fortement le classique français, mais ici adapté à notre époque. Notre chirurgien utilise de la technologie de pointe, ses recherches sur la peau de synthèse sont parfaitement crédibles et s'inscrivent dans les thématiques actuelles (la transgénèse, ici utilisant des gènes de porc pour faire une peau dure et lisse). Mais si sa brillante façade commence à être mise en doute par ses confrères, ses méthodes commencent à inspirer le doute chez le spectateur, quand on constate qu'il teste sa peau, apparemment depuis quelques temps, sur une cobaye suicidaire magnifique qui vit enfermée dans une chambre et qui semble fascinée par la peau. Qui est cette mystérieuse personne que notre chirurgien a apparemment remodelé à l'image de sa femme ? Le film va peu à peu répondre à cela, toujours en restant énigmatique dans le ton jusqu'à ce qu'il balance le morceau vers les 2/3 du film. Mais nous y reviendrons. La mise en scène d'Almodovar est ici très sexuelle. Régulièrement, le film est traversé d'épisodes ambigus, comme le passage où l'ancien amant de la femme du chirurgien (présent lors de l'accident de voiture) vient violer ce cobaye qui ressemblait tant à son ancienne conquête. Ou encore cette réception où le chirurgien assiste à plusieurs ébats explicites dans les jardins avant de découvrir sa fille violentée par l'un des convives. L'ambigüité des caractères est toujours mises en avant, et celui de la cobaye est plutôt étrange. On cerne vaguement quelque chose d'étrange dans sa soumission à ces expérimentations médicales, fluctuante. On cherche les liens qu'elle a pu entretenir avec la destruction de la famille du docteur. Et c'est lors d'un retour sur le flash back de 2006 qu'on saisit le potentiel ambigu du film.

ENORME SPOILER : il s'agit en effet d'une sorte de vengeance assez novatrice, puisque le responsable de l'agression et du suicide de la fille du chirurgien, un styliste assez jeune, est enlevé par notre chirurgien, et qu'il est peu à peu transformé en femme par ce dernier. Ce changement de sexe non volontaire, véritable coup dans les valseuses lors de sa révélation, ouvre alors d'énormes possibilités en termes de pistes à explorer (castration, impuissance, haine...). La révélation incite alors à un second visionnage pour bien juger du caractère de notre personnage féminin, transsexuel sous la contrainte remodelé par un bourreau moderne. La dimension sexuelle du film prend une dimension encore plus ambigu (on ne regarde plus vraiment les scènes d'amour de la même façon, et on comprend mieux les douleurs du personnage). FIN DES SPOILERS

Mais le trouble engendré par le film reste surtout sentimental et psychologique. Il s'agit uniquement de personnages qui vivent leur histoire et qui suivent leur trajectoire. Aucun jugement sur la science (ce n'est ici qu'un contexte), tout est dans les rapports ambigus qu'entretiennent les personnages entre eux, mais étrangement, c'est désincarné, froid. La photographie magnifique du film et sa mise en scène léchée en font dans tous les cas un bel objet, et un travail inattendu de la part d'Almodovar. Toutefois, l'ambigüité n'est pas forcément ce qui fait un bon film. Aussi, si La piel que Habito possède un potentiel certain, il n'inspire pas particulièrement la fascination ou le choc qu'on pouvait espérer de telles thématiques. On reste dans un état second, partagé entre l'adhésion et un intérêt modeste, la transcendance restant à respectable distance du fait de l'incapactité du film à aller au delà du malaise, à laisser les sentiments s'exprimer pleinement.

3.8/6 

2011
de Pedro Almodóvar
avec Antonio Banderas, Elena Anaya

Obsession est indéniablement un cru majeur de la filmographie de Brian DePalma. Pas vraiment pour son suspense (quasi inexistant ici, il faut bien le dire) mais pour la puissance émotionnelle de son histoire, aussi cruelle que bien pensée. Même si on pouvait avoir déjà quelques doutes sur les révélations finales, le film se révèle être d’une qualité rare.

L’histoire : Michael Courtland, un investisseur immobilier, voit sa femme et sa fille kidnappés contre rançon. Conseillé par la police, il ne verse pas l’argent aux bandits, ce qui entraîne la mort de sa famille. Quelques années plus tard, lors d’un voyage à Rome, il fait la connaissance de Sandra, une jeune femme qui ressemble beaucoup à son épouse.

