A ce jour, l'un des auteurs français de philosophie les plus populaires est Bernard Werber, qui nous a gratifié de quelques cycles de romans à cheval sur science fiction et philosophie, relativement plus tournés vers une approche populaire qu'un aboutissement profond sur les thèmes qu'il vise (notamment sur le sujet de la société, qu'il nous a bien traité et retraité dans sa trilogie des fourmis). Votre serviteur étant né le même jour (mais pas la même année) que Bernard, il s'est vu plusieurs fois offrir des tomes dudit auteur. Cependant, quand ce dernier a tenté une bève incursion dans le cinéma, le film est sorti dans l'indifférence totale, et une semaine plus tard il avait été complètement retiré des affiches. Film maudit ? Adaptation au grand écran vaseuse ? Hélas, au vu du résultat, on misera plutôt pour la deuxième observation.
L'histoire : Un homme puis une femme se réveillent sur un terrain plat et noir, délimité par des murs invisibles. On étudie leur comportement pendant quelques jours avant de voir plusieurs individus débarquer, formant un groupe dont on va suivre l'évolution.

En quoi le film de Werber est-il un fiasco ? Et bien déjà parce que ça n'est pas un film ! C'est avant tout une pièce de théâtre, qui fait le pari intéressant de s'essayer au huis clos afin de faire vivre au spectateur une expérience sociologique en plein théâtre. Une excellente idée si la pièce est jouée en face de nous avec d'excellents acteurs. Le problème du film, c'est que formellement, le casting est très loin de convaincre (les profils psychologiques des différents individus sont surjoués, ce qui n'aide pas du tout à nous immerger dans l'histoire), et il a été filmé comme une émission de télé qui filmerait une pièce lambda. C'est plat, sans esthétique, moche et cheap. Il n'y a même pas la surprise d'un film comme Dogville ou Manderlay, où les bâtiments n'avaient aucun mur afin de nous permettre de suivre toutes les actions des individus dans le village. Ici, la mocheté du projet l'emporte d'emblée, et on se fera donc chier à regarder du théâtre là où on attendait du spectacle. Venons en maintenant aux thématiques. On suit d'abord un couple homme-femme, qui finit mathématiquement par s'unir malgré leur vie précédente, avant de les placer au sein d'un groupe d'individus humains. On suit alors la répartition de leurs rôles, tels des cobayes, et nous voyons donc ceux qui endossent le rôle de Dominant dominant, de Dominant dominé et de Dominé dominé, établissant une hiérarchie sociale. Bien, sauf qu'on est pas satisfait. Déjà, comme dit précédemment, le casting inégal a horriblement de mal à instiller de la crédibilité à leur rôle avec leur jeu manichéen manquant de naturel. De plus, on a l'impression ici de voir du recyclage. Werber nous a mainte et mainte fois décrit la même expérience des rats de laboratoires qui établissent les mêmes hiérarchies au sein d'un groupe que nous, et si le message portait ses fruits la première fois, il devient vite saoûlant de le voir se répéter, et de constater que son discours n'a pas évolué, ne s'est même pas développé pendant une dizaine d'années. On se répète, on a aucune surprise, et lorsqu'arrive le premier meurtre, on n'est pas surpris le moins du monde, et on n'éprouve pas le moindre élan de compassion pour la personne disparue. D'ailleurs, où vut en venir le film ? Il effectue le postulat intéressant de prendre des extra terrestres qui jugeraient le monde humain. Intéressant, d'autant plus qu'il a tendance à stigmatiser le mode de vie des sociétés civilisées et certaines de nos coutûmes. Cependant, cette approche tourne rapidement à vide (en dehors de quelques boutades, elle ne fait que rabâcher des problèmes dont nous avons tous connaissance), quand elle ne tourne pas carrément à l'hypocrisie (Oh, les extra terrestres recyclent TOUS leurs déchets ? Ils respectent leur monde depuis l'apparition de leur race ? C'est-y pas beau !). En bref, le film de Werber ne relève en rien du spectacle qu'il nous donnait d'habitude à lire avec ses livres (qui sont tout de même plutôt sympathiques dans l'ensemble), et ennuie clairement pour la répétition de son propos et son absence de conclusion (ce qu'il y a de beau dans l'humanité ? L'amour et l'art... Attendez, je verse une larme). Si le film avait été fait il y a trente ans, je ne dis pas. Pas de nos jours, il suffit d'avoir lu l'encyclopédie du savoir relatif et absolu pour avoir assimilé une bonne partie des idées de Werber. Qui plus est sans s'emmerder pendant une heure et demie. Dommage Bernard, mais si tu arrives à booster des producteurs pour adapter tes Fourmis, on sera au rendez-vous.

