Je n’aurais pas misé un euro sur Transcendance, petit projet de SF qu’on nous vend curieusement depuis deux mois avec une bande annonce catastrophique (tous les temps forts y passent), sur le seul argument de la présence de Johnny Depp (alors qu’une brouette de seconds rôles conséquente est à disposition (Morgan Freeman, Cillian Murphy, Rebecca Hall…). Je pense que ce marketing aléatoire montre combien les distributeurs ne savaient pas comment vendre le film, qu’ils ont alors été tenté de résumer quasi intégralement dans leur bande annonce. En résulte un film sans surprise et plat, malgré ses thèmes et son ampleur.

L’histoire : Will Caster, brillant scientifique, s’apprête à lancer avec son laboratoire la plus puissante intelligence artificielle jamais créée. Hélas, des anonymous vicieux tentent de le tuer et empoisonnent son sens (parce qu’ils sont fourbes en plus). Sentant la fin venir, Will, avec l’aide de sa femme et d’un ami proche, tente de transférer son esprit dans le système informatique de son laboratoire.

C’est rageant de se dire qu’on est parfois devin sur la qualité des films avant de les voir, mais devant une telle montagne d’idées intéressantes adaptées sans la moindre subtilité, on est tout simplement en pilotage automatique. Je défie le moindre spectateur de donner un évènement surprenant ou inattendu en 1h50. A moins de ne pas avoir vu la bande annonce. Mais même dans ce cas, le spectateur ne verra que la performance à peine correcte de Johnny Depp. Tout le reste se tient bien cantonné dans le fond, ne faisant jamais le moindre effort d’implication au-delà de la figuration (je ne respecte plus Morgan Freeman depuis bien longtemps, ce film me montre combien j’ai raison). Dans ses thématiques, le film parle d’esprit humain libéré et amplifié par la machines, qui se met à élaborer des technologies ultra avancées montrant à la fois des bons côtés et des mauvais (comme toutes les technologies). Et là, on sent que le script veut insister sur le mauvais à des fins de suspense pour faire peur, mais jamais l’angoisse ne viendra un instant effleurer le spectateur. Tout juste entendra-t-il une accélération de la musique et quelques mouvements de caméra agressifs, mais le film n’ira jamais beaucoup plus loin. Enfin, il convient de parler comme il se doit des résistants présents dans ce film : les Unplug (que je préfère renommer Anonymous). Utilisant des méthodes de guérilla terroriste, militant contre les ordinateurs sophistiqués en usant des Asus dernier cri et prônant la limitation technologique à force d’assassinat parce que Skynet, ils sont aussi charismatiques que les écologistes arracheurs d’OGM qui te chient sur des années de travail scientifique parce que. Leur chef est une gothique mal maquillée tout à fait à l’image qu’on se fait des geeks de sexe féminin, et jamais on ne sera surpris de les percevoir comme des méchants puis en fait oh, ils ont pressenti le potentiel dangereux de l’affaire (mais bon, ils ont tort quand même). Tout ce gloubi boulga pour culminer dans une révélation finale qui avait de l’idée, mais qui se révèle tellement utopique qu’elle déclenche plus un rire forcé qu’autre chose. Je viens de mentionner les écolos anti OGM, le final vire pourtant sur une écologie technologique complètement irréalisable, mais mignonne. Pour prétendre faire de la SF, un minimum de cohérence ne ferait pas de mal. Parce que ça arrive de façon gratuite, comme si en fait, fallait montrer que les Anonymous ont tort (même si ils sont contre la création de zombies télécommandés), donc tant qu’à faire, Johnny Depp sauve le monde à défaut de le faire sauter. Réglage de tous les problèmes en 2 jours grâce aux nano-technologies. CQFD. Et les bouleversements des équilibres naturels suite à d’aussi radicaux changements ? Va te faire foutre, tu te prends trop la tête. Transcendance, ou l’art de faire simple en ayant l’air compliqué.

1,5/6

2014
de Wally Pfister
avec Johnny Depp, Rebecca Hall

Neeeeeeeeerd !

