Fabrice du Weltz est un auteur dans le cinéma français. Depuis son début de carrière assez impressionnant (Calvaire, un film dont la qualité est inversement proportionnelle au nombre de fans reconnus), il n’a pas fait une seule commande, ses films sont d’authentiques échecs commerciaux, bref, c’est un gars comme on l’aime. Et ça se vérifie à nouveau avec son dernier film, Vinyan. Alors que ce dernier était destiné à un public plus large (Emmanuelle Béart, l’aspect réaliste du voyage proposé), il va vraiment succiter l’interrogation au point d’effectuer un score encore plus médiocre que les dernières productions de genre françaises. Pourquoi un tel replis de ce cinéma sur lui-même ? Parce que Fabrice développe un film fantastique, tellement dense dans ses ambiances qu’il est rapidement ressenti par le spectateur comme désagréable (car, on le sait, dès que le film nous envoie de l’idée brute, ça nous divise franchement le box office). C’est pourtant l’un des films les plus « sensitifs » de la décennie 2000.

L’histoire : Paul et Jeanne Belmar se sont installé en Thaïlande après le Tsunami, leur fils ayant disparu pendant la catastrophe. Au cours d’une soirée, Jeanne reconnaît son enfant sur un enregistrement provenant de Birmanie. Le couple, d’abord hésitant, finit par se rendre sur place pour le retrouver.

Vinyan, c’est un film qui se vit. Si les ambiances peuvent mettre mal à l’aise, c’est justement parce qu’elles crèvent l’écran sur toute la durée du film. Dans la première partie, le réalisateur capte l’animation des rues de Thaïlande avec une œil brillant, coloré. On sent ce grouillement, ce foisonnement de vie comme si nous étions juste à côté du couple, dans ces lieux dépaysants mais sonnant tellement vrai. Le contexte érotique, certes présent, est vite phagocyté par cette sensation de vertige, d’hyper sensibilité procurée par le film (la musique de François Eudes Chanfrauld fait encre des merveilles). Vinyan, c’est aussi l’étouffement. La chaleur. Plus le couple avance dans son périple sensitif, plus l’ambiance autour d’eux devient organique, puis crasseuse. Alors que la sueur est bannie des films exotiques (vous imaginez Pierce Brosnan suer comme un bœuf dans Demain ne meurt jamais ?), notre couple sue ici de plus en plus, ce qui ne cesse d’accroître cette sensation désagréable, cette sensation de moiteur, qui agace quand on voyage dans les pays chauds. Jamais elle n’a été aussi bien dépeinte sur un film (c’était tellement palpable qu’il m’a fallut prendre une douche après la projection). Sensation qui se trouvera à son apogée dans un dernier acte boueux à souhait. Et si ce n’est pas du goût de tout le monde, c’est un véritable catalyseur qui nous aide à nous placer en plein cœur du film.

Vinyan, c’est une quête d’abord physique, mais qui dérape peu à peu. Contaminée, comme le dit du Weltz, par le fantastique. D’abord sous forme de rêves qui renforcent cet aspect « vertige », où on ne parvient plus très bien à séparer le réel du fantasme. Le couple suit ses pistes, nous offrant un lot de paysages enchanteurs et qui nous font entrevoir un univers totalement différent de nos latitudes européennes (le déracinement est total). En cela, Vinyan voit sa quête évoluer peu à peu vers des aspirations plus spirituelles, qui prennent vraiment leur envol dans cette incroyable séquence de lâcher de bougie pour guider les esprits Vinyan.