2/6

de Bernard Werber
avec Pierre Arditi, Audrey Dana

Interdit aux moins de 16 ans (pour une violence dérangeante car hautement symbolique)

Comme on s’est attaqué au cas du génie qu’est Lars Von Trier, abordons sans plus tarder son film le plus contrasté, le plus débattu et le plus vilipendé de sa filmographie : Antichrist, qui n’entretient aucun rapport ou presque avec la religion. Et autant signaler tout de suite que son propos est incendiaire : l’anti christ, c’est la femme (en entendant plus par là que le Christ… est un homme).

L’histoire : après la mort accidentelle de leur enfant, un couple (dont le mari est thérapeute) commence son deuil. Mais l’état de sa femme empirant, ce dernier décide de l’emmener passer un peu de temps dans un chalet où ils avaient l’habitude d’aller pour leurs vacances.

Lars Von Trier est un provocateur. Et en tout bon provocateur, il cherche toujours des outils appropriés pour servir au mieux son récit. Devant la virulence des critiques lancées contre son œuvre, il a joué aussi au petit malin en évitant de nous donner le fond de sa pensée, avide de voir jusqu’où nous pourrions aller dans l’analyse de son œuvre. Il nous étudie un peu aussi, avec ses films, en nous confrontant à de vrais chocs pour voir comment nous allons réagir. On décide ou pas d’entrer dans son jeu, et quand on a fait son choix, on s’embarque dans une aventure inattendue dont l’issue demeure toujours incertaine. Ici, l’image est merveilleuse, c’est clairement le film le plus soigné de sa filmographie (mais attendons le prochain Melancholia avant de figer ce constat), et cette qualité plastique formelle (dont on a reproché un style publicitaire, ce qu’il ne faut pas entendre comme conneries…) lui permet de créer de purs moments d’onirisme. C’est bien simple : le mouvement est tellement figé que l’eau acquière une viscosité qu’on ne lui connaissait pas, et que l’air devient une sorte de boue invisible qui ralenti considérablement les avancées de nos protagonistes. Par ces anti-bullet times, Lars nous propulse directement sur un plan réflexif (sur le même ton que la thérapie) et nous invite à explorer les tréfonds de la nature féminine. Car c’est bien le personnage de Charlotte Gainsbourg qui est au cœur de l’histoire. Willem Dafoe est parfaitement compréhensible, il a une attitude logique au cours du film, et si il a de prime abord une logique psychologique, il va peu à peu régresser à un stade bestial (y contribuera le fait que la seule manière de calmer sa femelle pendant ses crises sont des séances de sexe torrides), qui l’amènera à commettre un acte que le film décrit comme viscéral et pratiqué depuis la nuit des temps. Quand à Charlotte Gainsbourg, elle est incroyablement convaincante en émissaire du Mal, accomplissant ses petits caprices sadiques à dessein. Car c’est bien là que réside le contenu explosif du film. Il s’attèle à nous prouver que dans cette histoire, si l’homme peut régresser facilement au rang de la bête, la femme n’en est jamais très loin. La révélation est d’autant plus choquante que pour se faire, Lars utilise des approches très similaires à celles employées dans Manderlay ou Dogville : c’est la Femme elle-même qui revendique sa nature maligne, et nous aurons plusieurs portraits sordides détruisant l’image rassurante de la bienveillance maternelle habituellement véhiculée (les chaussures inversées, la biche avec un