American McGee Alice reste un très agréable souvenir pour les gamers amateurs de jeux en marge. Pour rappel, ce jeu de plate forme parvenait à tirer son épingle du jeu en offrant une relecture psychotique (et minimaliste) d’Alice au pays des merveilles, mais avec une Alice souffrant de troubles psychologiques. Les voyages oniriques peuplés de monstres trouvaient parfois un second niveau de lecture, et le postulat permettait tout simplement aux créateurs de se permettre absolument tout ce dont ils avaient envie (seuls les personnages ont été repris pour animer le voyage). Des années après ce premier essai fructueux, une suite voit le jour, bénéficiant de graphismes léchés. Le retour au pays de la folie tient-il ses promesses ?

L’histoire : Après l’incendie de la demeure familiale et sa sortie de l’asile psychiatrique, Alice Liddle est placée dans un orphelinat, sous la direction d’un psychiatre insistant pour qu’Alice oublie les souvenirs de l’accident. Alors qu’elle déambule en ville, elle est sujette à des évanouissements qui la ramènent au pays des merveilles.

Home Sweet Home, comme dirait Michael Meyers. On se sent immédiatement de retour chez soi dès le début du jeu, qui démarre très vite en mettant en scène des visions très torturées illustrant le traumatisme de notre héroïne. Il est intéressant de noter que si l’ambiance du premier jeu tirait parfois sur le glauque, il restait relativement innocent (gothique burtonnien surtout), alors qu’ici, le jeu utilise clairement des procédés horrifiques assez déstabilisants (l’apparition des hommes criquets terrifiante, la transformation de certains personnages en monstres) qui provoquent l’inquiétude. En fait, nous ne sommes pas à l’abri d’un sale truc pendant les cinématiques, surtout qu’à son intrigue, des allusions sexuelles se mêlent au récit, et que le portrait de la vie réelle dans laquelle évolue Alice (de très courts niveaux faisant transition entre les chapitres) est tout simplement étouffant. Avec un sommet de glauque pendant le séjour à l’asile, où les méthodes de cures se transforment en hallucinations gorrissimes très agressives. Une densité très sombre inattendue, mais qui contribue grandement à l’ambiance de l’ensemble. D’ailleurs, comme pour son prédécesseur, l’ambiance est véritablement le ciment du jeu. Si le premier conservait une certaine cohérence (limitée, certes), celui-ci régresse au stade de la schizophrénie scénaristique. L’histoire est en lambeaux, la cohérence n’est que ponctuelle, même les dialogues, incompréhensibles, dissuadent rapidement le joueur d’y trouver une quelconque signification. Si le contenu psychologique est bel et bien présent, il ne passe que par des symboles gros, évidents ou facilement notables. Mais heureusement, question cohérence, les ambiances de chaque chapitre (à l’exception des deux derniers) sont incroyables. La forêt enchantée, l’usine du chapelier, les fonds marins, les montagnes japonaises… Chaque nouveau chapitre est une féérie, qui laisse apparaître un nouveau bestiaire, de nouvelles ambiances et quelques surprises (les niveaux bonus, les énigmes…). L’incohérence de la narration est largement rattrapée par le foisonnement d’idées visuelles qui jalonnent le parcours de notre héroïne, aussi, il est conseillé de prendre son temps pour admirer tout simplement la beauté des décors. Il n’y a pas d’autres points positifs à chercher, c’est tout simplement une œuvre d’ambiance.