Après la stratégie ender et hunger games 2, le blockbuster 2014 qui faisait craindre le pire se nommait Robocop. Après un chef d’œuvre comme le film de Paul Verhoeven, voir un remake venir repomper le succès de l’ancienne formule a indigné les cinéphiles pendant de longs mois. Les rumeurs parvenues sur le tournage rendaient la chose encore plus redoutable, le réalisateur José Padilha parlant d’un véritable enfer dans le refus de nombreux concepts et idées par la production. Pas de quoi espérer quand chose, et les trailers très technologiques promettant de grosses scènes d’action n’aidaient pas non plus à convaincre. Il en ressort finalement un divertissement tout à fait honnête et tout aussi fascinant que ses prédécesseurs, malgré quelques ratées.

L’histoire : alors que l’Amérique a déjà établie une ingérence robotique sécuritaire de plusieurs pays, une loi continue d’empêcher le développement du système à l’intérieur du pays. Afin de renverser l’opinion publique en sa faveur, la compagnie de construction des robots décide de fabriquer un prototype enfermant un humain dans une machine, contournant ainsi la loi anciennement promulguée.

RoboCop 2014 est une excellente surprise en soit, puisqu’il a parfaitement intégré le fascinant concept socio-politique qui entoure Robocop, et qu’il décide lui aussi de l’explorer, en se fixant ses propres règles et en développant son univers. Le remake prend la meilleure tournure qui soit, sans que ses cafouillages ponctuels viennent en diminuer l’impact. Le politiquement incorrect est nettement moins jubilatoire que chez Verhoeven, certes, mais il est bel et bien là, ciblant avec justesse les enjeux qui entourent Robocop, et leur évolution, en prenant des pistes parfois inattendues. Si la question d’Alex Murphy est vite réglée (le réal en profite pour amocher salement Lewis), le film cerne avec une bonne justesse sa condition de cerveau artificiellement maintenu en vie, et commence par faire ressentir le traumatisme en montrant Murphy avec ses seuls systèmes vitaux. Robocop passe la première partie du film sous anti-dépresseurs parce qu’il veut mourir et que les médecins le maintiennent en vie (par enjeu politique, des contrats unissant le chercheur du projet à l’Omnicorp finançant ses travaux). RoboCop sait cultiver les enjeux, autant qu’il sait développer ses personnages et aller dans un sens intéressant. Le chef de l’Omnicorp devient un business man sans morale, mais apte à cerner les attentes du public et à vouloir les combler. Conscient des enjeux du projet, il réalise de bons choix par calcul, et sa logique est limpide. Le docteur chapeautant la conception de Robocop, spécialiste en prothèses robotiques, y voit une énorme opportunité, à la fois juteuse et humainement noble. Mais l’humanité de Robocop, celle qui est promue sur l’affiche, devient vite un problème, limitant son efficacité en face des robots de combats programmés pour appliquer sommairement un programme. Les médecins diminuent alors la part de conscience de l’homme, progressivement, laissant la machine combattre à sa place, tout en lui donnant l’illusion du contrôle. Un très intéressant concept habilement mis en valeur, aidé par le réalisme de la très lourde maintenance du robot (contrôle technique tous les jours, régulation hormonale et nutritive des parties organiques, rien n’est laissé de côté). Robocop, c’est une conscience peu à peu étouffée par des règlements hormonaux et un contrôle de plus en plus poussé de la machine, qui finalement ne brandit plus qu’un visage pour rappeler l’idée originale du projet. La quête de vengeance revient évidemment, entrainant des dérèglements du système de contrôle. C’est peut être cet aspect de Robocop qui convainc le moins, les brusques dérèglements (et une mise en valeur inégale du traumatisme de Murphy) n’étant jamais expliqués.