faon mort-né coincé dans son utérus, le fameux renard qui parle devant sa progéniture s’auto éventrant…). Le meilleur exemple en est bien sûr la scène d’ouverture, complétée par un détail capital dans le dernier chapitre, suivi par la fameuse séquence du clito amputé aux ciseaux. Après des problèmes comme le racisme et l’accueil de son prochain, c’est ici la relation Homme-Femme qui est abordée, et elle ne l’est pas dans la demi-mesure. La femme, loin d’être la proie de l’homme, peut se révéler comme une vraie furie, et à l’image de la nature se pervertissant peu à peu pour devenir carrément hostile (Sam Raimi devrait prendre son pied dans cette version torturée de la forêt noire), elle révèle peu à peu la Nature profonde de ce qu’est la Femme. Soit des sentiments difficilement accessibles à la compréhension masculine, qui aurait tendance à les voir alors comme des pulsions. On peut voir beaucoup de choses dans Anti Christ (une étude plus détaillée de la sexualité qui y est dépeinte ne serait pas de trop, notamment sur le plan des frustrations de l’homme et de la femme, qui sont très différentes ici (trouvant l’orgasme dans un moment réellement dramatique dont la durée est prolongée à l’extrême)), mais c’est indubitablement ce discours qui prédomine. Pourtant, faut-il taxer ce film de misogyne comme beaucoup se sont amusés à le faire (s’ils n’étaient pas occupés à ironiser sur une violence dépassant leur seul de tolérance Tout public) ? Pas vraiment, Lars renvoyant aussi l’homme à ses responsabilités (et donc à ses fautes). Le mari est loin de sortir intact de cette aventure. Si le final a des airs de calme revenu sur la forêt, il n’en est pas moins seul, blessé, et incapable de perpétuer l’espèce. En bref, il faut Trier (ha ha !) un max pour tentr d'y voir clair, mais Lars nous offre un putain de trip (parfois incompréhensible) doublé d’une machine réflexive forte (rien de tel qu’un film ambigu pour cerner la pensée du spectateur quand celui-ci s’exprime, c’est ce qui m’a donné l’idée des DVI), esthétiquement chiadé et porteur d’un message pour le moins sulfureux (à soumettre à la volonté de chacun). Une œuvre qui restera toujours un peu une énigme, mais qui comblera l’amateur de mauvais goût qu’on peut être par moments.

5/6

de Lars von Trier
avec Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg

A cette heure, le cinéma est régulièrement envahi par des petits malins qui utilisent le style de la caméra vérité pour redonner du punch à des histoires déjà vues et un petit côté documenteur amusant. Si certains se révèlent être de relatives surprises (Rec 1&2, Cloverfield), d’autres sont nettement plus bancals (Troll Hunter, Le dernier exorcisme), pour ne pas dire carrément gênants (la saga des fantômes qui font grincer les portes). Toutefois, un nouvel effort claustro va bientôt débarquer, non pas dans nos cinémas, mais sur internet (pour une fois qu'on peut utiliser Bitorrent sans risques !), en prenant pour théâtre le métro de Sydney. Tient-on là la révolution du genre ? Non, mais on n’y croyait pas avant, alors on n’est pas surpris.

L’histoire : une équipe de journaliste décide au lieu de disserter sur les chats écrasés d’aller faire un reportage dans les anciens sous sols de la ville de Sydney. Mais ils se rendent vite compte qu’ils sont perdus, et il commence à se passer des trucs chelou…

"Enregistre ! Enregistre ! Appuie sur Rec !"