Première constatation, en délocalisant son intrigue dans les années 50, le film n’a pas pris une ride. Son cadre demeure inchangée, son intrigue est toujours aussi forte, bref, il est parti pour affronter les âges. Autant le dire tout de suite, Obsession n’est pas un thriller (dans le type de Sisters ou de Pulsions). C’est un drame qui emprunte de temps en temps au style des films de gangsters (notamment pour les séquences d’enlèvement), mais qui soigne énormément ses personnages. Le contexte de chaque séquence est claire, soigné, et surtout propice à laisser surgir les émotions (la musique du film est d’ailleurs assez subtile à ce sujet, trouvant parfois des résonnances religieuses dans l’utilisation régulière des chœurs féminins). Après le traumatisme de la mort de ses proches, les ambiances de Rome sont plus accueillantes, mais c’est surtout la chapelle où Michael rencontre Sandra qui marque l’esprit. Lumières, sonorité, c’est un havre accueillant et très propice à la création de la romance empoisonnée qui va être au cœur du film. On aura d’ailleurs l’occasion d’y voir une métaphore avec la peinture que Sandra est en train de restaurer, signe précurseur des révélations identitaires de la suite du film. Ainsi, le film continue dans cette optique d’histoire d’amour vécue en coup de foudre. Peu à peu, Michael se détache de son travail, laissant l’ascendant à son associé, pour se concentrer sur les préparatifs de son mariage. Et peu à peu, le film fait les signes de l’obsession du titre, Michael se révélant obnubilé par son amour pour Sandra (qui elle s’intéresse de près à l’histoire de la première femme de Michael). Et quand Sandra est à nouveau enlevée, le sang de Michael ne fait qu’un tour. C’est à partir de ce moment là que les révélations pleuvent, et que la plus grosse d’entre elle nous fait ré-envisager l’angle sous lequel nous avons vu toute l’histoire. Si on pouvait se douter en partie du retournement de situation, l’impact psychologique est inchangé, le déchirement des personnages est palpable et on bascule dans de violentes crises qui transcendent nettement l’intégralité de l’œuvre. Sans spoiler quoi que ce soit, on tient ici une œuvre définitive, témoignage du génie de DePalma et drame profond.

5/6

1976
de Brian De Palma
avec Cliff Robertson, Geneviève Bujold

On nous le claironne depuis des mois : le nouveau film de Pascal Laugier est sorti hier en salles. Ca tombe bien, des réductions sont faites pour la carte fidélité gaumont pathé cette semaine ci. Et qu’en ressort-il ? Que The Secret est plus ambitieux que Martyrs, mais en même temps moins réussi. Bon et moins bon s’entremêlent jusque dans un final bancal qui laissera la salle dubitative…

L’histoire : une infirmière et mère de famille, se bat pour apporter un peu de bonheur à Cold Rock, ville agonisante cédant à la pauvreté beauf. Dans le coin, les disparitions d’enfants ne cessent de croître, au point qu’une légende locale est apparue : le Tall Man les enlèverait. Des histoires pour ;;, jusqu’à ce que son gamin se fasse enlever sous ses yeux.