En guise de petits bonus, l’arsenal bénéficie de quelques innovations jubilatoires (le moulin à poivre est la meilleure), qui compense le nombre par la possibilité de faire évoluer les outils à disposition. Malheureusement, le dénouement d’Alice Madness returns déçoit, la faute aux deux derniers niveaux (la maison des poupées se révèle d’une pauvreté visuelle incompréhensible (malgré l’idée amusante d’un flipper en niveau bonus), et le train infernal, annoncé depuis le niveau 2 comme une conclusion badass, est bouclé en… 20 minutes. Dont 10 occupées par les cinématiques. L’ambiance n’est pas exploitée, le boss final rapidement expédié, c’est à croire que les développeurs ont manqué de temps pour rajouter des wagons et quelques défis. Une note finale amère, vraiment agaçante au vu des excellentes qualités affichées sur 75 % du jeu. Avec un gameplay agréable au cours des combats et de très belles idées pour les plates formes explorées (allant du gothique light au gore organique en passant par le steam punk) et pour le scénario (l’identité de la reine rouge, le visage du Mal…), Alice dépose le bilan en s’affirmant comme un bon jeu à prendre pour ce qu’il est, sans chercher la subtilité (malgré le raffinement), hélas gâté sur la fin.

4,5/6

2012

de American McGee & Spicy Horse

Bon, il y a un petit film avec un pigmée et quelques nains qui arrive sans crier gare en fin de cette année 2013, espérant sans doute rafler à la dernière minute la place du meilleur film de l’année (en faisant un gros pied de nez à ces boursouflures Gravity et Elysium). Manque de pot pour lui, il est tombé sur un chroniqueur à la dent dure (certes cariée), qui avait trouvé l’introduction assez piteuse. Et petit miracle, comme pour Thor 2, cette suite se révèle meilleure que son prédécesseur, en nous prenant un peu moins pour des gamins régressifs. Est-ce pour autant qu’il ne commet pas quelques bourdes ?

L’histoire : une montagne, un royaume, un trésor, un dragon, des nains, des elfes, des magiciens…

Le film s’ouvre sur un travelling assez ambitieux dans le village de Bree. Et alors que la caméra s’abaisse au niveau de la grand rue, un type barbu grincheux passe devant la caméra en mangeant une carotte. Murmure et rires dans la salle. Ayant conscience d’être très intelligent, je m’écrie « Hey, mais c’est Peter Jackson ! ». « Ta gueule ! » me réplique le pote venu profiter de mon abonnement Gaumont Pathé, approuvé par tous les spectateurs alentours. Qu’on se le dise, ce Hobbit 2 commence très bien. Je trouverai toujours abominablement rasoir la piteuse initiation de la trilogie, mais sur cette suite, Peter insiste moins sur l’humour et se la joue nettement plus sérieux. Si Radagast est obligé de revenir polluer l’intrigue, il ferme désormais sa gueule et oublie de passer pour un revival de Narnia, ce qui fait carrément plaisir. D’ailleurs, ce Hobbit assume davantage sa carrure de divertissement familial en évitant de prendre son public par le bas. A l’exception d’un point noir sentimental que j’aborderai plus loin, les sentiments ne sont pas exagérés, et les morceaux de bravoure s’enchaînent en oubliant les Deus ex Machina du premier (exit Gandalf et ses multiples sorts trop cheatés). Même les scènes cultes évitent de s’alourdir (je pense notamment à celle des Trolls dans le prédécesseur, abominable de lourdeur). Le baptême de Dard, la fuite dans les tonneaux, le face à face avec Smaug (un peu longuet, mais pas ridicule), les forges des nains… Tous ces gros arguments sont traités sobrement, et quand l’excès arrive, c’est avec un ton bon enfant complètement réjouissant qui va de pair avec l’étoffe de cette nouvelle saga d’aventure (les ravages d’un nain dans un tonneau, Legolas qui virevolte en défiant les lois de la vraisemblance…). Questions paysages, on en a à nouveau pour notre argent, et malgré le recyclage de quelques lieux de tournages, le résultat a quand même une sacré gueule. Question musique, le compositeur semble enfin s’être réveillé, en composant davantage de nouveaux morceaux. Hélas, aucun n’a la trempe de l’hymne de son prédécesseur, que ce soit pour le chant des nains ou le thème principal. Enfin, concernant le dragon Smaug… On se contentera de dire qu’ils ne l’ont pas foiré, c’est d’ailleurs un des plus beaux dragons de l’histoire du cinéma. Trop bavard, sans doute, mais efficace. Et, une fois que vous l’aurez vu, vous pourrez enfin oser la comparaison avec Alien 3, que je n’ose développer. On en vient maintenant aux points négatifs.

