Primé un peu partout dans le monde, acclamé par la critique et globalement aimé par le public, The Artist a donné une dimension internationale à la carrière de Michel Hazanavicius, et propulse Jean Dujardin dans les hautes sphères du métier d’acteur avec une reconnaissance mondiale.  Une aura grisante pour un film très attachant, qui parvient à retrouver la grâce du muet sans pour autant faire preuve de beaucoup d’inventivité.

L’histoire : George Valentin, un acteur de films muets, fait la connaissance d’une actrice entamant sa carrière dans le cinéma alors en pleine mutation, puisqu’amorçant sa transition vers le parlant.

Techniquement, le noir et blanc du film est irréprochable, la peinture des années 1930 est réussie, le charme du muet venant accroitre davantage le charme de la reconstitution historique. En fait, l’originalité du film tient surtout dans le fait qu’il parle du cinéma en faisant un film,  en nous donnant une petite leçon d’histoire sur la fin du muet et le début du parlant, qui a entraîné un bouleversement complet des codes du jeu d’acteur. En effet, avec du son, plus besoin de surjouer ses sentiments avec de grands gestes, il suffit de parler. Et certains acteurs seront alors loin de convenir pour les films en projet. Toute une génération d’acteurs sera finalement amenée à disparaître, remplacé par le cinéma parlant et ses premiers succès. Voilà pour la parenthèse historique, et pour l’originalité du contenu du film. Question jeu d’acteur, le film recycle avec un savoir –faire professionnel tous les codes du film muet, de la gestuelle exacerbée des personnages jusqu’à la légère accélération des images. Tout est fait pour imiter le style d’époque (solo de piano quasi-omniprésent à l’appui), ce qui rendra les passages sonores d’autant plus notables qu’ils trancheront radicalement avec les ambiances muettes. Le tandem Bejo/Dujardin est tout à fait à la hauteur, en couple d’acteurs attachants, mais déphasés de par leur spécialisation de jeu (une différence qui inversera peu à peu les rapports de force et qui amèneront nos personnages à refondre totalement leurs points de vue). De plus, rajoutons que la présence de plusieurs acteurs américains donne un cachet international au casting, un choix plutôt intéressant quand il s’agit d’illustrer Hollywood. La mise en scène est de réelle qualité, Hazanavicius ayant apparemment bien préparé son coup. Mais si certaines séquences touchent parfois la grâce du cinéma muet, elles semblent aussi déjà vues. C’est le cas pour la séquence où notre acteur muet empoigne un révolver pour se suicider alors que l’actrice roule à tombeau ouvert pour l’arrêter à l’instant fatidique. Le dénouement a un air de déjà vu, mais il reste toujours efficace en termes d’intensité. En l’état, le film fait preuve de qualités évidentes, et son choix de refaire du muet à l’heure où la demande est au spectaculaire parle encore pour la défense du projet. Me concernant, je trouve le film très attachant sans être inoubliable. Si il peut donner à Hazanavicius carte blanche pour le reste de sa filmographie, je suis pour !

5/6 (mais d’un enthousiasme tempéré)

2011
de Michel Hazanavicius
avec Jean Dujardin, Bérénice Bejo

Tout le monde connaît le Viet Nam, mais on parle beaucoup moins des situations diplomatiques des pays avoisinants à cette époque. Ainsi, le cambodge s’est vu être lui aussi touché par le conflit Américain/Viet Cong, avant d’être pris par les Khmers rouges et d’entamer son processus de pacification de la population. Un conflit humain classique, et traité tel quel par le film La Déchirure. Ce dernier ne propose pas une vision à la Coppola ou un ressentit traumatique comme Requiem pour un massacre. Il suit l’action d’une façon réaliste et épurée de tout effet de style, s’attachant beaucoup aux « humains » qu’il va suivre.

L’histoire : En avril 75, les khmers rouges commencent à envahir le Cambodge, débordant rapidement les maigres défenses américaines. L’évacuation des européens et des américains est alors déclenchée, mais bon nombre de cambodgiens inquiétés par la situation diplomatique n’en bénéficient pas.