Laugier est un bon réalisateur, c’est indéniable. La preuve : il offre à Jessica Biel tout simplement le meilleur rôle de sa carrière, avec un personnage véritablement complexe qui fait preuve de beaucoup d’émotions, et qui se révèlera finalement touchant. Mais le film est compliqué à suivre. Tout simplement parce qu’il se passe en parties, et que chaque partie a tendance à balayer toutes les suppositions qu’on commençait à faire pour révéler des faits qui changent la donne, qui bouleversent nos avis et nos suppositions. Le personnage de Jessica Biel, à titre d’exemple, passera du statut de bon, à celui de très méchant pour en arriver à une figure de martyr. Rien que ça, c’est ambitieux, et peut être un peu trop pour qu’on puisse avaler autant de changements d’un coup. Le film commence en nappant de mystère toute l’affaire, gérant le Tall Man comme une sorte de croquemitaine. Bref, le cadre idéal pour un film fantastique. Puis l’enlèvement vient lorgner d’un coup du côté de Haute tension d’Aja (même camion, même suspense de jeu de cache cache avec le kidnappeur). Alors qu’on s’imaginait parti pour un thriller tendu où il ne fallait pas perdre de vue le kidnappeur, le film nous perd brutalement dans la forêt, avant de faire revenir au village notre héroïne. Et là, surprise, tous les habitants semblent être impliqués, et ligués contre elle. On se demande alors dans quoi on a mis les pieds, la situation devenant tout simplement hallucinante. Le film commence alors à ébranler nos convictions avec un face à face tendu entre la folle du village qui dit être la mère du gamin de notre infirmière. Or ce fait ne sera pas nié. Et voilà que notre infirmière devient kidnappeuse d’enfants, mais pour en faire quoi ? Le renversement de situation est rude, tous nos repères basculent. The Secret n’est pas un film fantastique, mais une sorte de drame très réaliste qui va peu à peu poser une question politiquement incorrecte. Mais il lui faut le temps de développer son propos. Alors le film continue pendant l’interrogatoire de la jeune infirmière, qui confrontera le shérif du village et la mère de celui qu’elle appelait son fils. Il est assez rageant de voir que là où Martyrs réussissait à poser adroitement la question (la normalité de l’existence des bourreaux), The Secret s’alourdit considérablement. En montrant dans l’intro la mère passer beaucoup de temps à jouer avec un enfant qu’elle a pris, on avait certes de l’amour maternel, mais le comportement de Jessica Biel qui change du tout au tout, ça ne colle pas vraiment. Le film se révèle toutefois touchant pour le destin de l’infirmière, qui se livre sciemment à la police pour servir de bouc émissaire et porter toute la charge des enlèvements (on l’abandonne alors que la demande de peine capitale est en jugement). Curieusement, c’est là où The Secret met les pieds dans le plat qu’il devient bancal. Car le sujet du film (ATTENTION MEGA SPOILER) ce sont bien des kidnappeurs qui enlèvent des enfants malheureux pour les replacer dans des familles qui ont les moyens de les accueillir (de l’amour, mais surtout de l’argent). Cold Rock est une ville qui se meurt, sans promesse d’avenir. Mais cela implique-t-il d’enlever des gosses de pauvres pour les replacer dans des familles de riche ? A cette question, le film répond oui, l’important étant que les gosses aient le meilleur avenir possible. FIN DU SPOILER. Ainsi, nous conclurons avec un monologue de Jodelle Ferland qui regrette par moment ses choix, mais qui se fait un devoir de continuer dans cette direction. Et qui nous prend directement à témoin en brisant le quatrième mur et en nous parlant directement : « C’est la vie que j’ai voulu, et je l’ai obtenu. J’ai eu raison. Non ? Non ? Non ? » D’où l’envie de crier « Non ! » pour conclure. Personnellement, je suis un peu réticent à l’idée, qui en partant d’une bonne intention, les priverait d’un droit de parenté pour un prétexte qui semble essentiellement d’ordre économique. Une certaine beauferie semble en cause également, les hommes du patelin semblant plutôt rustres.  Mais le film ne nous a pas assez engagé dans son point de vue pour qu’on acquiesce à son engagement, courageux mais pas assez développé. Trop ambitieux, trop travaillé pour convaincre (on change trop souvent d’avis sur tout), c’est un film polémique qui fera parler de lui, mais qui fait figure de petite déception après un film aussi définitif que Martyrs. Reste toutefois d’excellents acteurs et une réalisation très compétante, au service d’une histoire qui boite un peu. Tout est là, mais on n’est pas partisan pour autant. On attend maintenant le prochain travail de l’artiste, qui s’il ne s’est pas trahi, évite de peu le pétard mouillé…

4.3/6

2012
de Pascal Laugier
avec Jessica Biel, Stephen McHattie

En 1997 sont sortis deux films catastrophes traitant du même sujet : un météore venant percuter la belle bleue. Des scénarios similaires, mais des traitements très différents qui font toute la spécificité de chacun. Armageddon fait office de gagnant, largement connu (parfois acclamé) de la population, alors que Deep impact fait office aujourd’hui de blockbuster méconnu. Une critique comparative qui en vient à ériger Deep Impact comme un excellent travail et Armageddon comme une production made in Bay bouffie.