Déjà, question sentiments, cette suite s’encombre d’une pseudo-amourette entre un nain et une elfe (taurielle). Depuis Blanche Fesse et les sept mains, j’ai tendance à approuver l’idée que c’est pas la taille qui compte, mais quand même, faudrait pas non plus abuser sous prétexte de donner un message d’intégration des minorités. Oui, c’est mignon, mais lourd, inutile, et surtout, l’espèce de trio amoureux avec Legolas, c’est digne d’un Harry Potter 7 ! L’apothéose du ridicule sera atteinte sur la fin, au cours d’une séquence en surbrillance très gênante qui semble tout droit sortir d’un Amour Gloire & Beauté, le passage où Brett voit Jenny pour la première fois… Avec les anachronismes, on poursuit avec l’épouvantable scène de combat entre Gandalf et le Necromancien. Je n’en dévoilerai pas l’issue, mais le déroulement de ce combat est… terriblement répétitif. Et sa conclusion fait exploser de rire. Le monteur, pris d’une frénésie et sous l’influence de psychotropes, a trouvé un concept sympa pour enfin montrer l’identité véritable du Nécromancien. Mais il la fait évoluer en une sorte de vision psychédélique pas très éloignée du trip sensitif de 2001 L’ODYSSEE DE L’ESPACE ! Allo, quoi ! Un suicide artistique intégral. D’ailleurs, cet épisode est complètement laissé en suspens, signe des problèmes évidents de gestion scénaristique de ce film. On passe maintenant aux défauts techniques. La séquence avec les tonneaux, elle est très bien. Y a de l’action, du mouvement, de l’aventure, quoi ! Et des plans en GO-PRO. Oui, vraiment ! Des plans GO-PRO en HD, rajouté comme ça, l’air de rien, au milieu de l’action… Mais c’est quoi cette idée de chiotte ? C’est suicidaire, artistiquement parlant, d’utiliser une GO PRO de façon si voyante, à moins que ça soit une pub déguisée. Comme pour le coup du Cognac ! Enfin, question photographie, le film est beaucoup trop sombre. Certes, dans les mines, il fait rarement clair, mais il est bon de voir quelque chose parfois. Au moins pour le plaisir des yeux. Une petite imperfection technique qui se ressent surtout dans les passages sombres du film, ou le gris s’impose comme la couleur dominante. Enfin, le dénouement. Moins 2 points d’office ! Je n’ai pas entendu une seule personne ne pas insulter Peter Jackson dans la salle devant la façon dont il conclut son film. Peter Jackson, sale enfoiré ! On le savait que tu voulais du fric, mais là, si je te croise dans la rue, tu te prends une baffe ! On ne la fait pas comme ça à son public… C’est… C’est encore pire que Prometheus ! Moins 2, d’office ! Et vu que tu te retrouves obligé de commencer la suite par un flash back (obligé, à moins de faire le pari suicidaire de faire commencer immédiatement l’action), moins 1 déjà pour Le Hobbit 3 ! Bravo Peter, on récolte ce que l’on sème ! Fumier !

Sinon, The Hobbit, la désolation de Smaug est sympa, on s’y amuse davantage qu’avant, l’humour est moins envahissant, et malgré un rythme globalement poussif (pas grand-chose entre les scènes d’action), il passe davantage, à l’image d’un Thor 2. Allez, la saga n’est peut être pas encore foutue…

4/6

2013
de Peter Jackson
avec Benedict Cumberbatch, Martin Freeman

Photo obsession est un thriller relativement peu marquant du début des années 2000, dont la principale particularité est de mettre Robin Williams dans un rôle un peu désaxé qui contraste avec l’essentiel de sa filmographie, qui l’érige en optimiste infatigable et en motivateur de premier plan parfois rattrapé par la réalité. Avec Photo Obsession, il se lance dans le thriller psychologique, qui recycle intelligemment sa gentillesse naturelle en la prêtant à un personnage ambigu, qui hélas trébuche peu à peu sur son parcours…