La Déchirure est un film qui m’a beaucoup surpris car il transmet avec une réelle justesse les ambiances de la vie quotidienne au Cambodge (j’ai eu la chance de pouvoir voyager en Inde quand j’étais plus jeune, les ambiances sont vraiment comparables). Au niveau de l’ambiance, le ton est parfait, et l’angle sous lesquels les faits sont abordés est plutôt intelligent. En effet, nous sommes amenés à nous attacher à des reporters (un américain et un cambodgien) qui couvrent l’évolution de la situation militaire du Cambodge, et qui dénonce souvent les méthodes abusives de l’armée américaine (on aura notamment le cas d’un bombardement mal planifié qui entraînera la mort de centaines de civils). Mais peu à peu, les Khmers rouges gagnent du terrain, jusqu’à ce qu’ils balayent les lignes de défenses du pays. L’évacuation est alors décrétée, on brûle la paperasse dans les bâtiments d’administration avant que les occidentaux et leurs familles soient héliportées. Certains cambodgiens bénéficient alors de l’aide, mais beaucoup sont laissés derrière. Dith, l’assistant du journaliste, a la chance d’en bénéficier avec sa famille, mais c’est pour continuer son métier de journaliste qu’il décide de rester avec Sydney, le journaliste américain. Et c’est à partir de ce moment que les choses dérapent et qu’on verra le groupe de journaliste éclater, la politique d’évacuation française (nos journalistes finissent par se réfugier dans leur ambassade) excluant les cambodgiens des évacuations prioritaires. C’est avec cette étape que nos personnages prennent une réelle épaisseur. Le métier de journalisme est quant à lui assez bien développés. On aura le regard critique de Sydney sur l’actualité (qui tape sur les deux camps), le journaliste adepte de la photographie choc (interprété par John Malkovich) et la manipulation médiatique, que constateront nos journalistes ricains une fois rentrés au pays. Pour Dith en revanche, le parcours sera encore très long, ce dernier étant arrêté par les Khmers à la sortie de l’ambassade et envoyé dans des rizières comme prisonnier politique. Toutefois, le film se refuse à céder au pessimisme, malgré le caractère extrême de la situation. Difficile d’en dire plus sans spoiler le film et son dénouement, mais le film tient à « récompenser » ses protagonistes après les épreuves qu’ils auront subis plutôt que de faire dans le drame traumatisant. Un choix qui atténue l’aspect dramatique (on termine loin, très loin des horreurs qu’on a vu), mais qui nous rapproche de nos protagonistes, un choix assez rare pour être souligné. En l’état, La déchirure est plus la reconstitution historique du virement communiste du Cambodge, assez 70’s dans le style, mais très agréable à voir (la narration est limpide, la facture technique est excellente) et puissant sentimentalement. Une belle surprise.

5/6

1984
de Roland Joffé
avec Sam Waterston, Haing S. Ngor

En forme, je décide aujourd’hui de m’attaquer à rien de moins que mon Kubrick préféré : Orange mécanique. Adapté du livre d’Anthony Burgess, ce film a déclenché un tel scandale lors de sa sortie que Stanley en est venu à en minimiser la portée en public pour tenter d’apaiser le débat. Visiblement, le film a touché quelque chose de fort dans la violence mise en scène pour que le public réagisse de la sorte, selon un mécanisme finalement identique au parcours d’Alex pendant sa courte vie.

L’histoire : Alex, Pitt, Georgie et Dimm écument les ruelles la nuit, à la recherche du frisson de l’ultra violence que leurs procurent bastons et jeux dangereux. Le jour, ils planifient ce qu’ils feront la nuit. Jusqu’au jour où une dispute entre Alex et Dimm ne chamboule l’ordre hiérarchique de la bande.