Deep Impact : Il est pour ainsi dire un peu blessant de comparer Deep Impact à son rival populaire tant le traitement de ce dernier se révèle plus subtil et intelligent. En effet, en s’appuyant déjà sur un casting plutôt convaincant (Morgan Freeman en président des Etats Units, Elija Wood en étudiant en astronomie…), Deep impact se distingue de son prédécesseur par son envie d’être réaliste et de traiter la menace de façon réaliste. Même si on peut un peu douter de la solidité du vaisseau spatial face aux collisions répétées avec les météores, la gestion de la mission à la surface de l’astéroïde est plutôt bien mise en scène, les phénomènes géophysiques correspondant à ceux observés dans l’espace. Mais le film est clairement plus attachant pour les personnages qu’il va suivre, qui se révèlent tous finalement assez touchants dans leur traitement. Chose rare, ils ne seront pas vraiment amenés à se croiser pendant le film, et ils sont suffisamment bien étudiés pour illustrer la plupart des réactions humaines en face de l’évènement. Et quand le film essaye d’émouvoir, il s’y prend beaucoup plus délicatement qu’Armageddon, faisant pleurer plutôt ceux qui vont être sauvés que ceux qui vont mourir. Si tous les sentiments qu’il illustre ne sont pas de la même légèreté (le passage de la lecture dans la navette spatiale est gentillet), la peinture d’une Amérique impuissante est ici traitée avec une certaine finesse. Morgan Freeman, dans son rôle de président, apparaît comme un père de la nation, se montrant de moins en moins formel au fur et à mesure que les stratégies mises en place échouent à changer le cours des choses. Chose intéressante, le thème du sacrifice (commun à nos deux films) est ici traité assez rapidement et avec sobriété. On passe par l’inévitable séquence d’adieux (commune là encore) mais ici beaucoup moins sacralisée. Et relevé une pointe d’amertume avec le retard d’un des parents d’un astronaute. Contenant finalement peu d’humour et adoptant une maturité un peu stoïque face à l’inévitable, Deep Impact est en effet l’un des meilleurs films catastrophe jamais tourné, et il ne vieillit pas avec le temps qui passe.

4/6

1997
de Mimi Leder
avec Robert Duvall, Vanessa Redgrave

Armageddon : Tentons d’oublier qu’il s’agit d’une réalisation de Michael Bay et concentrons nous sur les qualités du film. Indéniablement, Armageddon a du pognon à revendre, et préfère l’action au réalisme. C’est son droit. Ainsi, impatient d’en arriver au suspense de sa mission, Michael tente d’entretenir le suspense pendant sa première heure à l’aide de scènes de destruction massive où des météores viennent balafrer différents pays du monde (les chinois, les français) sans que l’Amérique daigne lever le petit doigt (ils ne décrocheront jamais un téléphone pour avertir les pays cible). Puis vient enfin le départ en navette, jusqu’à la station MIR pour le ravitaillement carbu. L’occasion de montrer que le matériel russe défectueux peut engendrer des scènes d’action spectaculaires et épicer le spectacle de 15 minutes de suspense. Toutefois, le crash de la navette est une petite surprise dans la mesure où on ne s’attendait pas à avoir des relents pessimistes dans cette balade spatiale. Ils trouveront leur résonnance pendant une dizaine de minutes où l’on croit la terre condamnée, avant que Ben Affleck n’apparaîsse tout joyeux derrière un rocher sur fond de trompette et fanfare. L’occasion pour le film de montrer que l’obstination paye, avant de lancer d’une façon assez louche le thème du sacrifice. Thème dont le climax l’immanquablement émouvante scène d’adieu entre Bruce Willis et Liv Tyler. Puis un joli plan d’explosion atomique asserti d’un surdécoupage émotionnel pour bien montrer que la Terre est sauvée, mais que ça a eu un prix. En termes d’action, ça pouvait être amusant, mais peut être pas sur deux heures et demi. En termes de personnages, ce film est tout simplement une surenchère. A nous de trouver le meilleur cliché dans ce lot de gamins foreurs. Serait-ce Maxou, l’obèse amateur de beignets ? Ou l’Ours, le gros noir baraqué ? Ou la carotte, un Steve Buscemi en mode obsédé sexuel ? Ou tout simplement Harry, père surprotecteur qui n’a pas appris à être parent… Mais la palme se doit probablement d’être remporté par le couple à l’écran : Liv Tyler et Ben Affleck, leur romance étant ponctuée par l’horripilante chanson « Don’t want to close my eyes » et la caméra insistant lourdement sur certains détails (du pelotage, mais pas de sexe). Bref, c’est l’idéalisation du couple avec un mariage en grande pompe pendant le générique. Si on peut reconnaître quelques blagues marrantes au milieu du lot (l’entraînement n’en est qu’un florilège), le résultat final manque carrément de sérieux, voulant donner dans le divertissement de masse et passant à côté du potentiel dramatique de l’œuvre. En se révélant par moment lourdement insistant sur des détails, comme la séquence d’adieu qui devient littéralement la séquence où on sort les mouchoirs, dans la mesure où les adieux de Bruce Willis sont projetés sur l’écran principal en face de tout le personnel de la NASA en pleurs (alors que Deep Impact se contentait d’une télé beaucoup plus intime). En clair, si la beauferie éclate par moments (l’intro au fusil de chasse sur la station pétrolière), elle n’occupe pas encore complètement l’espace remplissage, chose qui changera avec Transformers. Mais à aucun moment le film ne parvient à transcender le statut de blockbuster, s’enfonçant lourdement dans l’anesthésie de tous les éléments autres que l’action.