Attention, à partir d’ici, je donne mon interprétation. Elle risque de spoiler un peu. Je crois que Vinyan entre en totale opposition avec les messages de vie du type « Life goes on ». En effet, on se bloque dès le départ sur la découverte de l’enfant. Dans un film classique, on le retrouve en pleurant de joie, ect… Ici, nous n’avons jamais de certitude. Ce sont uniquement les protagonistes et leurs certitudes qui les amènent à prendre des décisions. Et c’est sur l’oubli des morts que le film pose son discours. Un mort dans des circonstances affreuses doit être guidé, honoré, pour pouvoir trouver enfin le repos auquel il aspire. Et ici, on est vite partagé entre Paul qui veut continuer sa vie, enterrer sa peine et tout recommencer, et Jeanne, qui reste persuadée que son fils est vivant et qu’elle va le retrouver. Le film se bloque en quelque sorte sur cet enfant, et refuse catégoriquement les solutions de substitution (les différentes propositions de rachat d’enfants) ou d’éviction (l’oublier et repartir). Un message qui a pu heurter nombre d’entre nous sur le deuil de l’être cher, le film faisant vraiment preuve d’obstination dans son approche du thème. Et c’est là-dessus qu’il devient vraiment intéressant (et atypique), car il s’écarte totalement des habitudes prises sur ce thème. Il part sur le terrain du fantastique, dans un dernier acte brumeux, moite, sale et granuleux, où notre couple sera directement confronté aux esprits d’enfants morts, ce qui nous vaudra plusieurs scènes ambigües, difficilement compréhensibles, mais d’une force inimaginable (le vieux couple affamé par les gosses, la lapidation à coup de dents…). On finira par arriver dans un temple en ruine, demeure des esprits, où nos verrons nos deux personnages masculins tués par les esprits, et où nous verrons Emmanuelle Béart nue se faire tartinée de boue par une foule immense d’enfants maquillés. Incroyable, faisant la grimace aux chroniqueurs de films, ce final puissant nous donne une conclusion intéressante, et qui symboliserait (pour moi) l’entretien d’un lien très fort avec l’esprit de l’être perdu.

Etouffant, immersif, innovant, Vinyan est un pur concentré d’originalité qui a été offert à nos yeux réceptifs par un Fabrice du Weltz particulièrement inspiré. Loin d’être infréquentable malgré une façade un peu « autiste » (le fantastique sensitif au bord de l’expérimental, ça ne va pas plaire à tout le monde), c’est une vraie claque sur le plan immersif, une plongée dans un monde fascinant, réaliste et spirituel, qui nous emmènera loin, très loin des sentiers touristiques…

5/6

de Fabrice Du Welz
avec Emmanuelle Béart, Rufus Sewell

Quand les X men ont commencé à apparaître sur le grand écran en 2000, On y voyait l’émergence d’une grande saga fantastique à effets spéciaux qui pourraient s’avérée très fréquentable à la longue. Le second opus a continué à nous faire espérer, car s’il met un peu plus l’accent sur le personnage de Wolverine (en s’écartant du même coup des autres X men), il nous tisse une toile de fond assez imposante. X men 3, c’est la déconfiture. Un block buster bourré d’effets spéciaux qui s’éloigne de l’esprit de la saga, en incitant les mutants à abandonner leurs don (Couac ?!). Bref, ce fut la déception totale, et la consécration de Brett Ratner au rang de génie pour les masses et au rang de tâcheron bousillant les mythes qu’il touche chez les fans. Que pouvait-on donc attendre du film de Matthew Vaughn, le réalisateur d’un Kick Ass geek à souhait et totalement irresponsable ? Tout simplement la meilleure genèse de super-héros qui soie sortie ces dernières années. A la poubelle, les autres Marvel sortis depuis spiderman 3, nous voici revenu dans un esprit ludique et intelligent, empruntant à Watchmen et au premier X men pour se forger des origines définitives.

L’histoire : Alors qu’Eric est dressé à contrôler son pouvoir dans un camp de concentration, le professeur François Xavier rencontre la jeune Raven. Une vingtaine d’années plus tard. Eric cherche à retrouver le chercheur qui l’avait retenu dans le camp, afin de se venger. Parallèlement, la CIA découvre par hasard l’influence d’un groupuscule mutant sur plusieurs membres de la hiérarchie militaire communiste. Ils demandent de l’aide au professeur François Xavier.