J’ai lu le livre de Burgess, il fallait avoir une certaine volonté pour y arriver, car si le film a fait un gros travail pour que l’argot qui y est employé soit immédiatement compréhensible pour l’auditoire (le contexte de chaque mot d’argot permet d’en saisir facilement le sens), ce n’est pas le cas du livre. Il y a un lexique en fin de livre, et on se débrouille avec. Ainsi, pendant les 100 premières pages, on passe son temps à aller et venir d’un bout à l’autre du livre, bloquant au moins trois fois à chaque paragraphe sur des mots comme Tchelvock. Une certaine barrière de la langue qui limite notre compréhension de nos protagonistes, bien plus explicites quand ils se livrent à des actes d’ultra violence. Kubrick en retient les scènes fortes, en commençant avec le tabassage d’un clochard sur un silence glaçant. On suivra avec une bagarre contre une autre bande aussi tordue que celle d’Alex (ils les interrompent en plein viol, absolument pas par souci d’interrompre le crime, mais tout simplement pour agacer un peu plus leurs adversaires). Puis on passe à la scène choc du film, encore une fois silencieuse à l’exception d’Alex chantonnant son fameux « I’m singing in the rain » pendant la scène de viol (finalement peu montrée). Il est assez intéressant de noter ces blancs musicaux pendant ces scènes de violence gratuite (dès lors ultra dramatisées et pas complaisantes comme la musique électronique inoubliable du film pouvait le faire croire). Le quotidien d’Alex nous sera également dépeint, virant sur la critique de société, Alex étant finalement un pur produit de société de consommation dénuée peu à peu de morale ou de valeurs (l’incarnation de la moralité, l’avocat d’Alex, est un pantin grimaçant qui ricane en menaçant Alex sans tenter absolument quoi que ce soit pour faire évoluer son comportement). Les parents sont aux abonnés absents, carrément dépassés par cette nouvelle génération dont ils ignorent tout. Plus que jamais, la violence est vue ici comme une sorte de langage, ici employé à tort et à travers par Alex et sa bande pour faire face au monde extérieur. La violence est universelle, elle exprime une frustration ici, et elle ne se répare pas, elle s’accumule. Si la première partie accumule les délits pour Alex, c’est à partir de son emprisonnement que le discours sur le traitement de la violence commence s’étoffer. Il est rapidement évident que la prison ne soigne pas les criminels ne faisant aucun effort pour s’améliorer. Son seul effet bénéfique est d’isoler des citoyens les criminels pour un laps de temps variable. Ainsi, Alex stagne totalement pendant cette période, sa piété feinte lui servant seulement à s’attirer la bienveillance de certains gardiens et de l’aumônier. On aura ainsi droit à l’hilarante séquence où Alex s’imagine en train de torturer le Christ. Et on s’attaque alors de façon très réaliste au traitement médical des condamnés, ici pour le coup poussé à la perfection (par une méthode vieille comme le monde, le réflexe pavlovien, on associe la violence et le besoin sexuel à la douleur physique). Le seul petit effet secondaire est ici une association malencontreuse de la musique de Beethoven à la douleur. Un fait négligé par les médecins, mais déjà castrateur pour Alex dont la seule passion « saine » restait son goût pour la musique. Avec la courte mais brillante évocation du choix Bien / Mal par l’aumônier de prison (qui résume parfaitement les enjeux et l’amoralité du but recherché par la méthode Ludovico), le film annonce déjà la suite, la vie d’Alex se transformant en véritable enfer, la société lui faisant maintenant payer tous ses précédents excès, en toute impunité et se croyant autorisée à le faire. Un dernier tiers atroce, scandaleux et vraiment poignant où le film enfonce le clou sur la stérilité totale de l’usage de la violence et sur les tentatives improbables de la société pour les réguler. Le film n’apporte finalement pas de réponse sur le règlement du problème (qui s’annonce insolvable, la violence faisant partie de notre quotidien et pouvant surgir chez n’importe qui), et continue sur une optique brûlot en lançant un dernier trait aux politiques qui, en cas d’erreurs, tentent de sauver les meubles en achetant les victimes pour s’assurer de leur silence. La scène, à nouveau hilarante, ne répond pas cependant à toutes les questions (qu’est-il vraiment arrivé à notre activiste subversif ?), mais nous gratifie une dernière fois d’un politiquement incorrect ma foi efficace et qui nous offre un dénouement aussi fort que le reste du film, qui demeure en l’état un des brûlots les plus intéressants des années 70. Un monument di cinéma, aujourd’hui culte et qui trouve toujours des échos dans notre société où la surpopulation carcérale est devenue un sérieux problème.