Amateurs de frissons, vous allez être servis ! Pas parce que vous allez frissonner, mais parce que la caméra frissonne pour vous ! En effet, dans un style caméra à l’épaule qui fait on ne peut plus vrais (et on ne peut plus cheap), le caméraman cherche véritablement à effectuer les mouvements de caméra les plus dynamique possible, et cela dans des décors éclairés à la lampe torche. Autant vous dire que ça tremble comme un drogué du tabasco au dernier degré, la caméra se révélant presque incapable de faire un plan stable, sauf quand elle tombe par terre (on ne saura jamais si c’est volontaire ou si c’est l’équipe qui ne prend pas soin de son matos). Reprenant les grandes lignes du Projet Blair Witch avec des couloirs à la place de la forêt, nos amis journalistes arrivent à se perdre une demi-heure après le début de leur périple, en nous ayant copieusement rebattu les oreilles avec de mystérieuses disparitions dans ces conduits. Et patatrac ! Devinez quoi : ils découvrent bien malgré eux la cause de ces disparitions. Enfin, « découvrent » est un bien grand mot. Moi-même, j’ai du mal à définir la nature du monstre, qui ne ressemble absolument à rien, ses mouvements étant trop rapide pour permettre une identification (et ce putain de cadreur incapable de filmer correctement sa scène). En tentant un arrêt sur image (il m’a fallu 5 minutes pour décortiquer l’unique séquence du film où on voit presque un bout de la gueule du bestiau), on aura peut être une chance d’identifier la menace, sinon ce sont des gens qui font des vols planés et se font traîner sur 100 mètres, comme si ils étaient attachés à un câble qui aurait été effacé numériquement en post-prod. On pense donc à un esprit vénère qui bouffe ses victime (on verra une pièce assez gratinée niveau maquillages), mais on ne le saura jamais. Bref, le film échoue totalement à recréer ne serait-ce qu’un dixième de l’ambiance de Creep ou de The Descent, et ne pourra nous arracher qu’un bref sursaut à grand renfort de bruitages poussés à fond et de mouvements brusques, soit le B A BA du film d’horreur. Un conseil : on tient là le nouveau Paranormal Activity, alors fuyez le ! Pour info, la promo de Paranormal Activity ressemble fort étrangement à celle de Rec…

0/6

de Enzo Tedeschi, Julian Harvey

Profitez en, c'est la meilleure image qu'on a du monstre...

Soderbergh a toujours été un réalisateur perfectionniste, qui aime bien lécher ses films afin de ne laisser aucune aspérité gâcher ses confections. Si ça fonctionnait parfaitement avec l’excellent Kafka (un film certes auteurisant, mais magnifiquement réussi car reproduisant fidèlement les messages et les ambiances de l’auteur), qu’en est il de ses films qui sont prévu pour un plus grand public ? J’en par là bien sûr la saga des Ocean’s, qu’on m’a toujours présenté comme un must de la série des films de gangsters. Après vérification, on peut dire… que non.

Ocean’s Eleven : Intéressant de commencer sur de bonnes bases. Le film se présente en effet comme une honnête entreprise au départ, en présentant George Clonney comme un braqueur né, embobineur à souhait, qui dès sa sortie de prison recommence à magouiller pour retrouver son ancienne vie de luxe. A ce propos, on remarquera combien les enjeux moraux sont vite évincés de la course, car il risquerait de ternir l’image de nos héros (si c’est pas dommage, ça !). Bref, passons sur l’amoralité et concentrons nous sur le casting. C’est carrément du pur premium, affichant des glorieux noms comme Pitt, Damon et Clonney ! Là, Soderbergh ne fait pas les choses à moitié et montre de bonnes ambitions pour nous offrir un spectacle à la hauteur. Mais voilà : le spectacle, on l’attend un peu quand même. On assiste à la planification d’un gros coup. Il faut donc récolter un maximum d’informations, et ça prend du temps. Pendant ce temps, Pitt et Clonney se constituent leur équipe comme dans les missions impossibles, Cruise en moins. Une fois le braquage engagé, ça devient intéressant, une sorte de petit suspense commençant vraiment à prendre. Moi, je me foutais un peu des braqueurs (ce que Soderbergh ne voulait absolument pas, tant il prend de temps et de peine à les caractériser) et de leurs dialogues sympathiques, je voulais du suspense en plus d’un petit goût pour l’aventure. Ca arrive enfin lors de la deuxième moitié, avec quelques séquences de suspense amusantes et un twist attendu mais efficace. Alors oui, les personnages ont la classe. Ils en mettent d’ailleurs pleins la vue, ayant rarement l’occasion d’interpréter des personnages aussi cools. La mise en scène efficace, la photographie de qualité sont autant d’arguments techniques convaincants pour la défense du film. Mais quand même, y avait-il besoin de faire un tel ramdam autour de ce projet ? C’est bêtement un film de braquage, pas plus intelligent, plus soigné ou plus jouissif que les autres ! C’est un travail honnête avec un casting compétent, mais ça ne va pas vraiment plus loin. Pour ma part, je trouve le film moyen, bien qu’il reste de loin le plus sobre de la saga.