L’histoire : Sy Parish est un développeur de photos sans histoire et sans vie affective. Dans l’ombre de sa chambre noire, il collectionne les photos d’une famille en particulier, pour laquelle il voue un véritable culte. Jusqu’à ce qu’il découvre que l’aventure qu’entretient le mari avec une femme des environs…

Les bases du film sont tout simplement excellentes. A l’époque de la pellicule, quoi de plus commun que les officines proposant de développer les photos pour confectionner les fameux albums souvenirs. Pratique sur le déclin avec l’avènement du numérique, mais qui se révèle encore pleinement d’actualité pour les aficionados de la pellicule. En l’état, Photo Obsession est un film qui feint la psychopathie, cette dernière étant tout sauf spontanée. C’est même son problème d’ailleurs, car elle instaure une distance entre nous et le personnage principal, pourtant au cœur de l’intrigue, et dont les sentiments nous touchent. Mais difficile de dire pourquoi, le réalisateur voulait donner un penchant méchant à l’histoire, quitte à sauter beaucoup d’échelons dans la gradation de la violence, pour culminer face à un Robin Williams armé d’un couteau de chasse qui détruit finalement tout ce en quoi il croyait, dans une folie certes bien jouée (la performance de Williams est impeccable), mais clairement disproportionnée vue la carrure du personnage (déjà, vu son absence totale de recours à la violence, le couteau est une erreur impardonnable). Photo obsession, c’est donc une fin ratée, et quelques fautes de goûts formelles (nombreux décadrages, filtres de couleur pas très appropriés). Mais le contexte psychologique est finalement à l’égal d’un Willard, ou d’un Voyeur de Michael Powell. Beaucoup pourraient citer Hitchcock dans cette approche très psychologique du quotidien, et l’approche très tranche de vie du métier de développeur photo. Les profils des différents clients (dont les pornographes amateurs, traités avec la même bienveillance et soucis de qualité que les jeunes mariés et leurs photos de bébés braillards), la technique de développement, le souci de qualité… Sy Parish nous fait l’éloge de son travail, pour ainsi dire sa raison de vivre. Car la vie de Sy est bien vide en dehors du boulot. Employé dans un supermarché où le chiffre passe avant le soin, résident d’un appartement vide où la télé diffuse les Simpsons (connotés ici comme une parodie de la dégradation des liens familiaux), Sy n’a aucune récréation. Et comme support affectif, il a placé tous ses espoirs dans une famille banale, dont chaque rouleau de pellicule lui apporte une joie quotidienne. Les détails des fêtes d’anniversaire, les joies des voyages familiaux, le bonheur animant la maison… Chaque tirage illumine ses journées, et faisant régulièrement des copies, il collectionne dans son appartement les photos de cette famille modèle, qu’il n’a jamais pu avoir dans la vraie vie. Photo Obsession, c’est un film sur l’attachement naturel d’une personne seule à l’idéal qu’il n’aura jamais, et dont il se déclare l’observateur bienveillant, souhaitant apporter sa contribution à leur bonheur. Toutefois, le film n’approuve jamais son personnage principal (toujours cette distanciation avec l’ambiguité, alors que les sentiments sont limpides et les attentes purement affectives) dans son attachement, alors que celui-ci se révèle être purement désintéressé, et que les sentiments de Sy sont toujours mis en avant. Aussi, quand Sy découvre l’infidélité naissante (la maîtresse du père de famille apporte ses photos à développer), son univers vole en éclats, et sa détresse s’aggrave quand il est licencié pour avoir imprimé des doubles de photos par centaines. Commence alors le harcèlement moral de la mère, à laquelle il envoie les photos de l’infidélité, et qu’il commence à suivre lui-même pour guetter ses réactions. Utilisant pour seule arme un appareil photo, le film tenait jusqu’ici la route. Puis Sy s’empare d’un couteau, traque le mari juste sur le lit de l’adultère pour lui faire la morale… La distance a l’air d’atténuer la légitimité de l’attachement de Sy à la famille, mais en cherchant toujours à expliquer ses réactions, à croire qu’il ne se fait pas confiance dans l’exposition des sentiments (si on est seul, n’est-il pas normal de tout transposer sur un idéal, même banal ? Et sa disparition est-elle moins douloureuse ?). Des hésitations rageantes pour un film possédant un potentiel certain, que les erreurs limitent hélas à un simple thriller psy de modeste envergure.