Script à rebondissements, nouvelles têtes, clins d’œil référentiels, cet Origins cumule les points réjouissants qui sauront contenter les fans. Curieux que le réalisateur, qui affirmait encore il y a peu que les films de super héros commençaient sérieusement à épuiser le filon, parvienne à tourner cette séquelle en essayant de s’éloigner des clichés du genre. Le problème, c’est que Watchmen est sorti avant lui. Et que dès qu’on les mets côte à côte, on pointe vite des similitudes. Notamment le fait que X men First Class refasse lui aussi l’histoire à son goût, en prenant la crise des missiles cubains comme toile de fond du dernier acte. Très ludique, un peu pyrotechnique, mais dans l’esprit, ça n’est pas vraiment du renouveau. Qu’importe, les conclusions donnent complètement dans l’originalité, en prenant leurs distances avec l’Histoire. Mais il n’y a pas que ce contexte historique (assez réussi, avouons le) qui fasse la sympathie du film. En plus de nouveaux mutants (certains nous intéresse, d’autres beaucoup moins (Angel, rhabille toi !)), on nous offre un vrai méchant iconique, joué par un Kevin  Bacon impeccable en mutant surpuissant considérant l’avènement de l’énergie atomique comme le déclencheur des mutations. Bref, un sale type intelligent comme on aime les voir, qui nous réservera d’ailleurs de belles surprises. Le mutant téléporteur trouve enfin d’excellentes techniques pour gérer son pouvoir (avec style, en plus) et ses apparitions possèdent enfin la virtuosité qu’on était en droit d’attendre pour un tel pouvoir. On explore la psychologie des autres mutants. Moins torturée que les héros de Watchmen, nous en revenons toujours à l’acceptation impossible des mutants par les humains, qui les considèrent vite comme une menace. Ce thème est plutôt bien exploré par les différents protagonistes, et chose curieuse, il finit par nous faire adopter le point de vue des mutants révolutionnaires qui veulent exterminer la race humaine pour laisser celle des mutants s’épanouir. Pas vraiment surprenant de la part d’un geek comme Vaughn, mais un point de vue qu’on sent légèrement téléguidé, bel exemple de l’individu contre la société qui sera toujours amené à se battre pour maintenir son existence. A part le professeur Xavier (dont l’argumentaire est vite réduit à néant), il n’y a que Magneto qui ait vraiment du relief, et qui peu à peu finit par ressembler à son créateur. C’est thématiquement plus riche que la moyenne, mais on ne passe hélas pas à côté de bons clichés, du type la sagesse est meilleure que la colère… Certes, c’est gentil, mais est-ce que ça méritait vraiment 15 minutes de scène gentiment sentimentale pour être illustré ?

Point de vue action, ça aime toujours faire péter des trucs (un yacht,  un bâtiment complet de la CIA) mais les effets restent plutôt mesurés, dans des proportions qui divertissent sans prendre le pas sur les enjeux. Les effets sont d’ailleurs parfois discrets (Magneto n’est pas très tape à l’œil dans ses premières interventions), en bref, Vaughn réussit à rester humble sans devenir trop bavard. On retrouve quelques scories de son style, notamment lors des entraînements des nouveaux mutants, dans un style trop proche des comics pour être innocent. C’est la seule séquence que j’ai trouvé un peu trop artificielle dans la forme pour convaincre.

En fin de compte, c’est un divertissement grand public de bonne tenue, plutôt efficace et qui fait passer un bon moment au cinéma. En nous prenant, il est vrai, dans le sens du poil (les multiples allusions aux autres films réjouiront vraiment les fans), le film de Matthew nous ramène sur de bons terrains pour les super héros, mais on est toujours loin de révolutionner le genre… Si il a du bon succès, m’est avis qu’on va encore se manger de l’Histoire réinventée pendant un sacré bout de temps…