3.5/6

de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Brad Pitt

Ocean’s twelve : Alors toi, je ne vais pas te rater. Incontestablement, on tient ici le pire film de la saga, pour ne pas dire de la filmo de Soderbergh (avec le chiantissime Girlfriend experience). Il reprend les ingrédients du premier épisode, mais il en multiplie certains aspects à puissance 1000, ce qui crée des scènes monstrueuses, tant en bien qu’en mal. De mon point de vue, c’est plutôt en mal. Reprenons le casting. Déjà, on retrouve notre oiseau plumé du premier film, qui compte bien ici récupérer son pognon à tout prix. Mais si ce point de départ pouvait se révéler amusant, il sera bien vite esquivé pour préférer une nouvelle direction infiniment plus prétentieuse que le premier volet : le vol et le trafic d’art. Et qui voit-on arriver sur son beau bateau les cheveux flottant au vent ? Cassel en personne, un braqueur français qu’on va se faire un plaisir de ridiculiser, car les meilleurs braqueurs sont les américains. Dès son apparition (où il cabotine comme un forcené), on sent que le film va partir en cacahouète dans une surenchère stupide de braquage. C’est peu de l’écrire, les enjeux se révélant d’une bêtise inversement proportionnelle au degré de sophistication abrutissant des astuces déployées pour assurer le spectacle. Hologrammes improbables, copies, coffres forts hyper sophistiqués, tout y passe, sans que l’immense surenchère parvienne à impressionner votre critique décrivant fébrilement son ressenti. A vrais dire, le comble, c’est quand Cassel fait son braquage en dansant du hip-hop en rythme au milieu des lasers de la pièce, inscrutés dans pas mal d’objets d’arts du musée. La scène, d’un ridicule égalant la prétention, achève définitivement le peu de sérieux qu’on pouvait prêter au film, en en faisant définitivement u n block buster de casting purement ludique où le mieux payé sera celui qui cabotinera le plus. Comme on l’attendait, le français se fait avoir comme une merde (on sentait venir le coup trente minutes à l’avance) et nos héros gagnent encore une somme mirobolante en prime, vu qu’ils ont fait ça surtout pour prouver on ne sait quoi aux français. Bref, ce film, il faut le regarder comme un divertissement régressif injustement complexifié, avec des gags cools rapidement insupportables et des stars qui n’en font qu’à leur tête. Soderbergh, tu as gâché ta saga en beauté.