3,6/6

2002
de Mark Romanek
avec Robin Williams, Connie Nielsen

Effets secondaires est un petit thriller réalisé par Steven Soderberg, sorti dans la discrétion cette année. Pourtant, les ingrédients qu’il se propose de mettre en scène justifiaient largement un détour dans les salles obscurs, après les cafouillages très médiatisés du médiator (et le très politiquement incorrect épisode des vaccins français pour le H1N1 mais shhh, on a déjà oublié, nous les consommateurs patriotes), et comme dans Contagion, c’était l’occasion de soulever tout un tas de lièvres concernant les firmes pharmaceutiques et la mise sur le marchés des médocs (qui sont toujours en phase de test, même quand ils sont vendus en pharmacie). Hélas, avec Soderberg, il est souvent question de rester en surface.

L’histoire : une patiente sous un traitement antidépressif moderne, fait une tentative de suicide ratée dans sa voiture. Examinée par un psychiatre, ce dernier lui prescrit un nouveau traitement expérimental. La jeune femme, dans un état second, poignarde son compagnon. Commence alors le procès chargé de déterminer la responsabilité du drame…

Oui, un tel sujet est passionnant. Tellement de facteurs entrent en jeu, tellement de nuances deviennent lourdes de sens et capitales (surtout dans un procès public), que la matière abordée par Effets secondaires a tout du thriller moderne, politiquement incorrect et capable de nous immerger dans un univers passionnant. Le médicament expérimental est-il dangereux directement ? Est-ce qu’il se combine avec les médicaments déjà pris par la patiente pour avoir des effets secondaires ? Le médecin est-il responsable ? Les tests sanitaires ont-ils été concluants ? Comment les compagnies pharmaceutiques font face à ce genre de situation ? Tous ces sujets sont passionnants, et auraient permis d’ouvrir une fenêtre sur la synthèse médica(menteuse) de notre époque, fonctionnant de paire avec la chimie du pétrole, et au processus de test très strict pas toujours scrupuleusement respecté. Mais si cela est cité, hélas, Effets secondaires n’en traite pas. Il reste en surface, se contentant de montrer le quotidien de la victime (jeune femme d’une vingtaine d’année en légère dépression depuis l’emprisonnement de son compagnon) et sur celui du psychiatre la prenant en charge après sa première tentative ratée. C’est principalement à la cause de ce dernier que le film se rattache, car une fois le meurtre commis, la responsabilité du médecin traitant est toujours remise en cause. Jusqu’au début de procès, le film est plutôt bien construit (longuet, mais ce n’est pas nouveau de la part de Soderberg), et on attend le décollage avec l’acharnement médiatique et l’absence douteuse de la compagnie produisant le médicament dans les conférences de presses. Mais rapidement, le procès prend la sortie de secours avec la fameuse disculpation pour aliénation mentale, et là, tout fout le camp. Le film devient alors un petit thriller psychologique aux enjeux bien plus minimes (la carrière du psychiatre), et vire à la guéguerre d’ordonnance avec l’ancien médecin de la patiente. Bien fade de revenir à ce niveau après autant d’attentes. En l’état, Effets secondaires est un gentil thriller, bien mené et réalisé, qui passe à côté de beaucoup d’enjeux dans mettre les pieds dans le plat, ce qui se révèle sacrément moins attirant.

3,5/6

2013
de Steven Soderbergh
avec Rooney Mara, Channing Tatum

Vu l’aura de chef d’œuvre d’un monument comme Solarys de Tarkovsky (chef d’œuvre intouchable qui s’annonce aussi… profond que 2001 sans le budget), en proposer un remake relevait du quasi suicide. Relevant sa casquette, le cinéaste Soderbergh relève pourtant le défit en 2002, en se lançant dans un remake produit par Cameron avec un casting sobre mais fonctionnel (Clooney, McElhone pour le couple de tête). Un projet mal-aimé dans la carrière du réalisateur, sans doute exagéré malgré sa mise en scène lénifiante.