Car concernant l’entourage familial de Robocop, le schéma suivi est bon. On pouvait craindre des retrouvailles cucul la praline entre l’homme de fer et sa famille, l’entrevue dure à peine deux minutes, et la déshumanisation de Robocop évacue alors les séquences familiales qu’on s’attendait à subir. Le scénario, bien ficelé, fait constamment évoluer ses enjeux, et quand de la corruption arrive, les enjeux politiques pointent alors le problème de la conscience de Robocop, qui outrepasse les ordres en s’en prenant aux personnes de pouvoir. Pas nouveau, mais les personnes puissantes n’aiment pas trop les forces qui font trop de zèle. Inutile de développer la façon dont le film présente les évènements, elle est excellente. Quelques petits regrets ça et là quand même : la vengeance de Murphy est éludée complètement à l’issue d’une gunfight en caméra thermique, la question de l’ingérence américaine robotisée est surtout exposée plus que traitée (l’attentat terroriste de l’introduction n’est pas très convaincant, malgré la mort du gamin abattu par les ED-209), mais c’est surtout la fin qui déçoit. Cédant à un peu de pyrotechnie avec de solides scènes d’action, le film foire sa cohérence en laissant Robocop abattre son « créateur » malgré le verrou technologique qui était implanté en lui. Le tout sans explication. Un détail impardonnable qui relève presque du sabotage quand on voit l’importance que ce film a attaché aux détails jusque là. Mais avec un discours aussi politiquement incorrect sur les médias (Samuel Lee Jackson trouve encore un rôle cynique dans lequel il excelle), difficile de bouder son plaisir. Robocop est un blockbuster nettement plus sympathique qu’on ne pouvait le croire, et il mérite largement qu’on se déplace pour admirer la performance. Même si la fièvre créatrice de ses concepteur a pu être étouffée comme la conscience de Robocop (cet aspect du film est-il cathartique ?), le résultat est un feu d’artifice bienvenu qui retourne à l’esprit des deux premiers, moins facétieux, mais plus actuel.

4,5/6

2014
de José Padilha
avec Joel Kinnaman, Gary Oldman

Tout le monde se rappelle de Michael Crichton au cinéma pour Mondwest, qui pose les bases de ce que deviendra Jurassic Park. Pourtant, il a également réalisé d’autres films, dont Looker, petite bisserie SF méconnue bien ancrée dans les années 80, pendant lesquelles il fut distribué. Un projet attachant, qui en profite déjà pour exploiter quelques petites idées de dénonciations des entreprises publicitaires. Un film tout à fait attachant.

L’histoire : plusieurs mannequins s’étant toutes faites opérer par le même chirurgien se suicident dans d’étranges circonstances. Ce dernier, menant l’enquête, découvre qu’elles étaient toutes employées par la même compagnie publicitaire…

Looker a cette petite fraîcheur de la série B intègre qui tente de faire honnêtement sa petite histoire avec des concepts attachants, qui compensent la mise en scène un poil ringarde (trop ancrée dans les années 80) par les idées qu’ils incarnent. S’ouvrant sur l’excellente musique de Sue Saad (« she is a looker »), Looker s’attaque gentiment à l’acharnement esthétique des mannequins conseillés par des firmes de casting aux critères de beauté calculés au dixième de millimètre, n traitant sobrement et efficacement son sujet (il évite le gore mais ne cache pas les tables d’opération). Commençant sous l’angle du pur physique (en prenant pour personnage central un chirurgien esthétique un peu gêné de n’opérer que des beautés perfectionnistes), le film lance gentiment sa trame d’enquête par plusieurs suicides et l’apparition d’un mannequin paranoïaque retrouvé mort peu de temps après. On sait que les compagnies publicitaires sont mouillées, mais en quoi ? En se focalisant sur de petites débauches d’effets spéciaux rétro, le film s’intéresse aux stratégies manipulatrices du traitement de l’image, cherchant à focaliser l’œil du consommateur directement sur le produit à vendre et numérisant discrètement ses modèles pour en faire des répliques numériques plus malléables et moins protégées que les modèles réels. Looker trouve alors un nouveau terrain : celui de l’image numérique. Mais il ne l’exploite pas, ou très peu, car il avait pour projet d’être une simple série B et qu’il ne sort jamais de ses marques établies. Il rate régulièrement des occasions (à l’image de cette dénonciation de la chirurgie esthétique perfectionniste flirtant avec le trash, mais toujours brève et rapidement zappée), et privilégie d’autres pistes plus incongrues, comme celle de ce tueur au pistolet à flash, responsable de cette vague d’accidents, et donnant du fil à retordre à notre chirurgien enquêteur. Finalement, c’est ce contexte d’enquête qui rend Looker quelque peu laborieux, ce dernier transposant les enjeux de son final en une sorte de western laborieux, opposant physiquement les différents protagonistes, sans grande cohérence ni véritable intérêt. Looker veut rester modeste et manque d’audace pour s’affirmer, et ainsi gagner la renommée qu’il pouvait mériter. Les restes sont quand même satisfaisants, plantant ponctuellement des idées et des réflexions sur la publicité et son impact sociétal. Avec en prime le moyen d’être visionnaire, hélas laissé de côté… Une occasion ratée, toutefois gentiment divertissante.