4/6

de Matthew Vaughn
avec James McAvoy, Michael Fassbender 

Ce film me permet de revenir un peu sur nos dernières productions de genre en France. A part quelques dates (Martyrs, Calvaire, A l’intérieur et Haute tension), nous naviguons entre le sympathique (Maléfique, Mutants, Frontière(s)), l’acceptable (Baby blood, Vertiges, Captifs) et l’inacceptable (La meute, La horde, Humains…). Un bilan mitigé, qui ne cumule que 4 noms qui s’imposent vraiment (et encore, ils sont loin de faire l’unanimité), et des séries B sympathiques dont la qualité varie selon les réalisateurs. Pas super encourageant, mais on tient le bon bout : jamais autant de films dans cette veine n’ont été produit aussi rapidement. On tiendra donc bientôt le film qui nous rachètera en faisant un bon score au box office (au moins 500 000 entrées, et ça sera gagné !). D’ici là, on peut savourer les efforts de certains artisans burnés, comme cet Antoine Blossier et sa Proie (retitré la Traque suite à la sortie rapide de La Proie d’Eric Valette, un artisan solide lui aussi). Et même si le budget n’est pas là, c’est du bon.

L’histoire : Deux frères, leur père et le fiancé de leur sœur organisent une traque pour tuer une bête particulièrement vorace dans les environs. Mais ils découvrent peu à peu d’inquiétants signes d’agressivité de la part du sanglier qu’ils parviennent à retrouver…

Premier bon point : La Traque est un film de genre sérieux, qui va droit à l’essentiel (une heure vingt) et qui tente d’insuffler un peu de rythme à son récit. Sa structure fait penser au récent Captifs : une première grosse moitié qui prend un peu son temps en tentant de conserver notre attention. Sur ce point, ça reste à peu près bon. Les personnages sont bien caractérisés, quelques mystères s’installent (la maladie familiale, l’implication de l’usine du frère, la nature de la bête…). La chasse à proprement parler n’est pas vraiment folichonne dans ses débuts, mais on retrouve vite la trace de la bête, et sa traque en question est plutôt bien gérée (pour ceux qui se laissent gagner par l’esprit de la chasse). C’est un épisode de Chasse, pêche et tradition en plus rythmé. Le film ne décolle vraiment qu’à partir de la mort du mammifère et sa dissection. A partir de là, bienvenu dans le film ! On retrouve l’efficacité d’un Isolation, avec le même type de terreur de contamination que dans cette petite série B bien balancée. Voir ça en France, on ne s’y attendait pas. La terreur grimpe vite en découvrant l’étendue des dégâts du phénomène (un charnier comparable à celui de The Descent) et l’enjeu réel du film : une bande de sangliers enragés particulièrement voraces. Et là, le film marche bien. Le suspense fonctionne à plein régime, les créatures effrayent, pas de gore superflu… C’est un film de créature qui marche parfaitement, avec des enjeux de série B qui fonctionnent. Là encore, le souci de ce film, c’est le budget de misère qu’on lui a alloué pour ses effets spéciaux. Résultat : on ne voit jamais la queue d’un sanglier (sauf si il est mort). On ne voit pas un seul bestiau vivant. Seulement leur groin fouisseur qui traque sans interruption nos héros. Frustrant, car nous ne verrons pas notre curiosité comblée, mais immersif, car nous serons toujours au plus près de nos héros. Un parti pris économique qui parvient à être toléré par un suspense innovant et efficace (les sangliers traquent à l’odeur) au cours de séquences tétanisantes que je ne spoilerai pas. Tout ça pour dire que ses quarante dernières minutes sans temps mort devraient combler les amateurs de série B (en nous faisant oublier le très nul Razorback, le seul qui fasse le poid, c’est Chaw sur ce terrain) avec des créatures contaminées chimiquement qui devraient suffisamment divertir pour nous faire oublier la maigreur du budget (même si c’est immersif, on sent qu’ils n’avaient pas le budget pour faire un seul plan sanglier…). Petit bémol : une fin qui se la joue un peu dramatique et qui ne rend pas justice au personnage masculin principal. Vraiment dommage, cette seconde partie faisant vraiment bonne figure dans notre paysage.