L’histoire : le psychothérapeute Chris Kelvin est contacté par la station spatiale basée en orbite autour de Solaris, afin de convaincre les astronautes qui y sont stationnés de revenir à la base, sur Terre. En se rendant sur place, Chris découvre qu’un étrange phénomène a complètement perturbé les astronautes, en provoquant la mort de certains.

Solaris est un film de science fiction chiant. Clair et net. Pour la courte durée de 1h30, le film paraît en durer 3, comme si le réalisateur dilatait le temps et voulait s’attarder au maximum auprès de la planète Solaris. Il jette très vite les bases de son héros, le mandate via un énigmatique message et des gardes armés chargés de l’escorter, et moins de 10 minutes après le début du film, nous sommes déjà devant l’impressionnante séquence d’accostage de la navette sur la station spatiale, parés pour commencer l’aventure. Une aventure somme toute humaine, qui s’éloigne radicalement des spectacles pop corn à la Event Horizon et autres Supernova mal famé pour donner dans l’effusion sentimentale pure. La planète Solaris provoque une incroyable mélancolie, car il semble qu’elle ramène à la vie les êtres que l’on a aimé et qui ont péris. Ainsi, chaque astronaute a développé une façon de réagir en face des retrouvailles avec ces morts ressuscités à l’identique, mais qui semble façonnés uniquement à partir des souvenirs des astronautes (pour être plus clairs, ce n’est pas leur personnalité reproduite à l’identique, mais la personnalité tel que l’astronaute la comprenait). Solaris, c’est en quelque sorte Sphere à échelle réduite, débarrassé de l’horreur pour n’en garder que le potentiel émotif. Les maux dont traite Solaris sont complètement affectifs, et passent surtout par l’intermédiaire de flash back (apparaissant au fur et à mesure que les proches recréés vivent, des souvenirs affluent). Un bon bain de psychologie dont, puisqu’il s’agit de SF minimaliste où les astronautes voient un proche qu’ils ont aimé revenir, mais dont le comportement et les actions changent peu à peu au fur et à mesure que la situation évolue (ils n’ont pas conscience qu’ils ont été morts, ne savent pas comment ils ont été recréés, ils apparaissent simplement avec le lien affectif qui les retenait avec l’être cher). Dans un tel climat, on comprend pourquoi le film est chiant, vu qu’il s’agit de personnages qui n’arrêtent pas de parler, et dont les enjeux sont purement relationnels et affectifs. Pas de monde à sauver, pas de menace sourde (du moins, pas tant que les émotions sont contrôlées), simplement un phénomène fantastique qui ébranle à la fois les recréés et les astronautes. Un autre bon point : le visuel. Solaris est peut être un des plus beaux films de Soderbergh, doté d’une photographie magnifique et d’une esthétique futuriste minimaliste vraiment séduisante (sur grand écran, même si on s’ennuie, c’est un bonheur de tous les instants). Le budget a été très correctement utilisé (les séquences spatiales sont léchées, les décors de station tout à fait opérationnels), et en tant que film de SF, Solaris se place à l’égale des grands dans le visuel. Hélas, le rythme complètement plat et la présence de certaines séquences purement esthétiques ralentissant encore davantage le débit rendent Solaris pesant à regarder, avec une grande envie de conclusion au cours de la dernière demi heure. Triste de voir un potentiel pareil réduit par un rythme aussi mou, mais c’est un parti pris, visant à communiquer au spectateur la langueur éprouvée par ces explorateurs de l’espace oscillant entre nostalgie et dépression. Un petit essai intéressant donc, volontiers emmerdant, mais d’une sacré beauté, sur tous ses aspects…

4/6

2002
de Steven Soderbergh
avec George Clooney, Natascha McElhone