1/6

de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Brad Pitt

Ocean’s Thirteen : Lors de l’opus précédent, je m’étais farouchement opposé au cabotinage omniprésent des acteurs. J’aurais dû préciser : « cabotinage omniprésents des acteurs qui ne sont pas intéressants en l’état ». En effet, ce nouvel opus, encore moins sobre que son précédent, est parvenu à remporter mon adhésion à l’aide d’un seul acteur : Al Pacino. Ce dernier se livre à un vrai numéro de cabotinage en magnat de l’immobilier de luxe et directeur de casino obnubilé par le détail, et dont on aura droit à toutes les frasques pendant une bonne demi-heure sur les deux longues heures du film. Son charisme fait feu de tout bois et il déchaîne vraiment notre hilarité avec ses perpétuelles frasques sur le monde du luxe (le portable en or  est une idée assez intéressante, certains modèles de portables atteignant eux aussi des coûts aussi scandaleux). Au niveau du casting, on se lâche à fond, en reprenant bien sûr nos précédents héros et leur refilant une nouvelle équipe de cabotins sur les bras. Heureusement qu’Al Pacino les éclipse un peu parce que sinon, c’est vraiment pas la joie. Particulièrement pour Don Cheadle, qui ne peut pas s’empêcher de faire son mariole de service en face d’un Pacino bien plus crédible que lui. On ne parlera même pas du plan, totalement foireux et tournant totalement au ridicule (maintenant, on utilise une foreuse d’une centaine de tonnes pour déclencher les alarmes du building… Sans commentaires). Y a pas à dire, le projet se vautre complètement dans le portnawak en essayant de se rendre sympathique auprès des joueurs, enchaînant les dialogues humoristiques faisant interagir les stars avec des saynettes de gentil banditisme sensées préparer le plan final. L’apparition guest star de Cassel ne dépareille pas avec l’ensemble du film. Il passe simplement pour avoir à nouveau l’air con, en se faisant entuber de la même manière que le film précédent. Nos héros s’assoient d’ailleurs à nouveau sur la moralité en s’engageant auprès de leur ancienne victime, et en ruinant totalement un magnat du grand luxe… en se remplissant les poches pour à nouveau mener une vie luxueuse. Qu’il est plaisant d’avoir des fins de la sorte. Au bord de la contradiction, j’aime décidément ce film qui contient dès lors tous les excès et les dérives qu’un tel projet pouvait susciter. Les designs luxueux de l’hôtel sont d’ailleurs assez appréciables, les décors étant alors d’un raffinement enfin digne de la direction de Soderbergh. En résumé, c’est le plus outrancier des films de la saga, mais aussi un des plus attachants. En faisant la somme, on tombe pile sur la moyenne !

3/6

de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Brad Pitt

"Me boss, you not !"

Avec Re-animator, Stuart Gordon frappe un bon coup dans l’univers de la bisserie cinématographique, son film recélant nombre d’ingrédients chers à nos petits cerveaux malades (savant jouant à l’apprenti sorcier, fluide révolutionnaire fluo réanimant les cadavres…). Adapté des écrits de Lovecraft, l’œuvre peut se vanter d’être une belle partie de plaisir, et permet de contenter le réalisateur ainsi que son producteur Stuart Gordon. Après un deuxième opus un peu difficile à trouver, Stuart remet le couvert avec Beyond Re-animator, une suite pas vraiment directe du premier, mais qui a la particularité de placer son héros dans le milieu carcéral. Un projet assez bancal qui ne fonctionne au final pas si mal, car il traite ses héros de façon intéressante en ajoutant un peu à son code du zombie.

Re-Animator : Histoire assez jouissive que ce Re-animator, qui propose pourtant de gentils clichés du genre (jusqu’au fluide jaune fluo sensé réanimer les corps). Mais ce qui rend le film sympathique, c’est assurément son ambiance détendue et sa volonté de nous en mettre plein la vue avec peu de moyens. L’humour ravageur est au rendez-vous (le combat contre le chat ressuscité) et emporte largement le morceau, le film ne se prenant au final pas trop au sérieux. On appréciera d’ailleurs les maquillages plutôt bien réussis et assez inventifs (le corps du méchant isolé de sa tête mais continuant à recevoir ses ordres). Pour ce qui est des histoires sociales de nos protagonistes, ils ne sont guère intéressants, car assez clichés dans leur traitement (savant fou, jeune couple heureux…). Tout au plus, la fin peut avoir une réelle portée sentimentale doublée d’une certaine cruauté (on sait que ça va dégénérer à l’avenir), mais c’est bien le seul moment qui peut se vanter d’être sérieux dans ce film. Parlons maintenant des acteurs. La tendance est bien entendue au surjeu, habituellement présent dans ce type de production, et s’inscrivant ici parfaitement dans l’ambiance générale du film. Jeffrey Combs, chouchou de Stuart Gordon, en fait des tonnes avec ses lunettes et on ne l’apprécie que d’autant plus, car il est le personnage central de l’histoire et par là même le plus intéressant (bien que son rôle soit exposé avec peu de finesse). Au final, à retenir de Re animator, il y a une ambiance de série B vraiment sympathique, des maquillages réussis et du cabotinage sympathique pendant une heure et demie. Petite déception cependant : le thème musical, qui louche vraiment trop du côté de Psychose. Loin d’être le film d’horreur du siècle, mais comme il ne se prend pas au sérieux, le manque de prétentions de la production ne manquera pas d’attirer notre sympathie. Stuart Gordon aura toujours la mienne en tout cas.