Le verdict : La traque fait clairement partie des films sympas, suffisamment chargés de qualités pour valoir un achat, mais c’est encore trop modeste pour prétendre à un statut supérieur à celui de la bonne série B du samedi. Vraiment honnête dans les intentions, mais pas assez d’ampleur. Un bon boulot, tout compte fait.

4/6

de Antoine Blossier
avec Grégoire Colin, Bérénice Bejo

Les films carcéraux, on y voit souvent peu de choses agréables. C’est dire si un pénitencier pour femme peut éveiller la curiosité de nombreux spectateurs… Si certains réalisateurs en profitent pour combler nos appétits déviants et nos petits yeux pervers (Femmes en cage, Ilsa la louve SS…), d’autres, comme Shunya Ito, cherchent à nous donner autre chose à voir que de perpétuelles cat fights dénudées. Au carrefour de The Devil’s rejects et d’un Baby Cart, On trouve Elle s’appelait Scorpion, un rape and revenge non conventionnel et très subtil sur son thème de la vengeance.

L’histoire : Dans un pénitencier féminin est détenue une femme, surnommée Scorpion. Véritable cauchemar des gardiens, elle pousse fréquemment ses codétenues à l’émeute, ce qui a le don d’énerver le directeur de l’établissement (qui a déjà perdu un œil dans l’affaire). Lors d’un transfert dans un nouvel établissement, Scorpion et sept de ses camarades parviennent à s’échapper dans les montagnes. S’en suit une course poursuite sanglante entre gardiens et évadées…

Ce qui surprend avec ce film, c’est son souffle de fraîcheur. Vraiment, si le film insiste sur des détails jouissifs (devenant par cette voie un vrai plaisir cinématographique), il garde une trame de fond vraiment passionnante, avec une héroïne qui ne parle pratiquement jamais (ses actes sont bien plus éloquents). En termes de violence, le film choque par son usage démesuré de la violence, qui tourne parfois au grotesque (le viol de Scorpion par une bande de 4 moines portant des collants sur le visage) sans pour autant perdre son impact dramatique. La vie est dure pour Scorpion autant à cause des gardiens que de ses camarades, qui l’humilient assez régulièrement. Mais même ces autres détenues deviennent intéressantes. Surtout après cette scène de présentation assez atypique, proche du trip visuel hallucinatoire, jouant sur les nuances de rouge, où chaque personnage voit son passé résumé en quelques mots. Ainsi, nous avons droit à différents portraits de femmes violentes, et nous pourrons ainsi nous attacher à leur groupe. Et c’est précisément à partir de là que le film m’a vraiment rappelé The devil’s rejects. Malgré la violence de ces femmes, on s’attache à leur parcours, à leurs présences, et leur déchéance n’en est que plus dramatique. Le film prend des allures de road movie pendant cette période de jeu du chat et de la sourie, durant laquelle nos évadées dévoileront leur caractère (le portrait de la mère tueuse d’enfant est vraiment impressionnant). Ce qui est passionnant dans ce film, c’est qu’il n’hésite pas à transcender son histoire par des passages complètement onirique (la mort de la vieille et la prise du couteau dans une forêt en automne), qui donnent une puissance énorme à des symboles forts, comme ce couteau qui servira d’outil pour l’accomplissement de la vengeance de Scorpion, mais aussi de toutes les femmes du camp (cette scène finale magnifique, remplie d’une envie de liberté tellement poignante qu’elle en vient à égaler le générique de fin de The Devil’s rejects). Iconique, violent, mais aussi profondément touchant sur les enjeux humains, Elle s’appelait Scorpion est un drame tantôt jubilatoire, tantôt atroce , qui prend une direction inattendue lors de la prise d’otages dans l’autobus, et qui peut dès lors se permettre tous les rebondissements qu’il désire. C’est tout simplement l’un des films japonais les plus intéressants qu’il m’ait été donné de voir ces dernières années. Même si son histoire bancale reste tournée vers un esprit assez ludique (l’action est toujours en mouvement, les rares temps morts sont comblés par des portraits intéressants à analyser), c’est un film sérieux, magnifique dans sa définition de la vengeance (soit jubilatoire pour certaines personnes, soit bien plus froide et atroce (l’assaut final donné par Scorpion)). Un chef d’œuvre du cinéma bis, rien de moins !