6/6

1971
de Stanley Kubrick
avec Malcolm McDowell, Patrick Magee

Ridley Scott s’est lancé non pas avec Alien, mais avec un petit film qui ne fait plus beaucoup parler de lui : The duellists. Un film très classique à la hauteur de l’époque qu’il veut illustrer : le règne de Napoléon Bonaparte, vu par un Hussard de cavalerie, ou plutôt deux hussards qui seront amenés à recroiser régulièrement le fer au cours de duels régulièrement programmés.

L’histoire : le capitaine d’Hubert est un jour mandé par son supérieur de mettre aux arrêts un autre capitaine de cavalerie : Feraud. Ce dernier le prend alors à parti, et lors de son arrestation, le provoque en duel avant de l’attaquer.

Il y a dans ce film un je ne sais quoi de Kubrickien (on pense à la mise en scène très réaliste de Barry Lindon) qui le rend immédiatement agréable à l’œil. Que ce soit dans les magnifiques décors choisis par le film ou dans sa brillante reconstitution d’époque (si on exclut quelques éclairages visiblement artificiels, tout est très réaliste et fonctionnel), Ridley Scott veut manifestement livrer un travail bien fait, et ça se sent. Un vrai plaisir pour l’œil amateur de belles scènes pendant deux heures. Mais l’enjeu du film se situe plus dans l’affrontement quotidien des deux personnages sur lesquels il se focalise, et plus particulièrement sur les raisons qui les poussent à faire jaillir le sang de l’autre. Le premier duel, au sabre, se fait sur un coup de sang du capitaine Feraut, qui attaque le capitaine d’Hubert suite à l’humiliation de sa mise aux arrêts en plein salon mondain (et devant les yeux de l’organisatrice que le capitaine Feraut convoitait). Le capitaine d’Hubert a le dessus, ce qui met Feraud dans une fureur noire et qui lance probablement la récurrence des duels que nous allons suivre. Les duels sont considérés souvent comme un moyen de laver son honneur. Mais ici, il n’est jamais question d’honneur. Il apparaît clairement que le capitaine Feraud (qui prendra du grade au même rythme que d’Hubert) est un batailleur impulsif qui lance des duels à tort et à travers pour une conception de l’honneur qui lui appartient et qu’il fait évoluer selon ses envies, alors que d’Hubert se voit régulièrement contraint (tout du moins au départ) de croiser le fer avec ce rival qu’il n’a jamais souhaité se faire. Il n’a pour ainsi dire aucune envie de porter atteinte à son honneur en refusant un combat, et il n’aura jamais l’excuse de la différence de grade (règle qui interdit tout duel entre partis de grade militaire différent). Mais au fur et à mesure que leurs duels deviennent réguliers au grès des campagnes militaires (les ellipses temporelles sont fréquentes, on voyage jusqu’en Russie), la réputation de duelliste de d’Hubert pèse de plus en plus sur les décisions de ce dernier, qui se doit maintenant d’honorer une réputation qu’il n’a jamais voulu (le duel en hommage à la cavalerie est un très bel exemple de cette situation). Après, il faut dire que le film prend vraiment son temps pour développer ses idées autour du duel. Si Barry Lindon, tout au long de ses trois heures, faisait une critique complète de la quasi-totalité des autorités du XVIIIème, Les Duellistes ne traite vraiment que du duel, et il enrobe beaucoup ses personnages en détaillant leur parent et leur vie, en rajoutant des minutes plutôt que de coller au sujet. Si le film est beau, il n’en est pas moins long, mise en scène appliquée ou pas. Le casting est quant à lui impeccable, dominé par un Keith Carradine plutôt élégant en capitaine français et un Harvey Keitel parfait en Bonapartiste ferrailleur qui vit pour se battre. Si le film s’égare parfois un peu, sa beauté et son classicisme restent de bons atouts pour cette œuvre ma foi tout à fait recommandable.