3/6

1981
de Michael Crichton
avec Albert Finney, James Coburn

Avec Hunger Games l’embrasement, nous sommes sensés passer aux choses sérieuses. Après un premier opus assez mitigé, la suite développe donc les bases politiques qu’elle avait initié, et poursuit la volonté de son prédécesseur de faire un film prenant, en affinant davantage les détails. Plus axé sur la politique et la gestion des foules, cette suite surprend agréablement, tout en ayant le bon goût de lisser les défauts de son prédécesseur…

L’histoire : Catnisse et Peeta, revenu vainqueurs des Hunger Games, exécutent leur tournée annuelle dans différents districts. La situation de tension entre certains et le Capitole risquant de provoquer des émeutes, le président décide d’organiser une nouvelle cession du jeu de massacre.

Développement de son prédécesseur en maîtrisant davantage son sujet, L’embrasement correspond à tout ce qu’on pouvait attendre d’une suite décente. Conservant sa cohérence esthétique tout en s’intéressant à des sujets un peu sombres (le maintien de la stabilité du régime politique par les armes, l’importance capitale des symboles en politique, les leurres que jouent les émissions télévisées…), le film affine aussi ses personnages, à la fois au niveau des sentiments mais aussi question intelligence (merci de donner au Capitole des conseillers adroits et fins, qui ont conscience des enjeux qu’ils manipulent et qui peuvent avancer des idées intelligentes pour parvenir à leurs fins). Le film trouve un petit sujet avec le jeu amoureux à interpréter devant les caméras, et si il évacue plutôt intelligemment le sang (relativement peu apparaît ici), la violence rejaillit ponctuellement avec force (la séquence de fouet, bien sûr, la sortie du styliste…), clôturée par un final assez intense promettant une certaine détermination pour les prochaines suites. Merci donc au réalisateur d’avoir pris en main le matériau original et d’en avoir conservé la détermination. Ici, la partie survival est réduite au minimum, grand bien pour nous, le film trouvant son efficacité largement ailleurs. Toutefois, cette partie est largement moins ratée que celle de son prédécesseur. Sans montrer de sang, les images sont enfin stables et lisibles, les actions claires, et le doute sur le travail d’équipe rajoute quelques incertitudes tout à fait valables dans le cadre du suspense. Hélas, le dénouement de cette partie se révèle complètement frustrant, car abandonnant nos personnages dans une situation de crise intense, avant de passer tout simplement à autre chose… Comme manière de conclure, on n’est pas loin d’un Bilbo II… Mais malgré cette déconvenue (frustrante, j’aurais aimé connaître le sort de la combattante du district 7), le film va à l’essentiel sur le développement de son intrigue, sans temps morts. On trouve même nos personnage affiné, à l’image de Effie, considérée comme une connasse crispante dans le premier (sort complètement injuste et simulé), reste toujours assez frivole, mais éprouve quand même des sentiments humains, merci, ça fait plaisir. Notre héroïne conserve sa carrure d’outsider et la joue avec cohérence. C’est finalement l’absence de gros défauts qui tirent vers le haut cette suite digne, qui continue à adapter en essayant de tirer la sève de son matériau d’origine. Bonne tentative, à suivre…

4,3/6

2013
de Francis Lawrence
avec Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson

Blade Runner est un monument du film de SF. Porté par des créateurs de folie (Ridley Scott, Vangelis…), le film a tout de l’œuvre sacré, du film au potentiel tellement riche que tout fan de SF tombera en admiration devant le bestiau. Malheureusement, le film a sans doute vu les choses en trop grand, nous offrant un des futurs les plus fascinants qui soient, hélas desservie par une trame poussive et un manque de cohésion artistique…

L’histoire : En 2016, dans un Los Angeles urbain qui s’est complètement étendu en s’asiatisant, un blade runner traque un groupe de 4 réplicants, humains fabriqués en laboratoire venus rencontrer leur créateur.