2/6

1998
de Michael Bay
avec Bruce Willis, Billy Bob Thornton

Hey, vous avez vu ? On est astronautes !

Si le talent de Balaguero n’est plus à présenter, la carrière de Paco Plaza pré-rec a de quoi susciter la curiosité du public, ne serait-ce que pour comprendre pourquoi ces deux réals se sont rapprochés et ont accouché d’un des meilleurs films de zombies de « zombies » de ces dernières années. Et sa principale collaboration au septième art, c’est Les enfants d’Abraham, un thriller intéressant qui se propose de nous faire vivre une histoire de famille tordue. Mais…

L’histoire : Après le suicide de son père, Daniella cherche des réponses à son acte. En poussant les recherches, elle se rend compte de faits étranges, alors qu’un inconnu atrocement défiguré commence à la harceler.

Paco Plaza n’a pas choisi la facilité en s’attelant à un tel script, qui lorgne finalement sur La secte sans nom, mais en moins efficace. Ici, c’est le suicide du père qui lance l’affaire, notre héroïne ne comprenant pas le sens de son geste. Et peu à peu, cette dernière de découvrir que son père était un peu plus trouble que ce qu’elle pensait, pour finalement apprendre qu’il appartenait à la secte des Enfants d’Abraham. Intéressant, mais une question me taraude encore… Quel est le but de cette secte ? Pourquoi se perpétue-t-elle et qu’obtient –on concrètement en échange du sacrifice ? Pas grand-chose, et le film semble finalement plus s’appuyer sur ce que les sectes ont d’effrayant plutôt que d’élaborer une peur particulière autour de cette secte (comme le faisait intelligemment La secte sans nom). Niveau ambiance, c’est donc clairement moins tendu que le film de Balaguero, mais ça se suit. Cela est notamment dû à une réalisation plutôt appliquée et des acteurs compétents, notamment pour le grand brûlé qui se révèlera être un personnage plutôt touchant. Mais si les personnages des Enfants d’Abraham sont plutôt intéressant, le film peine clairement à instaurer un rythme dans son histoire. Le tiers du film doit être constitué de plans de l’héroïne qui marche, de plans de l’héroïne qui prend un médoc, de plans de l’héroïne qui dort… Le tout sur de jolis morceaux de piano. Certes, c’est du joli remplissage, mais c’est du remplissage quand même et ça ne fait pas un film à l’ambiance glauque. On en viendrait presque à oublier les quelques meurtres sanglants commis par la secte, abordés puis oubliés dans la suite de l’intrigue, qui se concentre sur le passé de Daniella. Certes, les conclusions sont intéressantes (l’histoire de famille promise est en effet glauque à souhait, ayant la capacité d’en faire souffrir chaque membre), mais le développement du film, long et parfois ennuyeux, l’empêche clairement de rivaliser avec son concurrent ibérique. Toutefois, la bonne facture technique démontre que Plaza sait filmer et que pour peu qu’il ait de la chance, il pourrait devenir un honnête artisan. Pas génial, mais regardable.

3.5/6

2003
de Paco Plaza
avec Erica Prior, Trae Houlihan