5/6

1977
de Ridley Scott
avec Harvey Keitel, Keith Carradine

Le cinéma de Clint Eastwood est essentiellement tourné vers le drame, tourné avec un classicisme très agréable (tous ses personnages sont parfaitement construits) et soucieux d’éviter tout second degré, afin de nous présenter des histoires fortes au potentiel sentimental bien exploité. Racontant toujours l’histoire de personnages, les films de Clint prennent souvent des airs de tragédies, comme dans les deux exemples traités aujourd’hui. Avec Mystic river, on s’attaque à l’injustice dans son atrocité (mais pas que), et par L’Echange, au combat dantesque d’une femme contre la Police de sa ville.

Mystic river : Jimmy Markum, Dave Boyle et Sean Devine ont grandi ensemble dans les rues de Boston. Rien ne semblait devoir altérer le cours de leur amitié jusqu'au jour où Dave se fit enlever par un inconnu sous les yeux de ses amis. Leur complicité juvénile ne résista pas à un tel événement et leurs chemins se séparèrent inéluctablement.
Jimmy sombra pendant quelque temps dans la délinquance, Sean s'engagea dans la police, Dave se replia sur lui-même, se contenta de petits boulots et vécut durant plusieurs années avec sa mère avant d'épouser Celeste.
Une nouvelle tragédie rapproche soudain les trois hommes : Katie, la fille de Jimmy, est retrouvée morte au fond d'un fossé. Le père endeuillé ne rêve plus que d'une chose : se venger. Et Sean, affecté à l'enquête, croit connaître le coupable : Dave Boyle...

L'Echange : Los Angeles, 1928. Un matin, Christine dit au revoir à son fils Walter et part au travail. Quand elle rentre à la maison, celui-ci a disparu. Une recherche effrénée s'ensuit et, quelques mois plus tard, un garçon de neuf ans affirmant être Walter lui est restitué. Christine le ramène chez elle mais au fond d'elle, elle sait qu'il n'est pas son fils...

Mystic river : Délicate tâche que s’impose l’œuvre de l’auteur Dennis Lehane, qui s’attache à nous décrire une injustice dans toute son atrocité, surtout en termes d’intensité sentimentale. Il devient très dur de ne rien spoiler tant ce drame réussit à bien canaliser son public et à le faire aller où il veut, autant grâce au registre du drame familial (on suivra le deuil de la famille en question et ses relations avec le voisinage) que celui de l’enquête policière (c’est bien elle qui ne cesse de faire progresser l’histoire et d’aller de l’avant). La combinaison de ces deux genres permet de donner à l’histoire deux tons différents, un se voulant plutôt objectif (les policiers font leur enquête, et pour le seul passage où ils outrepassent leurs autorisations, ils se prendront un revers de bâton plutôt bien senti) et l’autre jouant essentiellement sur un registre sentimental (la traque de l’assassin par le père de famille, obnubilé par son désir de vengeance). C’est d’ailleurs cet accent qui permettra d’aborder un autre thème tout aussi intéressant que l’injustice : celui de la corruption par le mal. Au cours d’un dialogue magnifiquement ambigu (sur l’instant), Dave évoque comment il a dû oublier qui il était lors de ses 4 jours d’enlèvement, et donc sur la possibilité de création d’une nouvelle personnalité qui n’aurait elle vécue que de la souffrance… Par ce dialogue incroyablement fort, le film aborde un thème particulièrement fort : celui de la croyance en la corruption des victimes par le mal. Le film est loin de donner du crédit à cette thèse. Au final, il se révèle même être une démonstration à son encontre. Comment des individus ayant subis de telles choses pourraient être amenées à les reproduire ? Si le film se garde bien d’être général, il pose aussi le personnage de Dave comme quelqu’un d’incapable de faire du mal dans des circonstances normales. Ce sont ceux qui n’ont pas vécu les atrocités qu’il a subie qui se mettent à le juger, et qui dans leur incompréhension de cette souffrance se mettent à spéculer sur une possible corruption de l’innocence par le Mal. Et pour cause, le public est déjà sur cette piste après 30 minutes de films. Ce n’est vraiment qu’à la toute-fin qu’on découvre l’énormité de notre erreur, ce qui décuple incroyablement la puissance tragique du film, magnifiquement conclu sur le déni de la souffrance de l’autre sous prétexte de sa responsabilité dans l’affaire. Mystic river ne fait pas dans le second degré. Son drame est profond, total et finalement nihiliste. Et cette puissance est soutenue par les codes du cinéma à l’ancienne avec une certaine virtuosité. Avec un thème musical unique repris dans différentes tonalités selon les circonstances et des acteurs juste excellents de bout en bout, Mystic river est un drame marquant qui est voué à chambouler son spectateur à chaque nouvelle vision. Un grand film de l’ami Clint Eastwood.