5/6

de Shunya Ito
avec Meiko Kaji, Fumio Watanabe

Interdit aux moins de 16 ans (avec avertissements !)

IRREVER… IRRVER… Nan, attends… IVERSS… Rha, mais ça fait mal aux yeux, c’est pas évident un titre pareil ! Déjà que le réalisateur (encore un français qui se la joue arty !) se permet de monter son film à l’envers alors qu’il l’avait tourné dans l’ordre chronologique, c’est juste trop, de rajouter ça aussi dans le titre… Comme si il n’y avait pas assez de métaphysique dans ce film… D’ailleurs, de quoi ça parle ?... Ouh, mais y a Monica Belucci qui joue dedans. Il doit y avoir un peu de sexe alors… Hum… Mouais, je sens venir le petit film à scandale qui n’apporte pas grand-chose au final…

C’est à peu près le discours qu’a tenu mon prof de chimie dans il est tombé sur la jaquette du dvd dans mon cartable, et qu’il a reposé négligemment en annonçant fièrement que de toute façon, il allait regarder Camping le soir même. Si il savait à côté de quoi il est passé…

L’histoire : Une arrestation, un meurtre, une vengeance à satisfaire, de la violence en escalade, un crime impuni, un viol abominable, une soirée qui se termine, un dialogue sur la vie sexuelle, la découverte de la maternité. En ordre décroissant.