5/6

de Stuart Gordon
avec Jeffrey Combs, Bruce Abbott

Beyond Re-animator : après Stuart Gordon , c’est au dévoué Brian Yuzna de reprendre les rennes de la saga Re-animator. Une prise de risque assez inquiétante, le personnage étant capable du meilleur (Society, The dentist) comme du pire (Le retour des morts vivants 3, Aracnid). Mais derrière cette inconstance se cache un amoureux du bis, qui arrive parfois à divertir plaisamment son public. Coup de bol, si Beyond Re-animator est loin d’être un chef d’œuvre, c’est un cru sympathique de notre ami, qui donne dans la générosité comme il a l’habitude de le faire. Avec une introduction en demi teinte (le trauma adolescent gros comme une maison, un mort vivant attiré par du lait ??), Brian arrive pourtant à bien réintroduire le personnage du docteur West, en un seul plan qui plus est. S’ensuit un générique qui marche dans les pas du premier, avec un thème musical bien plus travaillé que son prédécesseur et s’éloignant enfin du travail de Hermann. On a donc notre professeur West balancé dans le milieu carcéral, qui en profite pour continuer ses expériences sur les cobayes des environs. Il est assez amusant de voir qu’il est plutôt un dominant malgré la carrure physique plutôt frêle de son interprète Jeffrey Combs. Ce dernier cabotine encore moins finement que dans ses précédents films (là maintenant, il sait qu’il est dans une trilogie, alors il la joue à fond), et curieusement, ça sied plutôt bien à l’ensemble, le savant pouvant reprendre du service avec l’aide d’un assistant inespéré (l’ado du départ !). On en profite du même coup pour taper gentiment sur le système carcéral, avec un gardien manipulateur et un véritable enragé comme directeur, fasciné par la pièce de la chaise électrique et battant de sa canne les détenus. Dans la démesure la plus complète, Beyond Re-animator fait l’intéressant paris de jouer avec son sujet, en innovant avec ses zombies avec des captations d’âmes sous forme de signaux électriques, sensé diriger le corps après la mort. Intéressant paris qui nous amène à tester les idées les plus folles, le directeur voyant bientôt son âme remplacée par celle d’un rat précédemment utilisé et une invasion progressive de zombies dans la prison. On répond aussi à des questions bêtes, du genre « que se passe t il si on s’injecte le sérum alors qu’on est encore en vie ? ». Bref, la dernière demi-heure est un vrai déluge de bis, nous gratifiant au passage d’une fellation castratrice et d’un mort vivant coupé en deux assez récurant. Tout un programme. Beyond Re-animator n’a pas la fin ambitieuse du premier du nom. A vrai dire, il n’y a rien de sérieux dans ce petit film. C’est une distraction bisseuse faite à seule fin de divertir un peu, avec ce qu’il faut de gore et de générosité. Ca tombe bien, on ne lui en demandait pas plus. En prime, on a droit à l’un des génériques les plus nawak de l’histoire du cinéma, avec un combat Rat ressuscité VS Bite zombie. Un truc ultra bancal, mais aimablement amusant.

4/6

de Brian Yuzna
avec Jeffrey Combs, Bruce Abbott