5/6

2003
de Clint Eastwood
avec Sean Penn, Kevin Bacon

L’Echange : avec ce film, l’ami Clint se lance dans un portrait inquisiteur de la police des années 20, puisqu’il tape sur son besoin constant de reconnaissance alors qu’elle ouvre avec la maffia. Assez rapidement, avec la disparition de son fils, Christine, une Angelina Jolie qu’on n’a pas connu aussi dramatique depuis... longtemps, est voué à fréquenter deux types d’individus : des membres de la police qui ne cessent de critiquer le comportement de cette femme qui rechigne à accepter le marmot qu’on lui a rendu, et un subversif qui ne cesse de traîner la police dans la boue. Le ton manichéen est placé d’entrée de jeu, et c’est peut être un peu cet aspect qui nuira légèrement à l’estime qu’on porte à ce film, moins apprécié qu’un Mystic river. C’est rapidement le combat de cette femme à l’encontre de la Police qui prendra le devant de la scène, quand ;; est internée abusivement par le directeur d’enquête qui craint pour la popularité de sa brigade. C’est la partie dans l’asile qui se révèle la plus forte, pour la lutte psychologique de tous les instants que ce lieu impose quand on est sain d’esprit, et pour l’injustice flagrante d’une telle procédure (internement sur ordre de la police, avec une libération uniquement sur signature d’un contrat dégageant la police de toute responsabilité). On passe de mauvais traitement en mauvais traitements, alors que l’on découvre que beaucoup de femmes enfermées à l’asile sont victimes de la police ou de leur mari. Le film prend alors une tournure féministe avec l’engagement qu’on reconnaît à Clint Eastwood sur des thèmes aussi engagés (l’usage de la bonne grosse vulgarité à l’américaine !). Si le dénouement sur ce sujet est plutôt jubilatoire (une conclusion sur l’espoir, aussi valable pour la libération des femmes que pour l’histoire tragique de Christine), le film conserve toujours une intensité dramatique avec sa seconde intrigue parallèle : la découverte d’un tueur d’enfant qui pourrait avoir kidnappé le fils de Christine. Concernant ce personnage, le film conserve toujours un ton fortement dramatique (bien plus sombre que la courte introduction de Mystic River) qui ne nous quittera pas jusqu’à l’exécution de son personnage central Gordon Northcott (magnifiquement interprété par Jason Butler Harner) qui réussit à être parfaitement dramatique même si beaucoup s’accorderaient à dire que la punition est ici méritée. Toujours au premier degré et finalement clair dans ses intentions (égratigner la réputation de la police des années 20 et faire mener aux femmes un combat dantesque avec reconnaissance juridique à la clef), l’Echange est un bon drame de Clint Eastwood, même si personnellement, j’y ai moins accroché qu’à Mystic River. Avec une reconstitution d’époque plutôt convaincante, ce film a donc sa place dans la filmographie de l’Inspecteur Harry, qui a compris que le cinéma à l’ancienne resterait toujours aussi populaire auprès des cinéphiles.

4.5/6

2008
de Clint Eastwood
avec Angelina Jolie, John Malkovich