 Ce qui frappe avec le film de Gaspar Noé, c’est l’aura de scandale qui l’entoure, alors que nous tomberons tous d’accord pour dire qu’il n’y a que deux scènes qui dérangent dans ce film : la boite homo et son meurtre à l’extincteur (on taxe Gaspar d’homophobe, alors que le film essaye seulement de se donner une ambiance glauque (Gaspar y joue même un caméo). Filmée dans un club échangiste, on l’aurait surement traité d’hétérophobe…) et la scène de viol dont le réalisme plat a libéré quelques sièges lors des projections en salles. Analysons les : la plongée dans la boîte « le Rectum » est dominée par le tangage, le vertige incessant provoqué par les mouvements de caméra indéterminés… On donne clairement dans la frénésie. Un climat malsain et organique (la couleur rouge prédomine et donne clairement le ton de l’ambiance), qui pousse à bout Pierre et Marcus, décuplant leurs instincts meurtriers (le coup classique du sexe lié à la mort, l’assistance se masturbant devant le meurtre final), et éclatant dans un final sanglant et immersif avec ce plan séquence gore qui nous marquera à vie. Un vrai coup dans les valseuses, et ça n’est que le début. Passé les quelques scènes où les barrières de la morales s’effondrent peu à peu chez Marcus (d’abord la barrière de la vengeance, puis celle du racisme, avant de passer à l’agressivité permanente sans autre forme de communication, nous en arrivons à la scène véritablement déchirante où Marcus découvre le corps d’Alex en charpie, nous laissant largement imaginer le pire au vu de ses blessures impressionnantes. Une scène déchirante, qui fait à nouveau grimper la pression pour la scène suivante, qui bat à plate couture toutes les scènes de rape and revenge qu’on a pu voir au cinéma. Tout, dans cette scène, est fait pour mettre le spectateur mal-à-l’aise. Le cadrage en grand angle, caméra verrouillée au sol comme Monica Belucci, qui tend la main vers l’écran (et vers nous) pour nous demander l’aide qu’elle ne recevra jamais (le détail le plus immonde étant ce type qui arrive dans le flou au fond du tunnel, et qui ressort au vu de la situation). Neuf minutes, c’est la durée moyenne d’un viol. Gaspar n’exagère à aucun moment, il se contente de filmer platement, sans émotions ni interruption. Crue, la scène a-t-elle cependant un potentiel suffisant pour déclencher la vague de malaise constatée ? Je pense qu’elle n’est qu’une amorce, car l’ambiance de la première partie du film est lourde, pessimiste, avec de vraies bouffées d’angoisse. C’est un climat global particulièrement violent qui serait à signaler, amplifié par une bande son désaccordée qui donne vraiment le tournis (Merci, Bangalter, c’est du bon boulot). Mais pour ceux qui aiment se prendre des baffes, celle-ci sera de taille. Passé ce choc, le film s’assagit considérablement, et pendant qu’il nous douche de toutes ces ambiances crades, il se lance dans de nouveaux messages, beaucoup plus évolués (on avait la régression à des enjeux très terre à terre, on retrouve ici des personnages réfléchis, attachants). Notamment sur les relations qu’entretient chaque personnage avec le sexe, qui s’inscrit comme le thème prédominant du film. Marcus est un jouisseur, qui ne néglige aucune occasion pour satisfaire un désir qui le tente. Il assimile le sexe comme une drogue, qui consomme selon ses envies. C’est ainsi lorsqu’il est seul. Pierre, comme son nom l’indique, est plus réservé, plus timide. Et comme le dit cette excellente improvisation sur la soi disant vie sexuelle passée de cet ancien couple, il voit le sexe comme un devoir et comme une prestation. C’est là qu’on peut théoriser sur l’importance du sexe en couple. Avec ce film, le sexe est un ciment, la manifestation d’un lien puissant entre les deux blocs incarnés par les individus. Et on retrouve cette vision dans le couple Marcus-Alex. Marcus est ici très loin de ses excès, et se révèle être un amant parfait pour Alex. Il y a vraiment du positif dans ce couple soudé, de la complicité, et beaucoup de plaisir. C’est d’ailleurs là-dessus que le film insiste : sur la positivité de l’acte amoureux, véritablement constructif, et créateur de vie. Cette découverte de la grossesse en fin de film rend à la fois plus dur son propos nihiliste quand l’histoire est prise à l’endroit, mais magnifie cette création amoureuse pure. Cette vie qui naît est bien au centre du film (ce qui explique les nombreux mouvements circulaires de la caméra centré sur l’utérus fécond d’Alex puis une bande d’enfants jouant autour d’un arroseur), et transcende son statut de descente aux enfers pour en faire une montée vertigineuse vers le Paradis. Le film fonctionne merveilleusement, à l’endroit comme à l’envers, nous offrant avec brio deux facettes de l’humanité, antithétiques, et pourtant bien présentes dans les mêmes images.

En ce qui concerne le contenu métaphysique, c’est là que je risque de décevoir mes lecteurs… J’ai du mal à le voir. Je sens bien qu’il est amorcé par cette fin très sensitive, où la caméra finit dans le ciel, où un effet stroboscopique rend le film difficile à voir, et pourtant, on distingue des images d’étoiles. Je pense dès lors que cette ultime expérimentation vise à souligner l’universalité du propos qui nous est donné. Pour le reste, s’il existe d’autres niveaux de lecture, je suis ouvert à toute nouvelle analyse.

Irreversible, c’est l’un des meilleurs films du cinéma français (pour moi). Il répond à tous mes critères de sélections, montre l’Homme sous ses pires et ses meilleurs traits, tape dans le drame, la comédie, le trash et l’expérimental, et surtout, il a l’énorme capacité de diviser le public en principalement deux gros camps : les archi contre qui vomissent sur la crasse nauséeuse de nihilisme (néanmoins parfaitement réaliste) et les archi pour qui tentent encore de percer tous les mystères de ce film. Vraiment, c’est l’une des contributions contemporaines les plus significatives de ces dernières années au septième art. Un Chef-d’œuvre.

6/6

 de Gaspar Noé
avec Monica Bellucci, Vincent Cassel