Blade Runner est un film pour lequel j’ai toujours été mitigé. On aura beau dire chef d’œuvre, plusieurs choses dans le film empêchent de pénétrer pleinement dans le spectacle. En cela, deux principaux points noirs. Blade Runner est un film poussif. Il y a régulièrement de longues séquences où il ne se passe rien, où l’action est suspendue. Certes, Ridley veut sans doute s’attarder sur la beauté des décors (magnifiques, nous y reviendront), mais traîner dans un film de SF pareil en traînant à faire avancer une histoire déjà très simple (franchement, la trame est d’une simplicité enfantine, minimaliste même, et brulant parfois ses cartouches trop vite (la mort du second androïde, très vite expédiée), c’est jouer avec la patience du spectateur. D’où l’impression finale d’avoir vu un potentiel à peine exploité. L’univers qui s’étant sous nos yeux est fascinant, de quoi remplir largement plusieurs films (société clonant et améliorant le génotype d’animaux de compagnie (et d’humains pour créer une sorte d’esclavage légal), futur américain sur lequel l’apport culturel asiatique a déteint, et évidemment des réplicants qui revendiquent leurs émotions et agissent comme des humains, avec violence et passion). Tout ce mélange est enthousiasmant, évidemment. Cela forme un futur sombre, vivant et fonctionnel. Mais Ridley va à peine au-delà de l’approche esthétique. C’est là, bien dans le paysage, mais ce n’est pas ou peu approfondi (les sentiments des réplicants sont réduits au minimum, la performance de Rutger Hauer dans la dernière demi-heure remonte beaucoup le niveau). Reste la majesté des décors, éblouissante. Le soin apporté aux effets spéciaux est le point fort majoritaire de Blade Runner, tant chaque plan de la cité futuriste devient un régal pour les yeux. Un léger vieillissement pour les effets spéciaux des voitures volantes, mais rien qui ne gâche outre mesure le plaisir de voir un futur aussi cinématographique (sombre, empli de fumée, aux cheminées d’usine côtoyant les immeubles d’habitation…). En fait, le film aurait pu tout emporter simplement avec ses décors, si Vangelis n’avait pas tout foiré. J’adore le travail de Vangelis (1492 restera définitivement une de mes bandes originales favorites), mais ici, pendant les ¾ du temps, la musique déssert le film. Difficile de savoir où ça a merdé, mais si les ambiances du film à l’image imposent quelque chose de sombre, la musique de Vangelis semble avoir été conçue pour un polar plutôt serein, un polar new age, pourrait-on persifler. Résultat : le décalage entre les ambiances musicales et visuelles est tel que bon nombre de séquence perdent de leur charme (souvent au cours des vues aériennes de la ville). Le meilleur exemple doit être l’exécution du premier réplicant, abattu par Harrison Ford dans un magasin de vêtements. Les images sont sublimes, le ralenti excellent… et la musique complètement à côté de la plaque, voulant jouer sur un décalage mélancolique raté. La musique de Vangelis est bien, mais pas pour Blade Runner (seul le thème principal aurait convaincu, manque de pot, il n’arrive qu’à partir du générique de fin. Restent, en plus des décors, de nombreuses initiatives (Harrison Ford est un anti héros qui tombe logiquement amoureux d’une réplicante, parcours intéressant réduit à peu de choses : un morceau de piano, une étrange étreinte, une fuite) viennent enrichir le projet. A défaut de convaincre (le côté SF concernant les réplicants est décevant, en dehors des dialogues avec le créateur des réplicants, ne s’embarrasse pas de détails), le film ouvre une fenêtre sur un monde fascinant, avec toujours le style visuel de Ridley qui flatte immédiatement la rétine (magnifiques éclairages, effets spéciaux à tomber (on remarque même le soin apporté aux yeux des réplicants)), en nous offrant une ballade futuriste ultra ambitieuse qui tire son épingle avec les à-côtés.

4/6

1982
de Ridley Scott
avec Harrison Ford, Rutger Hauer